Die diesjährige Ausgabe wird von Liz Gomis als Schirmfrau begleitet. Sie übernimmt auch den Vorsitz der Jury für die Wettbewerbsfilme. Gomis, Leiterin der Abteilung „Prefiguration“ bei MansA, dem Haus der afrikanischen Welten, hat sich als Mitglied des Rats für Afrika unter Präsident Macron einen Namen gemacht. Ihre Karriere begann sie als Journalistin und Dokumentarfilmerin und hat seitdem wichtige Impulse für den Dialog über Afrika gesetzt.

Höhepunkte und Premieren im Programm

Das Festival zeigt auch in diesem Jahr zahlreiche Deutschland-, Europa- und Weltpremieren. Zu den Deutschlandpremieren gehören „Death of a Saint“ von Patricia Bbaale Bandak (Uganda), „Didy“ von Gaël Kamilindi und François-Xavier Destors (Ruanda) sowie „The Brink of Dreams“ von Nada Riyadh und Ayman El Amir (Ägypten). Ein besonderes Highlight ist die Weltpremiere von „Kin’Kongolo Kiniata“ von Nizar Saleh aus der Demokratischen Republik Kongo. Darüber hinaus wird „Mother City“ von Miki Redelinghuys & Pearlie Joubert aus Südafrika seine Europapremiere feiern.

Im Programm des AFFK finden sich einige Filme, die kürzlich auf renommierten Festivals wie Sundance, Cannes und der Berlinale ausgezeichnet wurden, wie z. B. „Dahomey“ von Mati Diop, der Gewinner des Goldenen Bären, der sich mit der Rückführung der Schätze des Königreiches Dahomey beschäftigt.

Ein weiterer Höhepunkt ist der Besuch des amerikanischen Regisseurs Billy Woodberry, Mitbegründer der „L.A. Rebellion“ Bewegung. Woodberry wird seinen aktuellen Dokumentarfilm „Marío“ präsentieren, der das Leben des panafrikanischen Intellektuellen und Aktivisten Mário de Andrade beleuchtet.

Podiumsdiskussionen und Workshops

Im Rahmen des Festivals finden in der Aula der Kunsthochschule für Medien Köln drei Podiumsdiskussionen statt, in denen aktuelle Diskurse des afrikanischen Kinos aufgegriffen werden. Dabei stehen beispielsweise Fragen wie die Besitzverhältnisse afrikanischer Filme und die Rolle von Dokumentarfilmen in der Abgrenzung zwischen Wahrheit und Fiktion im Vordergrund.

Das Festival bietet zudem Workshops für Kinder und Jugendliche an. Filmemacher wie Nizar Saleh und Koku Musebeni sowie die Autorin Prof. Dr. Natasha A. Kelly werden an Schulen und Jugendzentren in Köln Film- und Dialogworkshops durchführen.

Abschluss und Preise

Zum Abschluss des Festivals wird es am 29. September ein Special Event in Zusammenarbeit mit dem Schwarzen Filmschaffenden e.V. aus Berlin geben: Das Thema „Afrofuturism and Black Hair: Exploring Identity and Innovation in African Film“ wird in einem Screening und einer Podiumsdiskussion behandelt.

Das Festival vergibt auch mehrere Preise, darunter der mit 2.000 Euro dotierte Jury-Preis, der NRW Diversity-Filmpreis und mehrere Publikumspreise in verschiedenen Kategorien.

Das vollständige Programm ist ab sofort auf der Website des Afrika Film Festivals Köln verfügbar: www.afrikafilmfestivalkoeln.de.

Werner Busch

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Am 1. Oktober ziehen wir darum wieder vor das Rathaus!
Seid dabei!

Filmkultur in Köln, das heißt:
Rund 30 Veranstalterinnen präsentieren im Jahr über 600 Filmprogramme, Filmvorführungen, Gespräche, Workshops, Open Air- Vorstellungen und ziehen damit jährlich fast 50.000 Besucherinnen an.

Hier findet ihr Möglichkeiten, eure Solidarität zu zeigen:
www.filmszene.koeln
www.kulturnetz-koeln.de

Filmszene Köln / KINOaktiv e.V., kinoaktiv@filmszene.koeln

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Cineville gibt es bereits seit 15 Jahren in den Niederlanden, wo es 2009 als Abonnenten-Modell fürs Kino in Amsterdam begann – mit wachsendem Erfolg. Nach den Angaben der niederländischen Betreiber besitzen 85.000 Filmfans ein Abo für den Cineville-Club, das ihnen für einen festen Monatsbetrag den Zugang zu allen Filmen in landesweit 70 Kinos erlaubt. Die Besuchszeiten insgesamt sind seid Einführung des Abos signifikant gestiegen.

Nun geht Cineville auch in Deutschland an den Start – in NRW finden sich alle teilnehmenden Kinos in Köln. Mit dem Cinenova, dem Filmhaus, der Filmpalette, den Lichtspielen Kalk, dem Odeon, dem Off Broadway und dem Weisshaus Kino stammen sie allesamt aus dem Arthouse-Bereich. Vom 15. August 2024 an können Abonnent:innen außer in Köln auch in Berlin, Hamburg, Freiburg und Nürnberg für  20 Euro im Monat (bei einer Laufzeit von einem Jahr) unbegrenzt ins Kino gehen. Bei Abschlüssen für einen Monat kostet das Abo 22 Euro für Erwachsene bis 25 Jahren und 24 Euro für Erwachsene ab 26 Jahren. Die einmalige Einrichtungsgebühr beträgt 4,50 Euro. Von Oktober 2024 an soll das Angebot auf weitere Städte ausgeweitet werden, wie einer der Hauptinitiatoren des Projekts, der Betreiber des Odeon in Köln, Jürgen Lütz, im Interview ankündigt.

Interview mit Initiator Jürgen Lütz

Das Abo soll nicht allein für Einzelfilme, sondern langfristig auch für Festivals gelten, wobei es laut Lütz in dieser Frage mit einigen Veranstaltern noch organisatorische Fragen zum Eintrittspreis zu klären gebe. Langfristig wollen das Abo-System und Festivals wie in Hamburg oder München allerdings voneinander profitieren, so Lütz.

Die Cineville-Karte kann online auf www.cineville.de erworben und sofort genutzt werden.

Frank Olbert

In diesen Kölner Kinos kann das Cineville-Abo genutzt werden:

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Titelbild: How To Have Sex, Foto: Mubi

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Darunter sind einige Filme, die erst in den nächsten Wochen regulär in die Kinos kommen. Beispielsweise der Mystery-Thriller Cuckoo (2024) von Tilman Singer. Der Leipziger Regisseur hatte mit seinem Spielfilmdebüt Luz (2018) internationale Aufmerksamkeit erregt und konnte Cuckoo als US-deutsche Co-Produktion drehen, deren Hauptrollen mit Euphoria-Star Hunter Schafer, der genreerfahrenen Jessica Henwick (Underwater, 2020; Love and Monsters, 2020) und dem spielend zwischen Mainstream und Indie wechselnden Dan Stevens (The Guest, 2014; Godzilla x Kong: The New Empire, 2024) besetzt sind. Schafer spielt die Hauptfigur Gretchen, die bei einem Urlaub mit Vater und Stiefmutter in den deutschen Alpen horrible Dinge erlebt. Der Film wird im MAKK als Open-Air-Veranstaltung gezeigt und beginnt erst bei entsprechender Dunkelheit. Einlass ist ab 20:30 Uhr, der wahrscheinliche Filmbeginn gegen 22 Uhr (Freitag, 28. Juni).

zwei Kinos zeigen Love Lies Bleeding (2024), der am 18. Juli regulär startet, und bereits der Eröffnungsfilm der Fantasy Filmfest Nights 2024 war. Der in den 1980ern angesiedelte Neo-Noir erzählt von Liebe und Verbrechen. Lou, die Tochter eines Waffenhändlers in einer Kleinstadt, verliebt sich in die Bodybuilderin Jackie, doch das Pärchen wird auf der Suche nach Glück in kriminelles Treiben hineingezogen. Man kann den harten Thriller entweder am Freitag, den 28. Juni, um 21 Uhr im OFF Broadway sehen oder am Sonntag, den 30. Juni, um 20 Uhr im Cinenova.

Die französische Komödie Juliette im Frühling (2024) von Blandine Lenoir läuft ebenfalls regulär am 18. Juli an und ist ebenfalls vorab bei den Kölner Kinonächten zu sehen. Eine Kinderbuchillustratorin kehrt in ihre Heimat zurück, wo die geschiedenen Eltern, die ältere Schwester und die Großmutter verblieben sind, was zu Wiedersehen, Reibungen und scharfzüngigen Wortgefechten führt (Samstag, 29. Juni, 18 Uhr, Cinenova). Noch einen Neustart der nächsten Wochen ist in einer Sneak Preview am Freitag, den 28. Juni, um 21 Uhr im Odeon zu sehen.

Hinzu kommen einige wohlgelittene, relativ aktuelle Titel, die man nochmal auf der Leinwand erleben kann. Etwa Poor Things (2023) von Yorgos Lathimos, der bei den diesjährigen Academy Awards vier Oscars absahnte, darunter den für Emma Stone als beste Hauptdarstellerin. In dieser Groteske nach Frankenstein-Motiven spielt sie die junge Frau Bella, der nach einem Selbstmord das Gehirn ihres ungeborenen Kindes eingesetzt wird. Die in Fischaugenoptik erzählte Satire ist nicht unumstritten, geht es doch unter anderem um weibliche Selbstermächtigung durch Sexarbeit, aber wer den Film (nochmal) im Großformat erleben will, der hat an diesem Wochenende Gelegenheit dazu als Open-Air-Screening (Samstag, 29. Juni, geplant für 22 Uhr, MAKK).

Die komplett dialogfreie, animierte Freundschaftsgeschichte Robot Dreams (2023) über einen Hund und seinen Roboter, die nicht nur auf dem Fantasy Filmfest 2023, sondern auch bei der Kritik für Begeisterung sorgte, gibt es ebenfalls zu sehen, ebenfalls Open Air im MAKK (Donnerstag, 27. Juni, geplant für 22 Uhr). Noch weiter vom Mainstream weg ist Omen (2023). Die internationale Co-Produktion erzählt von Koffi, der in Belgien lebt und dort heiraten möchte, aber zuerst in seine Heimat im Kongo zurückkehrt, um den Segen für die Vermählung abzuholen. Dabei treffen verschiedene Vorstellungen aufeinander, der verlorene Sohn kehrt aus dem aufgeklärten Westen in das Dorf in Afrika zurück, wo der (Aber-)Glaube noch eine große Rolle spielt (Sonntag, 30. Juni, 20:30 Uhr Turistarama).

Doch auf Filmgeschichte wird geboten. Etwa Der weiße Hai (1975), der nicht nur mehrere Generationen das Fürchten vor dem Wasser lernte, sondern auch den Sommerblockbuster aus der Taufe hob. Steven Spielbergs unverwüstliche, hochspannende Tierhorror-Blaupause mit unvergesslichem Soundtrack ist eines der Open-Air-Screenings dieses Jahr (Donnerstag, 27. Juni, 22:15 Uhr, Cinenova). Wesentlich weniger bekannt, aber deshalb nicht weniger lohnenswert ist Take Aim at the Police Van (1960) aus Japan. Ein Gefangentransport wird überfallen, zwei Häftlinge sterben, der verantwortliche Aufseher wird zeitweise suspendiert. Er ermittelt auf eigene Verantwortung, was hinter dem Verbrechen steckt (Donnerstag, 27. Juni, 18:30 Uhr, Japanisches Kulturinstitut). Ein moderner Klassiker dagegen ist City of God (2002): Die unter die Haut gehende Geschichte über Coming of Age, Armut und Ganggewalt aus Brasilien kann unter freiem Himmel auf Großleinwand bestaunt werden (Freitag, 28. Juni, 22:15 Uhr, Cinenova).

Außerdem zeigen viele Kölner Institutionen wieder Flagge. Etwa der Verein Köln in Film, der Lichter der Stadt (2020) präsentiert. In dem One-Take-Film wandert Joscha durch das nächtliche Köln, kauft Drogen und hat immer wieder Begegnungen mit Bekanntschaften und Freund*innen (Freitag, 28. Juni, 20 Uhr, Filmpalette). Die ifs Internationale Filmschule Köln und Edimotion, das Festival für Filmschnitt und Montagekunst, halten im Rahmen der Kinonächte wieder eine ihrer ifs-Begegnungen Edimotion ab. Dieses Jahr läuft Sans Soleil – Unsichtbare Sonne (1983) von Chris Marker, den Gast Daniela Kinateder ausgewählt hat. Im anschließenden Filmgespräch wird die Editorin über den Schnitt der dokumentarischen Materialsammlung sprechen (Freitag, 28. Juni, 19 Uhr, Filmforum im Museum Ludwig). Das Kölner Kurzfilmfestival (KFFK) sorgt dagegen wieder mit der Kurzfilm-Radtour Shorts on Wheels für Sehgenuss und stramme Waden. Am Freitag, den 28. Juni, startet die Fahrt am Biergarten Brauwelt um 21:30 Uhr, von da an geht es durch die Stadt, während bei Zwischenhalten Mauern von Wänden zu Leinwänden werden, Beamer und Soundanlage sei Dank.

Das ist jedoch nur ein Teil des Programms, das wieder eine enorme Bandbreite von Interessen, Epochen, Formaten und Stilen abbildet. Alle weiteren Infos zu der diesjährigen Veranstaltung gibt es auf der Homepage der Kölner Kino Nächte.

Nils Bothmann

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• 6. Mai, 20 Uhr, Filmhaus
  Westend
  
• 14. Mai, 20 Uhr, Odeon
  Egoshooter
  
• 21. Mai, 20 Uhr, Odeon
  Romeos
  
• 27. Mai, 20 Uhr, Filmhaus
  Oray

„Mit der Fortsetzung unserer Filmreihe „Auf den 2.Blick! Köln im Fokus“ ergänzen wir die Spielfilme des vergangenen Jahres um weitere vier sehr unterschiedliche, spannende Filme aus den Jahren 2001 bis 2018“, so die Veranstalterinnen. Und das ist überaus zutreffend. Die Geschichten, Figuren und Erzählformen könnten bei diesen vier Filmen nicht sehr viel unterschiedlicher sein – genau das hat man natürlich beabsichtigt und möchte ein großes Spektrum von Bildsprachen, Erzählperspektiven und Themen präsentieren.

6. Mai, 20 Uhr, Filmhaus
Westend
D 2001, 89 min., s/w
Regie: Markus Mischkowski, Kai-Maria Steinkühler
Kamera: KaPe Schmidt (DGPh)
Mit: Markus Mischkowski, Kai-Maria Steinkühler, Jens Claßen, Katharina Schmaltz

In einem Kölner Vorort vertreiben sich die beiden Langzeitarbeitslosen Alfred und Mike die Zeit mit Abhängen und Biertrinken. Das Angebot eines alten Kumpels klingt verlockend: Die beiden sollen seinen runtergekommenen Kiosk in eine florierende Trinkhalle verwandeln. Doch es kommt anders als geplant. Rasto entpuppt sich als windiger Geschäftsmann und Alfred verliebt sich, anstatt zu arbeiten…
Die Independent Komödie „Westend” von Markus Mischkowski und Kai-Maria Steinkühler stammt aus ihrem „Kölner Westend-Zyklus”, den sie 1995 begonnen haben: in schwarz-weiß gedrehte Kurz- und Langfilme, die mit wiederkehrenden Figuren einen eigenen Kosmos aufbauen, einer eigenen Ästhetik folgen. Wunderbar skurril, ironisch und mit Liebe zum Detail.
Die Vorführung widmen wir Kai-Maria Steinkühler, gestorben 2021.
Gäste: Markus Mischkowski, Regie, Drehbuch, Darsteller und KaPe Schmidt, Kamera

14. Mai, 20 Uhr, Odeon
Egoshooter
D 2004, 79 Min.
Regie: Christian Becker und Oliver Schwabe
Mit Tom Schilling, Camilla Renschke, Lilia Lehner

Der 19jährige Jakob lebt bei seinem Bruder und dessen Freundin in Köln. Er streunt durch die Stadt, trifft sich mit Freunden, geht auf Parties, schnorrt Passanten an, hängt zuhause ab. Immer dabei: seine Videokamera. Obsessiv beobachtet er sich selbst und seine Umgebung – die Kamera ist Spiegel und Tagebuch zugleich.
Die subjektive Kamera – von Darsteller Tom Schilling selbst genutzt – prägt den Stil des Films. Assoziativ und fragmentarisch folgt er den Suchbewegungen der Hauptfigur, ein Puzzle aus Momentaufnahmen und Stimmungen.

Gäste: Christian Becker, Regie und Christian Exner, wissenschaftlicher Mitarbeiter im Deutschen Kinder- und Jugendfilmzentrum (KJF)

21. Mai, 20 Uhr, Odon
„Romeos … anders als du denkst!“

D 2011, 97 Min.
Regie: Sabine Bernardi
Mit: Rick Okon, Maximilian Befort, Liv Lisa Fries

Alles ist neu: Der 20jährige Lukas fängt seinen Zivildienst an und zieht dazu in die Großstadt. Dass er ein Zimmer im Schwesternwohnheim und nicht im Zivi-Heim zugewiesen bekommt, macht den Start allerdings besonders schwierig. Denn er steckt mitten in seiner Geschlechtsangleichung. Seine Freundin Ine unterstützt ihn, nimmt ihn mit ins Kölner Partyleben und die Schwulen-und Lesbenszene. Als sich Lukas in den attraktiven, machohaften Fabio verliebt, wird seine Lage noch komplizierter.

„Romeos“ ist nicht nur ein Film über das Erwachsenwerden eines jungen Transmanns, sondern auch ein Film über Liebe, Freundschaft und die Suche nach Identität, fernab von konventionellen Rollenklischees.

Gast: Marcel-Jana Urban, Filmstudent*in an der ifs Internationale Filmschule Köln und „Sprecher*in von queer@filmschule“.

27. Mai, 20 Uhr, Filmhaus
Oray

D 2018, 101 Min.
Regie: Mehmet Akif Büyükatalay
Mit: Zejhun Demirov, Cem Göktas, Deniz Orta

Im Streit mit seiner Frau Burcu spricht Oray die muslimische Scheidungsformel „talaq“ aus. Der örtliche Imam in Hagen erklärt ihm, dass das eine dreimonatige Trennung zur Folge haben muss. Während Burcu für solche religiösen Regeln kein Verständnis hat, fühlt sich Oray seinem Glauben verpflichtet. Er lässt sich auf die vorläufige Trennung ein, zieht nach Köln und will mit dem Neuanfang seine kleinkriminelle Laufbahn hinter sich lassen. Er findet einen Job, eine Wohnung und Anschluss an eine konservative Gemeinde. In der geschlossenen Männerwelt erwirbt er sich Respekt und ist doch hin und hergerissen zwischen der Liebe zu seiner Frau, den strikten Regeln der Gemeinde uns seinen eigenen Wertvorstellungen.

Der Film wurde auf der Berlinale 2018 als bester Erstlingsfilm ausgezeichnet, Zejhun Demirov (Oray) erhielt den First Steps Award als bester Nachwuchsdarsteller.
Gast: Zejhun Demirov, Schauspieler

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Quasi schon Tradition beim FFF hat die Reihe um den knarzigen Prügelcop Ma Seok-do (Ma Dong-seok alias Don Le), die mit The Outlaws (2017) ihren Anfang nahm, mit The Roundup (2022) im Heimatland Südkorea zum Kassenhit wurde (zu sehen auf dem FFF 2022) und mit The Roundup: No Way Out (2023) (zu sehen auf dem FFF 2023) und nun eben The Roundup: Punishment (2024) fortgesetzt wurde. Im neuesten Streich der Reihe gerät der knüppelharte Schellenverteiler zwischen die Fronten eines skrupellosen IT-Unternehmers und eines abstechfreudigen Ex-Söldners, was ordentlich Action garantiert (Donnerstag, 18. April, 21.45 Uhr). Aus dem gleichen Land wie die Roundup-Reihe stammt auch Kim Jee-woon, in Vergangenheit bereits mit dem Gangsterdrama A Bittersweet Life (2005), dem hyperkinetischen Action-Western The Good, the Bad, the Weird (2008) und dem Serienkiller-Rachethriller I Saw the Devil (2010) im FFF-Programm vertreten. Mit Cobweb (2023) geht es weniger actionreich und weniger düster zu: Song Kang-ho spielt einen Regisseur, der den intradiegetischen Film „Cobweb“ nach seinen Vorstellungen fertigstellen will, gegen alle Widerstände, sei es nun das produzierende Studio oder der Mangel an Originaldarstellern (Samstag, 20. April, 19.30 Uhr).

Südkorea zum dritten: Concrete Utopia (2023) schildert ein apokalyptisches Katastrophenszenario, von dem nur ein einziger Wohnblock in Seoul verschont bleibt. Die Beton-Utopie des Titels wird aber schnell zur Dystopie, als man sich der Ressourcenknappheit bewusst wird und blockfremde Menschen Unterschlupf in dem Gebäude suchen. Wer darf bleiben, wen schickt man in den wahrscheinlichen Tod? Die Der-Mensch-ist-des-Menschen-Wolf-Parabel wurde von Südkorea als offizieller Oscar-Beitrag in diesem Jahr eingereicht (Sonntag, 21. April, 14 Uhr). Ebenfalls Award-Kino: The Empire (2024) gewann auf der diesjährigen Berlinale den Jury-Preis. In einem französischen Kaff landen Aliens, die menschliche Körper übernehmen und einen Krieg dort austragen, auf Kosten der einheimischen Bevölkerung. Derartige Alien-Comedy-Invasionen ist Frankreich spätestens seit Louis und seine außerirdischen Kohlköpfe (1981) gewohnt, das hier ist allerdings eine Low-Budget-Star Wars-Parodie, inklusive Lichtschwertduellen, wahnsinnigen Weltall-Despoten und Raumschiffen in Kirchenform (Samstag, 20. April, 14.45 Uhr).

Ebenfalls reichlich abgefahren kommt Boy Kills World (2023) daher. Boy (Bill Skarsgard), der Protagonist des abgedrehten Action-Spektakels, ist taubstumm, hat seine innere Stimme nach einem Arcade-Automaten-Spiel modelliert und will sich an der teuflischen Sippschaft rächen, die seine Familie auf dem Gewissen hat. Die wiederum veranstalten perverse Mord-und-Totschlag-Fernsehshows in der Tradition von Running Man (1987), Gamer (2009) und Squid Game (2021-), sodass für blutig-exzentrische Set-Pieces gesorgt sein dürfte (Samstag, 20. April, 17 Uhr). Ähnlich durchgeknallt kommt die Seventies-Hommage The Invisible Fight (2023) aus Estland daher: Ein Black-Metal-Fan arbeitet als Wachmann an der sowjetisch-chinesischen Grenze, will aber lieber Martial-Arts-Meister werden und sucht nach Shaolin-Mönchen, die ihn in der Kampfkunst schulen (Freitag, 19. April, 17.45 Uhr).

Auf den ersten Blick mag man die Eighties-Pastiche Love Lies Bleeding (2024) in eine ähnliche Retro-Schublade stecken. Indie-Darling Kristen Stewart spielt im Eröffnungsfilm des Festivals das lesbische Provinzpflänzchen Lou, das sich in die ehrgeizige Bodybuilderin Jackie verguckt. Das Paar verstrickt sich in kriminellen Machenschaften mit blutigem Ausgang. Auf Bild- und Tonspur werden die 1980er zum Leben erweckt, doch nicht als augenzwinkernde Hommage, sondern als derber Neo-Noir-Thriller von Schrot und Korn (Donnerstag, 18. April, 19.30 Uhr). Ein weiterer Retro-Film aus den USA, der sich und sein Genre dabei jedoch komplett ernst nimmt, ist Late Night with the Devil (2023). Die Geschichte ist angesiedelt in der Halloween-Nacht des Jahres 1977, als ein Moderator die sinkenden Quoten seiner Late-Night-Live-Sendung mit einer wahren Horrorshow retten will, zu der er unter anderem ein angeblich besessenes Mädchen einlädt. Bald müssen er und die Crew merken, dass man sich mehr als nur die menschlichen Gäste ins Haus geholt hat und dann ist die Hölle los (Sonntag, 21. April, 19 Uhr).

Unter anderem im Programm sind noch die originell bebilderte Coming-of-Age-meets-magischer-Realismus-Story Riddle of Fire (2023), die auch schon in Cannes und Toronto zu sehen war (Samstag, 20. April, 12.30 Uhr); der Body-Horror Suitable Flesh (2023) nach H.P.-Lovecraft-Motiven (Samstag, 20 April, 22.15 Uhr); der australische Spinnenhorrorfilm Sting (2024) von Wyrmwood-Macher Kiah Roache-Turner (Freitag, 19. April, 19.15 Uhr); und der Animationsfilm The Weird Kidz (2024), der inhaltlich und zeichnerisch an die Adult-Cartoons aus der Blütezeit von MTV in den 1980ern und 1990ern anschließt (Freitag, 19. April, 14 Uhr).

Von südkoreanischer Krawall-Action über absurde französische Sci-Fi-Komödien bis hin ironiefreiem US-Teufelshorror ist also wieder eine ganze Bandbreite von Herkunftsländern, Genres und Tonfällen im Programm vertreten. Ein Blick in das vielfältige Programm sollte sich also lohnen.

Alle Infos zum Programm und zu den Tickets gibt es auf der Homepage des Festivals.

Nils Bothmann

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Das Motiv der wütenden, wehrhaften Frau zieht sich durch die Filmgeschichte, wie bereits der Ein-Minüter The Dairymaid’s Revenge von 1899 beweist. Darin wehrt sich eine Milchmagd gegen Belästigung durch einen Mann, indem sie den Kerl mit ihrer nassen Ware überschüttet. Dies ist Teil des Kurzfilmprogramms Wütende Stummfilm-Pionier*innen (19. April, 18 Uhr, Filmforum NRW). Dieses umfasst acht Beiträge aus den Jahren 1899 und bis 1921. Der neueste Film ist auch der längste: Gehen die anderen Beiträge zwischen einer und acht Minuten, so dauert L’uomo Meccanico (1921) 40 Minuten – was auch daran liegt, dass es sich um das erhaltene Fragment eines Langfilms handelt, genauer gesagt um eine Filmrolle, die etwas mehr als das letzte Drittel des verschollenen Gesamtfilms ausmacht. Zu sehen ist der Showdown der italienischen Science-Fiction-Werks: Eine Bandenführerin hat einen Riesenroboter in ihre Gewalt gebracht und steuert ihn auf einen Maskenball zu. Diese Frau verspürt Wut und Raserei, ist aber die Antagonistin des Stücks.

Ganz anders dagegen sieht es in 9 to 5 alias Warum eigentlich… bringen wir den Chef nicht um? (1980) aus. Drei Büroangestellte (Jane Fonda, Lily Tomlin, Dolly Parton) leiden unter ihrem intriganten, sexistischen und egofixierten Vorgesetzten. Könnte Mord die Lösung sein, wie es der deutsche Titel dieses Comedy-Klassikers suggeriert? Oder zumindest eine Entfürhung? Jedenfalls bewährt sich weibliche Solidarität im Angesicht männlicher Seilschaften (21. April, 16 Uhr, Filmhaus). Direkt im Anschluss noch ein Film der 1980er-Jahre, dieses Mal aus der Tschechoslowakei: Die Wolfsbaude (1986). Eine Gruppe von jugendlichen Skifahrer*innen wird mit ihren drei Skilehrer*innen in einer entlegenen Hütte eingeschneit. Doch das ist erst der Anfang, als das Lehrpersonal eine Willkürherrschaft in dem abgetrennten Mikrokosmos errichtet, in dem die Jugendlichen wahlweise privilegiert oder abgewertet werden, auf jeden Fall gegeneinander aufgehetzt werden, wobei eine Person aus ihrem Kreis zum Sündenbock erklärt und getötet werden soll. Eine Satire über totalitäre Systeme, inszeniert mit den Mitteln des Horrorfilms (21. April, 18 Uhr, Filmhaus).

Ebenfalls mit den Mitteln des Horrorfilms ist das böse Schlitzerstück Prevenge (2016). Die schwangere, frisch verwitwete Ruth, gespielt von Regisseurin und Drehbuchautorin Alice Lowe, wird zur Serienmörderin – vermeintlich angetrieben von der Stimme ihres ungeborenen Kindes. Lowe verarbeitete damit Erfahrungen aus ihrer eigenen Schwangerschaft, die sie zuvor nicht auf der Leinwand repräsentiert sah (17. April, 18 Uhr, Filmhaus).

Weitere „Rage & Horror“-Filme neueren Produktionsdatums im Programm: Hellbender (2021), ein Punk-Rock-Coming-of-Age-Horrorfilm über Familienbande und Selbstbestimmung (20. April, 20.30 Uhr, Filmhaus); Tiger Stripes (2023) aus Malaysia, der auch schon beim Fantasy Filmfest 2023 zu sehen war, in dem die erste Periode bei Teenager-Protagonistin Zaffan nicht nur gesellschaftlichen Außenseiterstatus, sondern auch übernatürliche Kräfte bewirkt (18. April, 19.30 Uhr, Filmhaus); und Dry Ground Burning (2022), ein brasilianischer Gangfilm über eine Frauenbande, die geklautes Öl gewinnbringend verkauft und sich dabei als wehrhaft-selbstbestimmter Gegenpol zu den rechtsgerichteten Bolsonaro-Anhängern positioniert (18. April, 19 Uhr, Aula der KHM). Ebenfalls eine politische Abrechnung: Die experimentelle Collage Hello Dankness (2022), die Clips aus den Jahren 2016 und 2021 montiert und so eine Bestandsaufnahme der Trump-Ära vornimmt. Ein raubkopiertes Musical über Verschwörungstheorien, Verrohung und Verwirrung (17. April, 20 Uhr, Filmhaus).

Neben weiteren Film- und Musikvideoscreenings gehören auch zwei andere Veranstaltungen zum Fokus Rage & Horror. Zum einen das Panel Rage & Horror als feministische Strategie (20. April, 12 Uhr, Filmhaus), für das kein Eintritt erhoben wird. In einem Gespräch (auf Englisch) mit Gespräch mit Nancy Mac Granaky-Quaye, Sara Neidorf, Jennifer Reeder, Toby Poser und Gästen des Festivals wird über die wütende Frau auf der Leinwand gesprochen. Inwiefern ist sie subversiv oder befreiend, inwiefern werden diese Bilder wieder eingehegt, z. B. indem die rasende Frau für verrückt erklärt oder lächerlich gemacht wird? Zum anderen gibt es den Workshop „Pretty Deadly Self Defense“ (19. April, 11 Uhr, Aula der KHM). Auch hier ist der Eintritt frei, die Teilnahme ist jedoch nur für FLINTA*. Auch dieser findet in englischer Sprache statt; Teilnehmenden wird bequeme Kleidung empfohlen. Im ersten Teil geht es unter der Leitung von Susie Kahlich anhand von Horror-Filmausschnitten um Selbstverteidigungstechniken gegen Schlitzer, Zombies und andere Monster, im zweiten Teil um subversive Möglichkeiten einer feministischen Aneignung von Wut unter der Leitung von Betty Schiel und Sara Neidorf.

Wut, Raserei, Selbstverteidigung und Selbstbehauptung in Theorie und Praxis, egal ob in Screenings oder Workshops, auf der Leinwand oder davor. Und ganz gewiss kein Verhalten, das sich für eine Dame aus dem Benimm-Knigge der Altherren-Gesellschaften geziemt.

Alle Infos zum Programm gibt es auf der IFFF-Homepage.

Nils Bothmann

Titelbild: Tiger Stripes (2023), Foto: Weydemann Bros.

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Das Festival präsentiert an 6 Tagen 95 Filme aus 40 Ländern. Viele Gäste werden erwartet, um ihre Filme mit dem Publikum zu diskutieren. Das facettenreiche Programm bietet neben den Wettbewerben die Sektionen begehrt! – filmlust queer, Panorama, Spot on, NRW!, und ein Programm für Kinder und Jugendliche sowie viele Specials. Der thematische Fokus: Rage & Horror spürt quer durch die Filmgeschichte Bildern und Geschichten von weiblicher Wut und feministischem Horror nach – von 1899 bis heute.

Alle Infos zum Programm und den Filmen findet ihr hier auf der Website. Digital blättern können wir im Programmheft und dem dazugehörigen Timetable. Programmhefte liegen ab sofort in den Festivalkinos aus.

Der Vorverkauf über rausgegangen ist gestartet!

In Zusammenarbeit mit dem Netzwerk Filmkultur e. V. veranstaltet das Festival den Thementag »Kino als kulturelle Leinwände stärken« am Donnerstag, 18. April, im Filmhaus Köln. Best‐Practice‐Beispiele aus anderen Ländern werden als Modelle vorgestellt. Im Werkstattgespräch Bildgestaltung stellt die renommierte Bildgestalterin Sophie Maintigneux das Werk der international ausgezeichneten Kamerafrau Susanne Schüle vor. Eine Hommage an die 2023 verstorbene Experimentalfilmemacherin Birgit Hein erinnert an eine der radikalsten Künstlerinnen Deutschlands (in Kooperation mit Köln im Film).

Titelbild: Ellbogen | Elbow von Aslı Özarslan | © Haydar Tastan, Achtung Panda!

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Mit einem wunderbaren, aus privater Freundschaft gewonnenem Gefühl, nähern sich die jungen Filmemacher:innen ihrem Protagonisten und der Widerstands-Szene im Hambacher Forst. Taktvoll aber konsequent wird das Material von Steffen Meyn genutzt, der sich für die Dokumentation der Räumung in Gefahr brachte und tragisch verunglückte.

Die Aktivist:innen‐Szene im Hambacher Forst hatte Steffen Meyn von Anfang an fasziniert. Seit 2017 war er immer wieder in dem Waldgebiet zwischen Köln und Aachen mit einer 360°‐Kamera unterwegs. Der Bürgewald wurde seit vielen Jahren vom Energiekonzern RWE zerstört, um den Braunkohle‐Tagebau Hambach auszuweiten. Dieser versorgt umliegende Kraftwerke, die zu den mit Abstand größten CO2‐Schleudern in Europa gehören. Als die Landesregierung mit einem der größten Polizeieinsätze in der Geschichte von NRW den Wald im September 2018 räumen ließ, wurde seine 360°‐Helmkamera zu einem wichtigen Instrument, um Menschen vor Polizeigewalt zu schützen und den gefährlichen, mehrwöchigen Einsatz zu dokumentieren.

Die gelöschten Aufnahmen

Als die Polizei im Zuge der Räumung die Bewegungsmöglichkeiten der Presse immer weiter einschränkte, entschloss sich Steffen Meyn, viele Meter über dem Boden in einer Baumhaussiedlung seine Arbeit fortzusetzen. Hier kam es am 19. September zu dem Unfall, bei dem er durch eine Hängebrücke brach, in die Tiefe stürzte und kurz darauf verstarb. Auch während dieses Unglücks lief seine Kamera. Diese und andere Aufnahmen wurden von der Polizei später gelöscht. Dass sie auf der großen Kinoleinwand zu sehen sein konnten, und nun auch als DVD oder im Stream, ist dem Engagement vieler Menschen zu verdanken.

Die Filmemacher:innen Fabiana Fragale, Kilian Kuhlendahl und Jens Mühlhoff studierten mit Steffen Meyn an der KHM. Schon bald nach dem Unfalltod ihres Freundes war klar, dass aus seinen knapp 50 Stunden Filmmaterial etwas entstehen muss. »Dass es sich bei Steffens Material quasi ausschließlich um 360°‐Filmaufnahmen handelt, wurde für uns zu einer ganz besonderen Herausforderung. Es ist z. B. sehr zeitaufwendig, Kameramaterial zu sichten, das alle Himmelsrichtungen gleichzeitig abbildet. Die Kamerawinkel und Bildkadrierung haben wir erst im Montageprozess festgelegt und im Zusammenspiel mit unserem Editor auch immer wieder angepasst«, erzählt Jens Mühlhoff. »Ich glaube, dass noch niemand – zumindest mit fremdem Material – so gearbeitet hat.

Annäherungen an einen tragischen Tod

Eine wesentliche Fragestellung war es für die Filmemacher:innen, wie sie sich dem Tod von Steffen annähern sollten: »Es war uns allen klar, dass wir das nicht auslassen können. Es wäre gelogen gewesen, diese Aufnahmen nicht zu verwenden«, so Kilian Kuhlendahl. Fabiana Fragale ergänzt: »Und es war auch schnell klar, dass wir mit diesem Unfall den Film beginnen lassen, um das Publikum zu entlasten, dass ja auf diesen Moment warten würde. Der Film wird aber später wieder dorthin zurückkommen. Es war uns wichtig zu zeigen, wie es passiert ist – die Minuten vor und nach dem Unfall. Aber nicht den Sturz selbst, diese Sekunden lassen wir aus.«

Das Material von Steffen Meyn wird dabei um neu aufgenommene Interviews mit Aktivist:innen ergänzt: »Wir wollten zeigen, wer eigentlich diese Menschen sind, die in Steffens Aufnahmen fast immer nur vermummt zu sehen sind«, sagt Kilian Kuhlendahl. Für Jens Mühlhoff haben »diese Interviews die Möglichkeit gegeben, über Steffens Tod hinauszugehen. Was hat diese intensive Zeit im Hambacher Forst mit den Menschen gemacht, wo sind sie heute?« Fabiana Fragale: »Es war uns wichtig, zu zeigen, dass das Leben weitergegangen ist und damit auch die Entwicklung der Klimabewegung und vielleicht sogar der Gesellschaft insgesamt«.

Gesellschaftliche Fragen

Obwohl der Dokumentarfilm ganz nah der Geschichte von Steffen Meyn folgt, sei »Vergiss Meyn Nicht« von übergeordneten Fragen bestimmt, sagen die Filmemacher:innen: »Wir haben uns viel mit politischen Fragen beschäftigt, aber das sollte nicht im Kern des Films stehen. Wir wollen beleuchten, was Menschen dazu bringt, ihre Körper einzusetzen, um gegen einen Konzern wie RWE zu kämpfen und dafür auch ihr Leben zu riskieren. Und warum es sich lohnt zu kämpfen. Auch über Verantwortung haben wir viel gesprochen. Besonders, was die Frage der Schuld an Steffens Tod angeht. Aber auch hier gibt es keine einfachen Antworten. Es gibt nicht die eine Person, die dafür verantwortlich wäre. Auch ‘die Politik’ ist nicht alleine schuld. Wir versuchen mit diesem Film, den übergeordneten, gesellschaftlichen Fragen nachzuspüren.«

Große gesellschaftliche Themen in persönlichen, individuellen Geschichten zu verhandeln, ist der Produktionsfirma Made in Germany in Köln quasi in die DNA eingeschrieben. »Aktivistischer Widerstand ist wichtig für eine Demokratie, aber er wirft fast immer Widersprüche und Ambivalenzen auf und oft auch Fragen, die unbeantwortet bleiben«, sagt Produzentin Melanie Andernach. »Steffen wurde zunehmend auf die Seite der Aktivist:innen gezogen, gleichzeitig haderte er mit der Militanz einiger von ihnen. Wir machen in dem Film mit Steffen eine Entwicklung durch und verstehen später vielleicht ein Stück weit besser, warum Menschen ihre Körper und ihr Leben für Aktivismus einsetzen. Obwohl der Film sich auf Steffen und den Hambacher Forst konzentriert, ist seine Geschichte allgemeingültig.«
Das Oberverwaltungsgericht des Landes NRW untersagte nur drei Tage nach der abgeschlossenen Räumung die Rodung des Hambacher Forstes, er existiert bis heute und wird durch eine neue Besetzung geschützt. Das Gericht stellte außerdem im September 2021 in einem Urteil fest, dass die von der Landesregierung veranlasste Räumung rechtswidrig war. All das erlebte Steffen Meyn nicht mehr. Er wurde 27 Jahre alt.

Von Werner Busch

Dieser Text erschien zuerst in einer kürzeren Form im Magazin der Film- und Medienstiftung NRW, Ausgabe 1-2023.

Der Beitrag „Vergiss Meyn Nicht“: FILMKRITIK erschien zuerst auf Filmszene Köln.

Werner Busch: Das Festival ist nicht nur an den Schnittstellen zwischen Tanz und Film angesiedelt, sondern bringt auch VR, AR und Installationen in einer Ausstellung zusammen. Außerdem gibt es Workshops und Symposien. Wer kommt bei Moovy zusammen?

Ágota Harmati: Jeder, der sich für Film, audiovisuelle Kunst oder moderne Technik im Kunstkontext interessiert, muss das Moovy Festival besuchen! Hier kommt ein aufgeschlossenes, interessiertes Publikum zusammen, außerdem Tänzer:innen, Choreograf:innen, Filmemacher:innen und Medienkünstler:innen, die gerne neue Erfahrungen sammeln möchten. 

Wie ist das Tanzfilmfestival in Köln entstanden? 

Es ist sehr wichtig, dass interdisziplinäre, experimentelle Formate Sichtbarkeit und eine Plattform erhalten, die nicht in die klassischen Formate oder Sparten-Schubladen passen. Ich habe schon lange mit Tanzfilmen und experimentellen, interdisziplinären Formaten gearbeitet, auch in anderen Ländern, unter anderem in Spanien und in Ungarn. Köln ist ein so lebendiger Ort für die Tanzszene und die Medienwelt, dass es einfach die perfekte Stadt für dieses Festival ist.

Wie entsteht das Filmprogramm des Festivals?

In jedem Jahr machen wir einen Call for Entries, bei dem über 1.000 Einreichungen aus aller Welt zusammenkommen. In diesem Jahr findet Moovy bereits zum achten Mal statt und ich habe im Lauf der Jahre ein weltweites Netzwerk ausgebaut. Das Festival hat eine große Strahlkraft für die Tanzfilmszene auch außerhalb der deutschen Grenzen gewonnen. Ich lege Wert darauf, dass nicht nur Künstler:innen aus Europa und Nordamerika vertreten sind, wie ich das oft im Bereich experimenteller Kunst sehe, sondern auch aus Asien, Afrika oder Südamerika. 

Bei dieser Ausgabe hat mich Christiane Hartter von der Filmsammlung des Deutschen Tanzarchiv Köln als Ko-Kuratorin unterstützt. Bei der Zusammenstellung der fünf Filmprogramme war es mir wichtig, dass jedes eine eigene ästhetische Ausprägung hat und die Zusammenstellung den Zuschauer:innen im Kino ein einmaliges Erlebnis bietet. Ich freue mich sehr, dass wir auch die Gelegenheit haben werden, mit einigen der Filmemacher:innen und Choreograf:innen der Filme live vor Ort sprechen zu können.

Gibt es in dieser großen Auswahl an kurzen Filmen einen oder mehrere, auf die du dich persönlich besonders freust? 

Es gibt wirklich viele tolle Filme in jedem Programm zu sehen. Für mich hat der Film „Shells“ aus Tschechien eine besondere Bedeutung, bei dem Marie-Magdalena Kochová Regie geführt hat, die  Choreografie stammt von Jarek Lambor. Der Film spielt im Aufzug eines Pflegeheims. Dieser kleine Raum wird zu einer Bühne, als ein alter Tänzer die Grenzen seines Körpers, seines Gedächtnisses und des Laufs der Zeit darin auslotet. Gefangen zwischen vier Wänden muss er sich der Hilflosigkeit seiner eigenen vergänglichen Körperhülle stellen. In der Hauptrolle ist Jan Minařík zu sehen, der Solist des Pina-Bausch-Theaters und der größte tschechische Tänzer des 20. Jahrhunderts. Jan Minařík machte den Film im Alter von 77 Jahren, er ist kurz nach den Dreharbeiten verstorben. Eine unglaublich berührende Arbeit.

Welche Kriterien waren dir bei den VR- und AR-Experiences wichtig in diesem Jahr? Welche neuen Möglichkeiten bieten sie gegenüber dem Film – sowohl für die Macher:innen, als auch die Festivalgäste, die diese Experiences erleben können?

VR und AR bieten an der Schnittstelle von Tanz und Medienkunst neue Möglichkeiten, besonders im Bereich Verkörperung. Wichtig waren für mich Arbeiten, die jenseits des bloßen Experimentierens mit den neuen Möglichkeiten, künstlerische Inhalte erschaffen haben, die in anderen Formaten nicht denkbar gewesen wären, die nur als VR oder AR möglich sind. Die Zuschauer:innen können diese Experiences teilweise auch beeinflussen oder steuern und werden somit ein Teil von ihr. 

Könntest du vielleicht ganz kurz etwas zu dir erzählen? Was ist dein Background und was fasziniert dich am Tanz und seinen multimedialen Ausdrucksformen?

Ich bin in Ungarn geboren und habe Kuration, Kunstgeschichte und Romanistik in Madrid, Köln und Berlin studiert. Seit einigen Jahren lebe ich in Köln und arbeite als Kuratorin an der Schnittstelle von Tanz, Film und digitalen Künsten. Mit dem Moovy Tanzfilmfestival möchte ich eine Präsentationsplattform für immersive Tanzproduktionen bieten, also für Virtual Reality, Augmented Reality und Mixed Reality. Ich bin von diesen neuen Technologien und ihren Möglichkeiten für künstlerische Ausdrucksformen begeistert und möchte mir ihrer Vermittlung durch dieses Festival, eine Plattform schaffen, die es vorher noch nicht gegeben hat. Ich möchte Zugänge zu neuen Inhalten und neuen Erfahrungen schaffen. Ich sehe es als einen ganz natürlichen Prozess, dass Kunst immer neue Ausdrucksformen sucht, denn unser Leben ist nicht statisch und deshalb brauchen wir neue, zeitgenössische Ausdrucksformen, mit denen wir uns identifizieren können. 

Interview: Werner Busch
Titelbild: Filmstill „The Beatles – Here, There and Everywhere“, Foto: Moovy

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Wer mit den Kinobetreibern feiern möchte, kann sich hier Karten für ein Überraschungsfilm-Programm am 29. Februar sichern. Die Filmpalette liegt an der Lübecker Straße 15 im Eigelstein-Viertel in der Kölner Nordstadt nahe Ebertplatz.

Zur Geschichte des Kinos:

Der Verein Köln im Film hat die Geschichte des Kinos auf seiner Webseite dokumentiert: „Die Filmpalette sticht nicht nur mit ihrem cineastischem Programm, sondern auch mit ihrem Sternenhimmel-Deko aus der Masse der Kinos hervor. Seine Karriere beginnt das Kino am 27.11.1958 als Schmalfilmtheater, bevor es in den frühen sechziger Jahren zum Nachspielkino wird. Die Kinokrise geht auch an der Filmpalette nicht vorüber. Umgeben von Videotheken und in direkter Nähe zum Eigelsteinviertel stellt das Kino in den siebziger Jahren auf Pornofilme um.

Nachdem Claudia Picht das kleine Kino 1988 direkt neben dem von ihr seit 1986 betriebenen Café Schmitz mit Freunden zusammen renoviert und den noch heute bekannten Sternenhimmel installiert hat, wird aus der Filmpalette ein Kino mit ambitioniertem Filmkunstprogramm. 1989 übernehmen Martina und Dieter Borck die Filmpalette, die über das Eigelsteinviertel hinaus ihr Publikum gefunden hat.
Die Filmpalette wird zum Filmkunstkino und begeistert mit ausgewählten Wiederaufführungen, Kaurismäki-Filmen und kuratierten Filmreihen wie die französische Montagsreihe der Kölner Filmemacherin Claudia von Alemann.

Ab dem Jahre 2004 führen Joachim Kühn, Holger Recktenwald und Dirk Steinkühler das Haus und etablieren ein Arthouseprogramm. Die Filmpalette entwickelt sich zur Anlaufstelle für ambitionierte Debüts, sehenswerte Dokumentarfilme und aktuelle Themenreihen. Im Mai 2007 kommt der zweite Saal hinzu, der den Kinobetreibern längere Auswertungszeiten ermöglicht. Mit ihrem 1996 gegründeten Real-Fiction-Filmverleih und zahlreichen Filmveranstaltungen in Köln, wie den Kölner Kinonächten, setzen sich Joachim Kühn und Dirk Steinkühler weit über ihr Kino hinaus für ein engagiertes Kino ein.“

Quelle: Köln im Film e. V.

Foto: Hojabr Riahi / Film- und Medienstiftung NRW

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In dem Thriller spielt Dennis Hopper den undurchsichtigen Gangster Tom Ripley, der in Hamburg einen bescheidenen Handwerker, gespielt von Bruno Ganz, manipuliert, um ihn zu einem Auftragskiller zu machen. „Der amerikanische Freund“ erhielt 1978 den Bundesfilmpreis in Gold für die Beste Regie und den Besten Schnitt und das Filmband in Silber. Durch diesen Film wurde Francis Ford Coppola auf Wenders aufmerksam, der daraufhin seine Karriere in den USA fortsetzen konnte.

Samstag, 2. März 2024, 20 Uhr
Filmforum im Museum Ludwig
Der amerikanische Freund
BRD, Frankreich 1976, Regie: Wim Wenders, 126 Min., 16mm

Mit einer Einführung von Filmjournalist Werner Busch.

Programmübersicht 2024

Samstag, 02. März 2024, 20.00 Uhr, Filmforum
Der amerikanische Freund
BRD, Frankreich 1976, Regie: Wim Wenders

Samstag, 06. April 2024, 20.00 Uhr, Filmforum
Der Dieb von Bagdad
USA 1924, Regie: Raoul Walsh
Die Vorführung wird vom Stummfilmpianisten Wilfried Kaets begleitet.

Donnerstag, 18. April 2024, 20.00 Uhr, Traumathek
Der Würgeengel
Mexiko, Spanien 1963, Regie: Luis Buñuel

Donnerstag, 02. Mai 2024, 20.00 Uhr, Traumathek
Zur Sache Schätzchen
BRD 1967, Regie: May Spils

Samstag, 18. Mai 2024, 20.00 Uhr, Filmforum
Der brave Soldat Schwejk
Deutschland 1960, Regie: Axel von Ambesser

Samstag, 29. Juni 2024, 20.00 Uhr, Filmforum
Der unfreiwillige Raketenflieger
Frankreich 1958, Regie: Jean Dréville

Donnerstag, 22. August 2024, 20.00 Uhr, Traumathek
Gewagtes Alibi
USA 1947, Regie: Robert Siodmak

Samstag, 07. September 2024, 20.00 Uhr, Filmforum
Leonard Cohen – Bird on the Wire
Kanada 1974, Regie: Tony Palmer

Donnerstag, 10. Oktober 2024, 20.00 Uhr, Traumathek
Die Aussenseiterbande
Frankreich 1964, Regie: Jean-Luc Godard

Samstag, 26. Oktober 2024, 20.00 Uhr, Filmforum
Scorpio Rising & The Inauguration of the Pleasure Dome
USA, 1963 & 1954, Regie: Kenneth Anger

Samstag, 16. November 2024, 20.00 Uhr, Filmforum
Dr. Jekyll und Mr. Hyde
USA 1920, Regie: John S. Robertson
Die Vorführung wird vom Stummfilmpianisten Wilfried Kaets begleitet.

Samstag, 14. Dezember 2024, 20.00 Uhr, Filmforum
Marx Brothers – Eine Nacht in Casablanca
USA, 1946, Regie: Archie Mayo

Zum Filmarchiv Schönecker

Seit Mitte der Fünfziger Jahre engagierte sich der Kölner Leo Schönecker nicht nur in Arbeitskreisen und Diskussionsrunden zu filmthematischen Fragen, sondern er begann, selbst Filme zu sammeln, vorzuführen und zu verleihen. Seine Sammlung wurde bis zu seinem Tod im Jahr 2013 beständig fortgeführt und erweitert. Unter Filmkenner:innen und Kurator:innen war die Sammlung bekannt, gerne griff man auf die Bestände dort zurück.

Insgesamt enthält das Archiv rund 1.200 Filme, meistens im Format 16mm, etliche im Format 35mm. Neben bekannten Titeln finden sich in der Sammlung seltene und unbekannte Filme, die selten öffentlich vorgeführt wurden. Um dies nachzuholen, setzt die Filmreihe, die seine Tochter Julia Schönecker-Roth und Joachim Steinigeweg kuratieren, nun schon im achten Jahr die Filmscreenings zur Sammlung Leo Schönecker an zwei Spielstätten fort, im Filmforum im Museum Ludwig und in der Traumathek.

Im Programm sind einige Klassiker der Filmgeschichte, die es lohnt, immer wieder anzusehen, aber auch Raritäten. Die Vorführungen werden von Referenten begleitet, die in den Film einführen.

In den Kinos hat seit einigen Jahren die Digitalisierung Einzug gehalten. Eine Vorführung von „richtigem“ Zelluloid hat inzwischen Ereignischarakter. Bei der Vorführung von Zelluloid gibt es Artefakte, die jede Kopie einzigartig machen. Es sind diese Gebrauchsspuren wie Schmutzpartikel, Kratzer, Bildstandsbewegungen etc. In jede Filmkopie ist somit auch die Geschichte ihrer Aufführungen mit eingeschrieben. Auch diesen Aspekt wollen wir vorstellen und die Vor- und Nachteile digitaler und analoger Vorführungen sichtbar machen.

Titelbild: Bruno Ganz in „Der amerikanische Freund“, Foto: Studiocanal

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Am Eröffnungswochenende stehen auf dem Programm:

Das Lehrerzimmer
Drama – Deutschland 2023 | FSK 12
Freitag 16.02. 20:30 Uhr
(zu Gast: Drehbuchautor Johannes Duncker)

Der Gesang der Flusskrebse
Drama – USA 2022 | FSK 12
Samstag 17.02. 20:00 Uhr

Der Schneeleopard
Doku – Frankreich 2021 | FSK 0
Sonntag 18.02. 17:00 Uhr

Verlosung!

Wir verlosen jeweils 2×2 Freikarten für die ersten drei Vorstellungen! Sendet einfach eine Mail mit dem Titel des Films, den ihr besuchen möchtet, an kalender@filmszene.koeln. Viel Glück!

In den darauffolgenden Monaten werden auch Filmklassiker wie Blade Runner, 2001 – Odyssee im Weltraum oder Im Rausch der Tiefe zu sehen sein. Es sind Filme, die Christina und Thomas Finder besonders am Herzen liegen, und die sie gerne ihrem Publikum in den Räumlichkeiten ihres FinderTV-Kameraverleihs präsentieren werden. FinderTV vermietet seit 2008 hochwertiges professionelles Kameraequipment für Film- und Fernsehproduktionen und unterstützt seit vielen Jahren den Publikumspreis des Kölner Fensters beim KFFK – Kurzfilmfestival Köln.

Der reguläre Eintritt kostet 6,00 €, für Kinder 4,00 €. Das Filmclub Studio 150 ist angeschlossen an das Projekt „dorfkinoeinfach“, das anspruchsvolles Kino an ungewöhnliche Orte bringen will und insbesondere in ländlichen Regionen weit verbreitet ist. Die neuen Kinomacher Christina und Thomas Finder möchten mit ihrem Filmclub „mehr als nur eine Gruppe von Menschen sein, die sich zum Filmegucken trifft. Es soll eine lebendige Plattform werden für die Entdeckung von talentierten Filmemacher:innen und die Anerkennung von kreativen Werken, die oft im Schatten der Mainstream-Produktionen stehen. Wir werden eine breite Palette von handverlesen Filmen zeigen, von zeitlosen Klassikern bis zu den neuesten Indie-Produktionen. Auch Eure Vorschläge und Wünsche sind immer willkommen!“ Neben den regulären Filmvorführungen sind auch thematische Veranstaltungen geplant: „Von Genrespezialitäten bis zu thematischen Abenden werden wir unser Filmclub-Abenteuer mit unterschiedlichen Schwerpunkten würzen, z. B.: Kurzfilmen, Livemusik, Kochevents und Aftershowparties“. Für den Sommer 2024 sind außerdem Open-Air-Screenings geplant.

Mehr zum Programm und Ticketing auf:
www.filmclub-studio150.de

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Die Sonderausgabe der Palästina Filmtage Köln findet im Filmhaus in Kooperation zwischen dem Filmhaus Köln, dem Verein zur Förderung der Städtepartnerschaft Köln – Bethlehem und dem Café Palestine Colonia statt. Ergänzt wird das Filmprogramm durch eine Lesung und Gespräche mit verschiedenen Initiativen und Gästen.

Das Programm:

13.01., 19.30 Uhr
Eröffnung mit Vertreter*innen verschiedener Städtepartnerschaftsvereine
Im Anschluss um 20.00 Uhr_
THE WANTED 18, CA, PS 2014 | Regie: Paul Cowan, Amer Shomali | 76 Minuten | Animationsfilm | DF

14.01., 16.00 Uhr
Lesung aus dem Buch
WÄHREND DIE WELT SCHLIEF (2010) von Susan Abulhawa
Vorgetragen von der Schauspielerin, Soraya Sala, die Erzählerin und Theatertherapeutin ist. Unter dem Motto „Mit Worten fühlen“ veranstaltet sie Lesungen, die Begegnungen schaffen und Brücken bauen, Horizonte erweitern und Herzen berühren. Sie ist in der Schweiz geboren und lebt in Wuppertal. 

14.01., 18.30 Uhr
PLANET XXA, D 2023 |  Regie Sandra Ehrmann | 40 min. | Dokumentarfilm | OmU

15.01., 20.00 Uhr
THE NARROW BRIDGE, Aus, 2022 |  Regie: Esther Takac |  76 min. |  Dokumentarfilm | Omegl.UT 
In Kooperation mit Palestinians and Jews for Peace 

Im Anschluss an den Film möchte das Filmhaus Köln auf dem Podium auch anhand von Publikumsfragen über Möglichkeiten und Erfahrungen der Versöhnung sprechen. Dazu begrüßen wir Nadine, Swetlana, Kris und Zey von Palestinians and Jews for Peace.

16.01., 20.00 Uhr 
NEBEN DER STRASSE – ON THE SIDE OF THE ROAD, Israel 2013 | Regie: Lia Tarachansky | 83 min. | Dokumentarfilm | OmdtUT 

In Kooperation mit WI.E.DERSPRECHEN

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Von 19 bis 21.30 Uhr werden dort sechs Arbeiten von Studierenden der ifs Internationale Filmschule Köln und der Kunsthochschule für Medien KHM gezeigt. Die Filmschaffenden sind nach den Screenings für ein Publikumsgespräch vor Ort. Die Moderation des Abends übernimmt Sandra Riedmaier vom Kurzfilmfestival Köln. Das diesjährige Motto des Kurzfilmtages lautet „In der Schwebe“, weshalb es in Shorts um Zustände der Unsicherheit, Fragen der Identität und Reisen ins Ungewisse geht.

So beschäftigt sich die Experimental-Doku Herkules (2023) von Nils Ramme und Felix Bartke mit Definitionen von Männlichkeit, wobei Bezugspunkte zu Cruiser (2022) des Regieduos deutlich werden. Herkules war auch beim KHM-Rundgang 2023 zu sehen. Ebenfalls experimentell ist Vospominaniya (2023) von ifs-Student Ivan Kolesov, in dem sich Erinnerungen auflösen und den Erzähler, der sich nur noch anhand von Beweismitteln in Form von Fotographien orientieren kann, in einem Schwebezustand hinterlassen.

Der KHM-Film Flut (2023) von Almourad Aldeeb arbeitet die Flutkatastrophe im Ahrtal 2021 dokumentarisch auf, bei der 130 Menschen starben, unzählige weitere verletzt wurden oder ihr Heim verloren. Im Mittelpunkt des Films steht der aus Syrien stammende Abdo, für den dies nicht die erste miterlebte Katastrophe ist.

Bei anderen drei Arbeiten handelt es sich um Spielfilme. Dazu gehört der ifs-Short Schichtwechsel (2023) über zwei Straßenreiniger. Der eine ein Solitär, der den anderen urplötzlich als Vorgesetzten bekommt und nicht bereit ist, seine Arbeitsweise umzustellen, ist es doch eine Erschütterung seiner gewohnten Arbeitsstruktur. Ebenfalls von der ifs kommt der mehrfach ausgezeichnete Cello (2023), der sich um eine multikulturelle Gruppen Flüchtender an Bord eines Kleinbusses im Jahr 1992 dreht. Das titelgebende Instrument und sein entsprechend großer Koffer stoßen Konflikte auf dem beengten Raum an. Den Abschluss des Abends macht der KHM-Spielfilm Zwei Riesen, die es hier gibt – Ein deutsches Märchen (2022). Angelehnt an „Hänsel & Gretel“ von den Gebrüdern Grimm werden Märchenmotive mit Ansichten der rechtsgerichteten spirituellen Bewegung gegenübergestellt, die vor allem während der Corona-Pandemie in Deutschland Zulauf erhielt. Wie führt der Glaube an Fabelwesen zum Glauben an die Weltverschwörung? Ist der vermeintlich harmlose Spiritualismus nicht bloß Deckmantel und Feigenblatt für rechte Ideologie?

Ab 19 Uhr kann man diese sechs Arbeiten im Filmforum im Museum Ludwig begutachten und mit den Filmschaffenden dahinter in Dialog treten. Der Eintritt ist frei.

Nils Bothmann

Titelbild: Still aus dem KHM-Spielfilm
Zwei Riesen, die es hier gibt – Ein deutsches Märchen (2022).

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BLONDE COBRA FESTIVAL 2023
Freitag, 8. Dezember & Samstag, 9. Dezember

Was macht BLONDE COBRA besonders?

Blonde Cobra ist für uns ein fortwährendes künstlerisches Experiment und kuratorisches Experiment. Wir sind in der Programmgestaltung völlig frei und zeigen daher sowohl Filmprogramme als auch Performances und Live-Konzerte, neben sehr aktuellen Arbeiten stehen Klassiker des queeren und experimentellen Films. Von Anfang an war es uns wichtig, das Festival als Ganzes zu denken, den Raum in dem es stattfindet gewissermaßen für 48 Stunden zu transformieren. In jeder Edition gibt es einen bestimmten Duft, der in einer rituellen Performance im Saal verteilt wird. Wir arbeiten eng mit der lokalen Community von Künstler:innen-Musiker:innen-Performer:innen in Köln zusammen und laden zu jeder Edition auch internationale Künstler:innen und Theoretiker:innen ein. Die Blonde Cobra als falsche Schlange steht für uns programmatisch für eine Abkehr von gefestigten Identitätskonstruktionen und dem gesellschaftlichen Streben nach Authentizität. Es geht viel um das lustvolle Erproben von anderen Seinszuständen, um Spiel, Maskerade, Inszenierung und Utopie. 

Ähnlich vielseitig wie das Blonde Cobra Festival ist auch das Werk von Ashley Hans Scheirl. Ihr zeigt einige ihrer Filme aus den 1980ern als Queer-History zum Auftakt. Auch der amerikanische Spielfilm „Safe“ aus den 90ern wird gezeigt. Was für eine Bedeutung hat für Euch „der Blick zurück“ im Programm?

Der Blick zurück ist ja immer auch eine Auseinandersetzung mit dem Jetzt. Das ist vor allem für marginalisierte Communities von hoher Bedeutung, weil man sich in einer Normgesellschaft zurechtfinden muss. Es ist für uns immer wieder erstaunlich, wie radikal und besonders die Formsprache vieler Arbeiten von Künstler:innen ist, die heute jenseits der 80 sind oder gar schon nicht mehr unter den Lebenden – wir denken beispielsweise an die Filme vergangener Festivaleditionen, etwa von Elfi Mikesch, Kenneth Anger, Monika Treut, Jack Smith und vielen anderen. Generell finden wir es wichtig, einen Raum zu eröffnen in dem wir uns erinnern, Dinge in Bezug zueinander setzen oder auch unsere queeren Wegbereiter:innen feiern.

Für uns ist auch immer wieder spannend zu diskutieren, wie Künstler:innen in der Vergangenheit abseits von institutionellen Förderstrukturen gearbeitet und sich dafür in Kollektiven zusammengetan haben. Der Spielfilm „Safe“ von Todd Haynes, den wir am Samstag zeigen, ist für uns persönlich ein absoluter Lieblingsfilm – angesichts der Pandemie in Bezug auf das Thema „Immunität“ nochmal aktueller denn je – und auch ein gutes Beispiel für einen erweiterten Begriff von queerem Kino.

Was macht Queeres Kino für Euch aus?

Bei Queerness geht es für uns nicht ausschließlich um die sexuelle und geschlechtliche Identität. Es geht um experimentelle Formen, alternative Produktionsbedingungen, um ein anderes (An)schauen, um Widerständigkeit, Solidarität und eine Offenheit den Möglichkeiten gegenüber. Die Filme, die wir spannend finden, schauen nicht „hinter die Kulissen“, sondern direkt auf sie, sie „geben“ niemandem „eine Stimme“, aber hören dafür genau zu. 

Welche Bedeutung haben Performances im Festivalkontext für Euch?

Das Performative war von Anfang an ein wichtiger Bestandteil von Blonde Cobra. Wir finden es reizvoll, die Programmstruktur immer wieder durch mehr oder weniger subtile Inszenierungen und künstlerische Eingriffe zu durchbrechen. Häufig ersetzen sie das klassische Filmgespräch oder die Anmoderation, sodass Programme auch teilweise ineinander übergehen, wie dem Musikvideoprogramm, kuratiert in Kollaboration mit Jessica Manstetten, was mit einer Duft-Performance von uns eröffnet und mit einem Live-Konzert von LLEE TOTO beendet wird. Besonders freuen wir uns in diesem Jahr auch auf den Performance Abend des „Haus of Audacity“-Kollektivs mit Rage Audacity und Venus Bizarre aus San Francisco.

In diesem Jahr feiert ihr die 5. Ausgabe und damit das erste kleine Jubiläum. Wie kam 2019 die erste Ausgabe zustande und wie habt ihr 4 Euch als Team gefunden?

Miriam und Lina arbeiten als Künstler:innenduo schon länger zusammen, Levi kam 2018 dazu und 2019 haben wir dann gemeinsam die erste Festivaledition gefeiert. Lena ist seit Beginn an Teil des kuratorischen Teams und technische Leiterin des Festivals. Zuvor haben wir in unterschiedlichen Konstellationen und Projekten zusammengearbeitet und sind einfach auch gut miteinander befreundet. Irgendwann entstand die Idee, aus den Micro Cinema-Veranstaltungen, Performance-Abenden und Ausstellungsprojekten, die wir zuvor in unserem Kölner Atelier „Schalten und Walten“ organisiert haben, ein Festival zu gründen. Daraus folgten dann viele Programme und Sondereditionen wie beispielsweise Open Air Screenings während der Kölner Kino Nächte, einem Programm in der Phönix-Sauna, sowie diversen Travelling-Filmprogrammen, mit denen wir unter anderem in Helsinki, Vancouver und Portland zu Gast waren.

Das Festival findet im Turistarama-Kino statt, der ehemaligen, und legendären, Lupe 2. Eine quasi intime Location, ein kondensierender Raum. Und auch das umfangreiche Programm von Blonde Cobra ist auf nur zwei Tage kondensiert. Habt ihr schon einmal Überlegungen gehabt, das Festival zeitlich und räumlich auszuweiten?

Das Festival auf zwei Tage zu begrenzen und es in einer Location wie dem stattfinden zu lassen, wo auch bereits die Programme X-Screen in den 60er-Jahren stattfanden, macht für uns aktuell Sinn. Daher wollen wir dieses Konzept erstmal so beibehalten und weiterhin die Kooperationen über das Jahr verteilt ausbauen.

Interview: Werner Busch
Titelbild: Filmstill aus „Nachtkatzen“ von Valentin Merz, Foto: Blonde Cobra

Ausführliche Infos zum Programm
und Ticketing findet ihr auf der Webseite:

Der Beitrag Im Interview: Blonde Cobra erschien zuerst auf Filmszene Köln.

Drei Filme Open-Air im Generationenpark: Das war der Plan für das Spätsommerkino des Filmhaus Köln im September gewesen. Jugendliche des Kinder- und Jugendzentrums „Die Villa“ hatten die Filme mit ausgewählt. Am ersten Abend lief „Liebe, D-Mark und Tod“, ein Dokumentarfilm der die Geschichte türkischsprachiger Musikkultur in Deutschland erzählt. Doch an diesem Film störte sich der Bürgerverein Volkhoven/Weiler e. V. und sagte die beiden weiteren Abende kurzfristig ab.

Jetzt will das Filmhaus ein gemeinsames Zeichen setzen, für Vielfalt im künstlerischen Ausdruck und öffentlichem Raum: „Deshalb laden wir gemeinsam zum Aktionstag auf das Gelände der Simultanhalle und in die Räume des Kinder- und Jugendzentrums ‚Die Villa‘ ein – mit vielen spannenden Beiträgen aus dem Kölner Norden, einem Filmscreening von Liebe, D-Mark und Tod mit anschließender Diskussion und dem Auftritt von Microphone Mafia.“

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14:00 Kaffee und Kuchen / Mitmachangebote / Infostände
15:00 Tanzgruppe Anna-Langohr-Schule
15:15 Die-Villa-Band
16:00 Microphone Mafia

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17:30 Grillgut und Salate
18:00 Screening: Liebe, D-Mark und Tod

Anschließend Diskussion mit Gästen

Orte:
Simultanhalle, Volkhovener Weg 209, 50765 Köln
Kinder- und Jugendzentrum „Die Villa“ Volkhovener Weg 218, 50765 Köln

Zusätzliche Infos zum Hintergrund:

Resolution zur Absage des Open-Air-Kinos im Generationenpark / Aktionstag am 18. November: https://filmhaus-koeln.de/post/resolution-zur-absage-des-spaetsommerkinos-aktionstag-am-18-november

Pressemitteilung des Filmhaus Köln vom 14.09.2023:
https://filmhaus-koeln.de/post/kurzfristige-absage

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„Wir haben in uns in den letzten Jahren in unseren Programmen immer wieder mit Themen beschäftigt, die aktuell in der Gesellschaft verhandelt und neu gefasst werden. Nach dem Fokus auf UTOPIEN (2021) und ZUKUNFT (2022) erschien uns – gerade unter dem Gesichtspunkt der Progressivität – ein Blick auf ELTERNSCHAFT sehr spannend“, erklärt Dominik Bühler. „Die Filmreihe Köln bezieht immer auch queer-feministische, gesellschaftspolitisch als progressiv erachtete Themen ein. Dazu kommt, dass unser persönlicher Alltag als Eltern, Tanten, Geschwister, Kinder oder im Kontext von Freundschaften in den letzten Jahren stark durch Kinder und Elternschaft geprägt ist und wir uns auch privat oder in anderen beruflichen Kontexten (z.B. Universität) mit den Themen Elternschaft und Care-Arbeit beschäftigen.“

„Generell bringen wir immer unterschiedliche Genre, Gattungen, Blickwinkel und historische sowie künstlerische Formen zusammen, stellen sie gegenüber und bringen sie in den Austausch“, beschreibt der Kurator das Konzept der Filmreihe. Seine Kollegin Maria Engelskirchen ergänzt: „Obwohl wir das thematische Spektrum von vorneherein recht breit angelegt und uns für Formen von Elternschaft jenseits der heteronormativen Kleinfamilie interessiert haben, fiel uns beim Recherchieren und Sichten auf, wie vielseitig und komplex Familienmodelle sind; wie schwer es ist, Elternschaft in vorgefasste Kategorien einzuordnen; vor allem auch, wie spezifisch das Interesse vieler Filmemacher*innen für die Thematik. Anstatt des Versuchs, die Diversität des Themas in unserem Programm umfänglich abzubilden, spüren wir bestimmten Aspekten nach: In den ausgewählten Filmen geht es um biologische und soziale Elternschaft, Nicht- oder Nicht-mehr-Elternschaft, alleinerziehende Eltern, die Bandbreite elterlicher Verantwortung (emotional, ökonomisch, …), aber auch um die Loslösung von den Eltern sowie den Blick auf die alternden Eltern.“

Engelskirchen fährt fort: „Die Kriterien, nach denen wir die Filme ausgewählt haben, haben sich erst im Laufe des Sichtungsprozesses herauskristallisiert. Hierbei haben bestimmte Motive eine Rolle gespielt, z.B. die Bindung/Loslösung von den Eltern, die Ulrike Rosenbach und Dina Velikovskaya ganz bildlich umgesetzt und spürbar gemacht haben. Es ging uns aber auch darum, bewusste Kontraste zu erzeugen: So werden z.B. unerfüllte Kinderwünsche, die zum Teil mit kostspieligen reproduktionstechnologischen Methoden einhergehen, den ökonomischen Nöten bei der Versorgung der Kinder gegenübergestellt.“

Am Mittwoch, den 11. Oktober, lautet das Thema des Abends ab 19 Uhr „Elternschaft – Acts of Tenderness“. Es geht um das Elternsein, aber auch die Veränderungen, die Kinder und Eltern während ihres gemeinsamen Zusammenlebens durchmachen. Der älteste Beitrag ist von 1979, Rajendo Gours My Child My Child, und berichtet vom Leben eines Babys in Singapur zu jener Zeit. Der neueste Beitrag, Thanasis Neofotistos‘ Leoforos Patision (2018), ist fast 40 Jahre später entstanden. Der längste Film des Abends, Opp ned er alt abstrakt, sa Pappa (2014), dauert 32 Minuten und ist ein dokumentarisches Stück, in dem Regisseurin Anne Haugsgjerd auf ihren verstorbenen Vater, einen vielseitigen wie produktiven Maler zurückschaut. Auch ein Musikvideo ist als Kurzfilm dabei: Dear Mama (1995) zum gleichnamigen Song von 2Pac alias Tupac Shakur, in dem der Künstler über sein Aufwachsen unter schwierigen Bedingungen und die schwere Bürde seiner Mutter rappt. Ein Jahr nach Veröffentlichung des Songs wurde Rapper erschossen, erst jetzt, fast 30 Jahre später, gibt es eine Anklage gegen einen Verdächtigen.

Eine Woche später heißt es: Selbe Zeit, selber Ort. Ab 19 Uhr steht der Abend am Mittwoch, den 18. Oktober unter dem Motto „Elternschaft – On Fire“. Hier geht es um die Krisen des Elternseins – und der Nicht-Elternseins. So schildert Regisseurin Lori Felker in Spontaneous (2020) die Geschichte ihrer selbst erlebten Fehlgeburt, während sich die Hauptfigur in Maria Trigo Teixeiras animiertem Inside Me (2019) für eine Abtreibung entscheidet. Auch andere Tücken von Mutter- und Vaterschaft werden angesprochen: In Nr. 1 – Aus der Berichten der Wach- und Patrouillendienste (1984) fiktionalisiert Helke Sander die wahre Geschichte einer Mutter, die bei der verzweifelten Suche nach Wohnraum mit ihren Kindern auf einen Baukran kletterte und mit Selbstmord drohte. In Wer war zuletzt am Kühlschrank? (2020) sucht ein Vater ein WG-Zimmer für sich und seinen Sohn.

Dass der dritte Themenblock „Eltern, Kinder, Familie“ am Sonntag, den 22. Oktober, um 14 Uhr stattfindet, hängt mit einer Neuerung zusammen: Erstmals bietet die Filmreihe ein Kurzfilmprogramm für Kinder ab 4 Jahren an. Daher sind die Filme hier auch kürzer, maximal zehn Minuten lang, wie im Falle von Planet Willi (2015), der das gleichnamige Inklusions-Kinderbuch von Birte Müller adaptiert. Die meisten sind kürzer, etwa der Dreiminüter Einschlafgeschichten: Brücken (1977), dem ersten Film aus Harun Farockis fünfteiliger Einschlafgeschichten-Reihe. Laut Bühler führten zwei Punkte zur Schaffung dieser Innovation: „Zum einen ist Elternschaft immer verbunden mit Kindern, ihren Blickwinkeln und den Angeboten, die Eltern an sie machen. Zum anderen gibt es nur selten Filmprogramme im Kino für kleinere Kinder, für die es zu früh ist, lange Kinofilme zu sehen. In dieser Hinsicht wertschätzen wir die Kurzfilmprogramme vom Kurzfilmfestival Köln (KFFK), von Cinepänz (Junges Filmfestival Köln) und vom Internationalen Film Fest Dortmund + Köln (IFFF) sehr. Sie geben punktuell auch Kleinkindern die Möglichkeit, sich ans Kino heranzutasten und filmisch zu bilden. Dieses Angebot möchten wir mit dem thematischen Fokus ergänzen.“

Das komplette Programm:

Mittwoch, 11. Oktober 2023, 19 Uhr, Lichtspiele Kalk
ELTERNSCHAFT – ACTS OF TENDERNESS
MY CHILD MY CHILD, Rajendra Gour, 1979, 12 Min.
O! FORTUNA! WORK IN PROGRESS I-VI, Karin Berger, 2017, 12 Min.
CLUMSY LITTLE ACTS OF TENDERNESS, Miia Tervo, 2015, 9 Min.
LEOFOROS PATISION, Thanasis Neofotistos, 2018, 12 Min.
EINWICKLUNG MIT JULIA, Ulrike Rosenbach, 1972, 5 Min.
TIES, Dina Velikovskaya, 2019, 7 Min.
DEAR MAMA (2PAC), Lionel C. Martin, 1995, 5 Min.
ELTERN (MUTTER/VATER), Friedl vom Gröller, 1997-1999, 6 Min.
OPP NED ER ALT ABSTRAKT, SA PAPPA, Anne Haugsgjerd, 2014, 32 Min.

Mittwoch, 18. Oktober 2023, 19 Uhr, Lichtspiele Kalk
ELTERNSCHAFT – ON FIRE
INSIDE ME, Maria Trigo Teixeira, 2019, 5 Min.
SPONTANEOUS, Lori Felker, 2020, 14 Min.
TORNAR-SE UM HOMEM NA IDADE MÉDIA, Isadora Neves Marques, 2022, 22 Min.
WOCHENBETT, Henriette Rietz, 2020, 5 Min.
MOMS ON FIRE, Joanna Rytel, 2016, 13 Min.
WER WAR ZULETZT AM KÜHLSCHRANK? 1. DIE NEUEN, Kathrin Albers/Henning Thomas, 2020, 4 Min.
NR. 1 – AUS BERICHTEN DER WACH- UND PATROUILLENDIENSTE, Helke Sander, 1984, 11 Min.
MAMA VIRTUAL: ANA & ALEYDA, Jeny Amaya, 2018, 13 Min.
ASCHERMITTWOCH, Lew Hohmann, 1989, 19 Min.

Sonntag, 22. Oktober 2023, 14 Uhr, Lichtspiele Kalk
ELTERN, KINDER, FAMILIE – Kurzfilmprogramm für Kinder ab 4 Jahren
ICH HABE KEINE ANGST!, Marita Mayer, 2022, 7 Min.
PLANET WILLI, Sören Wendt, 2015, 10 Min.
EINSCHLAFGESCHICHTEN: BRÜCKEN, Harun Farocki, 1977, 3 Min.
FLIPPED, Hend Esmat/Lamiaa Diab, 2018, 5 Min.
DANS LA NATURE (IN DER NATUR), Marcel Barelli, 2021, 5 Min.
IMMER MUSS ICH ALLES SOLLEN (GISBERT ZU KNYPHAUSEN), Marlène Colle/Stephanie Scheubeck, 2015, 5 Min.
LISTEK (BLATT), Aliona Baranova, 2020, 6 Min.
EINSCHLAFGESCHICHTEN: SCHIFFE, Harun Farocki, 1977, 3 Min.
MÜDE (D!E GÄNG), Martin Carolus Zillmann, 2017, 3 Min.

Eintritt: 9,00 Euro (ermäßigt 7,00-8,00 Euro)
Kinderprogramm: Kinder 4,00 Euro, Erwachsene 6,50 Euro (ermäßigt 5,50 Euro)

Alle Infos zum Programm gibt es auf den Webseiten der Lichtspiele Kalk und der Filmreihe Köln.

Headerbild: Wer war zuletzt am Kühlschrank? (2020)

Nils Bothmann

Der Beitrag Filmreihe Köln mit dem Thema „Elternschaft“ in den Lichtspielen Kalk erschien zuerst auf Filmszene Köln.

Stand bereits das Hauptfestival dieses Jahr unter dem Banner von „Frau, Leben, Freiheit“, dem Protestruf für weibliche Selbstbestimmung und gegen das restriktive Mullah-Regime, so knüpft die Sonderausgabe daran an und widmet sich neuen Perspektiven Iran-stämmiger Filmemacher*innen im Iran, Exil und Diaspora. Pro Tag werden zwei Filme gezeigt und in der Regel durch Filmgespräche eingeordnet und vertieft.

Am Samstag, den 30. September, beginnt das Ganze mit The Siren (2023) um 18 Uhr. Eine Co-Produktion zwischen Deutschland, Belgien, Frankreich und Luxemburg, an dem auch das Kölner TrickStudio Lutterbeck beteiligt war. Regisseurin Sepideh Farsi, die mittlerweile in Paris lebt, nutzt nämlich die Gattung des Animationsfilms, um vom Krieg zu erzählen. Vom im Westen eher weniger bekannten Iran-Irak-Krieg, um genau zu sein. Die Handlung spielt 1980, als Abadan, das Zentrum der iranischen Ölindustrie, von irakischen Truppen belagert wird. Der vierzehnjährige und sein Großvater harren in der attackierten Stadt aus, hoffen auf die Rückkehr von Omids älterem Bruder. Im Anschluss findet ein Publikumsgespräch mit Drehbuchautor Djavad Javahery statt.

Um 20.30 Uhr folgt Endless Borders (2023). Die titelgebende Grenze des Films befindet sich zwischen dem Iran und Afghanistan. Dorthin, genauer gesagt in das Dorf Balutschestan, verschlägt es den Protagonisten Ahmad, einen Lehrer, der mit Berufsverbot belegt wurde. Doch auch im Quasi-Exil stößt der junge Idealist an ganz eigene Grenzen, als er sich für Geflüchtete aus Afghanistan engagiert und diese wiederum in Konflikt mit der einheimischen Bevölkerung geraten. Im Anschluss findet ein Gespräch statt.

Am Sonntag, den 1. Oktober, geht es mit der deutsch-iranischen Co-Produktion Leere Netze (2023) weiter. Regisseur Behrooz Karamizade lebt in Berlin, seinen Debütfilm produzierten unter anderem das ZDF und arte mit. Amir heuert bei Fischern an, um sich seine Hochzeit leisten zu können. Seine harte Arbeit hat nicht nur berufliche Erfolge, sondern auch unerwünschte Nebenwirkungen, als der fähige junge Mann in die dunklen Seiten des Geschäfts abrutscht, die Kaviar-Wilderei. Der Regisseur ist für ein Publikumsgespräch anwesend. Im Anschluss gibt es zudem ein Expertengespräch zur Situation des Kaspischen Meeres.

Denn Abschluss um 19 Uhr macht das Drama Leila’s Brothers (2022). Das 167-minütige Familienepos von Saeed Roustaee erzählt von der titelgebenden Protagonistin, ihren vier erwachsenen Brüdern und ihren Eltern. Sie alle träumen von einer besseren beruflichen und sozialen Zukunft, sie alle benötigen jedoch das entsprechende Geld, um diesen Traum verwirklichen zu können. Mit iranischen Stars besetzt erzählt Leila’s Brothers von den gesellschaftlichen und monetären Auswirkungen, die das patriarchale Regime, die Korruption innerhalb des Iran, aber auch die westlichen Sanktionen für die Zivilbevölkerung haben.

Alle weiteren Infos zum Programm und zum Ticketerwerb gibt es auf der Homepage des Festivals.

Nils Bothmann

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