Von Werner Busch.

Während wenige Meter entfernt im Rathaus der Stadtrat zu seiner letzten Sitzung vor den entscheidenden Haushaltsberatungen zusammenkam, versammelten sich am Donnerstag Kulturschaffende, Beschäftigte sozialer Einrichtungen und engagierte Bürger:innen auf dem Alter Markt. Zur Kundgebung hatte das Bündnis „Zusammenhalt für Köln – Freie Kultur und Soziales“ aufgerufen. Anlass sind die umfangreichen Einsparungen, die der städtische Haushaltsentwurf für 2027 und 2028 insbesondere bei den sogenannten „freiwilligen Leistungen“, also Soziales und Kultur, vorsieht.

Betroffen sind zahlreiche Projekte und Einrichtungen der freien Kulturszene, darunter Festivals, Theatergruppen, Musikinitiativen und die freie Projektförderung. Auch soziale Beratungs- und Unterstützungsangebote müssen mit erheblichen Einschnitten rechnen. Das Bündnis fordert die Rücknahme der Kürzungen und eine verlässliche Finanzierung der bestehenden Strukturen.

Bei der Kundgebung warnten Vertreter:innen beider Bereiche vor den langfristigen Folgen. Der Kölner Schriftsteller Navid Kermani zeigte Verständnis für die schwierige Haushaltslage, kritisierte jedoch die Art der geplanten Einsparungen. Auch der Verein für Darstellende Kunst Köln betonte, dass Kultur und Soziales nicht gegeneinander ausgespielt werden dürften.

Die freie Kulturszene macht unter dem Motto #KulturOhnePolster auf ihre Situation aufmerksam. Nach Angaben der Initiatoren verantwortet sie rund 70 Prozent der Kulturveranstaltungen in Köln, beansprucht jedoch lediglich 0,2 Prozent des städtischen Haushalts. Zu den Unterstützern der Kampagne gehört auch Filmszene Köln.

Die Demonstration fand wenige Tage vor den entscheidenden Haushaltsberatungen statt. Am 16. Oktober soll sich der Finanzausschuss mit dem Doppelhaushalt befassen.

Fotos: Werner Busch

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Von Werner Busch.

Wie liebt man einen Menschen, vor dem man gleichzeitig Angst hat? Wie geht man mit einem Vater um, der einem viel bedeutet, dessen Verhalten aber immer wieder Verletzungen hinterlassen hat? Und wie viel Verantwortung kann und will man als erwachsenes Kind für seine Eltern übernehmen? Mit diesen Fragen beschäftigt sich die Kölner Filmemacherin Jelena Ilić in ihrem Dokumentarfilm Eine Krankheit wie ein Gedicht. Einfache Antworten gibt es darauf nicht, und Ilić versucht auch gar nicht erst, welche zu finden.

Ilićs Vater Detlef Kissel leidet unter einer chronischen psychischen Erkrankung, die durch Drogenkonsum ausgelöste Psychosen mit sich bringt. In solchen Phasen verliert er den Bezug zur Realität, wird unberechenbar und teilweise auch gewalttätig. Nach einer schweren Körperverletzung wurde er in der forensischen Psychiatrie untergebracht. Fünf Jahre später steht seine Entlassung bevor. Für seine Tochter ist das eine beunruhigende Aussicht. Sie wünscht sich einen Vater, mit dem sie wieder ein Stück Normalität erleben kann, weiß allerdings nur zu gut, wie schnell diese Normalität zerbrechen kann.

Die Regisseurin, die an der Kunsthochschule für Medien Köln studierte, macht ihre eigene Unsicherheit zum Ausgangspunkt des Films. Sie besucht ihren Vater, spricht mit ihm am Telefon, befragt ihre Mutter und setzt sich mit der gemeinsamen Vergangenheit auseinander. Dabei spart sie die dunklen Seiten ihres Vaters ebenso wenig aus wie seine liebenswerten Eigenschaften. Detlef ist ein schwieriger Mensch, aber auch ein eigenwilliger Künstler, ein oft erstaunlich selbstironischer Gesprächspartner und ein Vater, der seiner Tochter offensichtlich viel bedeutet.

Ilić lässt die unterschiedlichen Seiten seiner Persönlichkeit nebeneinander bestehen. Sie hält unangenehme Momente aus, stellt Fragen und gesteht sich Gefühle zu, die sich mitunter gegenseitig ausschließen. Gerade in den Gesprächen zwischen Vater und Tochter wird deutlich, wie vertraut sich die beiden sind und wie groß gleichzeitig die Distanz sein kann, die seine Erkrankung zwischen ihnen geschaffen hat.

Eine besondere Rolle spielt die Kunst. Detlef hat seine psychischen Ausnahmezustände in zahlreichen Bildern, Fotografien und Skulpturen verarbeitet. Seine expressive, wilde Bildsprache eröffnet Einblicke in eine Wahrnehmung, die sich mit Worten schwer vermitteln lässt. Vater und Tochter verbindet zudem ein gemeinsames Comicbuch, an dem sie abwechselnd arbeiten. Auf den Seiten entstehen kleine Geschichten und Zeichnungen, mit denen sie ihr Gespräch auf andere Weise fortsetzen können.

Auch Ilić selbst nutzt in ihrem Film unterschiedliche Ausdrucksformen. Archivmaterial, Fotografien, Zeichnungen und Animationen durchbrechen die dokumentarischen Beobachtungen. Telefongespräche erhalten eine eigene grafische Gestaltung, Erinnerungen werden bildlich weitergesponnen. Die Montage von Sandra Brandl bringt die unterschiedlichen Materialien in einen lebendigen Rhythmus. Dabei entsteht eine abwechslungsreiche, gelegentlich verspielte Erzählweise, die gut zur Persönlichkeit der beiden Hauptfiguren passt. Manche Empfindungen lassen sich in einer Zeichnung eben leichter ausdrücken als in einem Gespräch.

Überraschend ist der Humor, den Ilić immer wieder zulässt. Manche Dialoge besitzen eine geradezu absurde Komik, die sich aus der eigentümlichen Persönlichkeit des Vaters und dem vertrauten Umgang zwischen beiden entwickelt. Diese Momente machen einen wesentlichen Teil des Charmes des Films aus. Sie zeigen zugleich, dass die Beziehung zwischen Vater und Tochter trotz aller Belastungen von gemeinsamen Erinnerungen, Zuneigung und einer besonderen Art des Humors getragen wird.

Die Tochter ist längst auch zur Verantwortlichen geworden. Sie muss Entscheidungen treffen, sich kümmern, organisieren und mit der Sorge leben, dass ihr Vater erneut die Kontrolle verlieren könnte. Die vertrauten Eltern-Kind-Rollen haben sich verschoben. In den Begegnungen der beiden wird spürbar, wie sehr diese Verantwortung auf ihr lastet und wie schwierig es ist, zwischen Fürsorge und Selbstschutz eine Balance zu finden. Die Frage, wie viel Nähe sie zulassen kann, begleitet sie durch den gesamten Film.

Der Film konzentriert sich auf die persönliche Ebene und widersteht der Versuchung, die Erfahrungen mit ihrem Vater zum Ausgangspunkt einer umfassenderen Betrachtung psychischer Erkrankungen oder des psychiatrischen Maßregelvollzugs zu machen. Diese Konsequenz macht den Film so stark. Er vertraut darauf, dass die Begegnungen zwischen Vater und Tochter, ihre Gespräche, Konflikte und Momente der Nähe genug erzählen. Fragen nach Verantwortung, Selbstbestimmung und den Grenzen familiärer Fürsorge ergeben sich dabei ganz von selbst, ohne dass der Film sie eigens ausformulieren müsste.

Eine Krankheit wie ein Gedicht ist ein lebendiger und einfallsreicher Dokumentarfilm, der auch schwierige und schmerzhafte Erfahrungen mit großer Offenheit behandelt. Die Regisseurin begegnet ihrem Vater mit Zuneigung und Neugier, ohne die Vergangenheit zu beschönigen. Dass dabei immer wieder Platz für Witz, Zärtlichkeit und überraschend schöne Augenblicke bleibt, macht den Film besonders sehenswert.

Am Ende steht die Geschichte einer Vater-Tochter-Beziehung, in der vieles ungelöst bleibt. Und doch ist Eine Krankheit wie ein Gedicht ein erstaunlich lebensbejahender Film, voller Wärme, Humor und Zuneigung. Jelena Ilić zeigt ihren Vater als Menschen mit einer unverwechselbaren Persönlichkeit, mit all seinen Widersprüchen, Eigenheiten und liebenswerten Seiten. Seine Erkrankung ist ein großer Teil seines Lebens, aber sie definiert ihn nicht vollständig. Selten gelingt es einem so persönlichen Dokumentarfilm, seinen Protagonisten derart nahezukommen und zugleich genügend Abstand zu bewahren, um über die Familiengeschichte hinauszuweisen.

Die große Intimität dieser Begegnungen wirkt dabei zu keinem Zeitpunkt unangenehm oder bloßstellend. Vielmehr liegt in der Offenheit, mit der Ilić ihre Beziehung zum Vater erkundet, eine tiefe Wahrhaftigkeit, die weit über diese besondere Familiengeschichte oder über das Thema psychische Erkrankungen hinausreicht. Man erfährt unweigerlich auch etwas über sich selbst, über die eigenen Eltern, über Nähe, Erwartungen und all die Widersprüche, die familiäre Beziehungen prägen.

Die Entwicklung von Eine Krankheit wie ein Gedicht wurde bereits 2022 durch ein Stipendium des Filmbüro NW unterstützt. Für die Produktion gewann Jelena Ilić mit Melanie Andernach (Made in Germany) eine erfahrene Produzentin, die 2024 für Sieben Winter in Teheran mit dem Deutschen Filmpreis für den besten Dokumentarfilm ausgezeichnet wurde. Gemeinsam mit Knut Losen produzierte sie den Film, der unter anderem von der Film- und Medienstiftung NRW, der Mitteldeutschen Medienförderung, dem Kuratorium junger deutscher Film und der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien gefördert wurde.

Nach einer erfolgreichen Festivaltour mit mehreren Auszeichnungen, darunter die Publikumspreise beim Filmfestival Max Ophüls Preis und beim Internationalen Frauen Film Fest Dortmund+Köln, ist Eine Krankheit wie ein Gedicht seit dem 8. Oktober bundesweit im Kino zu sehen. In Köln läuft der Film aktuell im Odeon in der Südstadt.

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Von Werner Busch.

Isabel Schneider erhält 20.000 Euro für ihr neues Projekt Frauen, Arbeit, Kampf (AT). Der Film beschäftigt sich mit migrantischen Frauen, die in den 1960er- und 70er-Jahren zum Arbeiten in die Bundesrepublik kamen und sich an Arbeitskämpfen für bessere Bedingungen und Bezahlung beteiligten. Im Mittelpunkt steht ihre bislang wenig beachtete Rolle für Emanzipation und Gleichberechtigung auf dem deutschen Arbeitsmarkt.

Mit der Frage, wie Frauen sich gegen tradierte Rollenbilder und Machtverhältnisse behaupten, hat sich Schneider bereits in ihrem gemeinsam mit Eva Müller realisierten Kinodebüt Was haben wir gelacht beschäftigt. Ausgangspunkt des Films war ein Archivfund mit Hella von Sinnen, die darin von ihren Erfahrungen mit sexistischem Humor im Kölner Karneval berichtete. Daraus entwickelten Schneider und Müller einen Dokumentarfilm über das deutsche Unterhaltungsfernsehen der 1990er- und frühen 2000er-Jahre aus weiblicher Perspektive. Maren Kroymann, Hella von Sinnen, Bettina Böttinger, Gaby Köster und Esther Schweins erinnern sich an eine Zeit, in der Frauen in großen Fernsehshows häufig Beiwerk oder Zielscheibe von Pointen waren, und sprechen darüber, wie Humor, Macht und Rollenbilder miteinander verbunden waren. Der Film verbindet diese Gespräche mit umfangreichem Archivmaterial und fragt zugleich, wie sehr der damalige Fernsehhauptstrom eine ganze Generation geprägt hat. Nach seiner Premiere beim Filmfest München startete Was haben wir gelacht im Juli bundesweit im Kino und erreichte bereits mehr als 120.000 Besucher*innen. Auch Monate später lief der Film weiterhin in zahlreichen Programmkinos.

Ebenfalls 20.000 Euro erhält Rokhsareh Ghaemmaghami für Alles ist besser in Teheran. Bekannt wurde die iranische Filmemacherin bereits bei ihrem international ausgezeichneten Dokumentarfilm Sonita (2016): Der Film wurde federführend von der Kölner TAG/TRAUM Filmproduktion produziert und vom Kölner Real Fiction Filmverleih in die deutschen Kinos gebracht. Seine NRW-Premiere fand im Mai 2016 im Weisshaus Kino statt.

Die weiteren Stipendien gehen an Marcus Lenz für Die Wahl der Waffen (31.919 Euro) und Paul Sonntag für Arbeit und Spiel (25.000 Euro). Das Gerd Ruge Stipendium unterstützt die Entwicklung und Vorbereitung von Kinodokumentarfilmen.

Ausführliche Informationen zu allen Projekten findet ihr auf: www.filmstiftung.de

Titelbil: Film- und Medienstiftung NRW / Claudia Ast

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Von Werner Busch.

Für ein Kind kann ein Filmfestival eine ziemlich große Sache sein. Man geht nicht einfach zu einer Vorstellung, bei der nach dem Abspann das Licht angeht und alle nach Hause gehen. Als erstes begrüßt jemand das Publikum, vielleicht sitzt die Regisseurin ein paar Reihen weiter, nachher werden Fragen gestellt. Andere Kinder lachen an denselben Stellen, finden etwas langweilig oder großartig und reden darüber. Manche sitzen sogar in einer Jury und entscheiden selbst, welcher Film einen Preis bekommt.

Feierlich und aufregend nannte eine Teilnehmerin der Cinepänz-Kinderjury ihre Festivalerfahrung vor kurzem. Das trifft einen wesentlichen Reiz solcher Festivals ziemlich gut. Kino wird für ein paar Tage zu einem besonderen Ort, und Kinder erleben, dass ihre Wahrnehmung eines Films zählt. Bei Cinepänz dürfen die Jurys der 10- bis 13-Jährigen und der 14- bis 16-Jährigen nach einem vorbereitenden Workshop die Wettbewerbsfilme sehen, diskutieren und am Ende selbst die Preisträger bestimmen.

Diese Idee begleitet das Festival schon lange. Seine Geschichte reicht bis zum ersten Kölner Kinderfilmfest 1989 zurück, seit 2003 trägt es den Namen Cinepänz. Veranstalter ist das jfc Medienzentrum, das in diesem Jahr selbst sein 50-jähriges Bestehen feiert. Aus dem damaligen Kinderfilmfest ist über die Jahrzehnte ein stadtweites Festival für ein Publikum von den ersten Kinojahren bis ins Jugendalter geworden.

Kino dort, wo die Kinder sind

Bemerkenswert ist dabei bis heute die Struktur. Cinepänz findet im Filmforum NRW, im Filmhaus, im Odeon oder in den Lichtspielen Kalk statt, zieht aber ebenso in die Alte Feuerwache, den Kulturbunker Mülheim, das Jugendzentrum in Sülz und weitere Bürger- und Jugendzentren. Das ist ein kulturpolitisch durchaus wichtiger Teil des Konzepts. jfc-Geschäftsführerin Patricia Gläfcke hatte im Frühjahr im Gespräch mit Filmszene darauf hingewiesen, dass eben nicht jedes Kind für einen Kinobesuch quer durch Köln fahren könne. Also kommt ein Teil des Festivals dorthin, wo sein Publikum lebt.

Gerade für junge Zuschauer:innen liegt darin eine Qualität, die sich schwer in Besucherzahlen ausdrücken lässt. Viele Kinderfilme jenseits der großen Marken und Franchises haben im regulären Kinobetrieb nur begrenzte Sichtbarkeit. Ein Festival kann ihnen einen Saal, Aufmerksamkeit und einen Zusammenhang geben. Ein brasilianischer Animationsfilm steht dann gleichberechtigt neben einem deutschen Spielfilm oder einem Dokumentarfilm aus Mexiko. Und die Auswahl vermittelt nebenbei eine Vorstellung davon, wie unterschiedlich Kino aussehen, klingen und erzählen kann.

Cinepänz verbindet diese Filmauswahl sehr bewusst mit Vermittlung. Vorstellungen für Schulen und Kitas werden von Gesprächen mit Medienpädagog:innen oder Filmschaffenden begleitet, hinzu kommen Workshops zu Animation, Audiodeskription, Geräuschen und Filmproduktion. Einige Vorführungen werden in Deutsche Gebärdensprache übersetzt, für sensible Inhalte gibt es Content Notes. Das junge Publikum bekommt damit Instrumente an die Hand, um über Bilder, Inszenierung und Themen zu sprechen – und muss sich nicht mit der Rolle des stillen Konsumenten begnügen.

Neue Doppelspitze

2026 beginnt für das Festival zugleich ein neues Kapitel. Seit dem 1. Mai leiten Diana Kaiser und Sophie Dettmar Cinepänz gemeinsam. Kaiser arbeitet seit 2021 beim jfc und verantwortete dort unter anderem Medienbildungsprojekte wie Kulturcaster und MedienConcret; zuvor sammelte sie Erfahrung als Creative Producerin. Dettmar kommt selbst aus der Filmpraxis: Sie ist Dokumentarfilmregisseurin und arbeitet seit mehreren Jahren in Film- und Medienbildung sowie Öffentlichkeitsarbeit. Seit 2025 gehört sie zum jfc-Team.

Die Grundidee des Festivals bleibt gut erkennbar. Rund 50 Filme aus verschiedenen Ländern umfasst die diesjährige Auswahl, darunter aktuelle Spiel-, Dokumentar- und Animationsfilme, Kurzfilmprogramme, Köln-Premieren und Wiederentdeckungen. Statt das komplette Programm durchzugehen, lohnt der Blick auf einige Veranstaltungen, an denen sich die Arbeitsweise von Cinepänz besonders schön ablesen lässt.

Ein Samenkorn eröffnet das Festival

Zur Eröffnung am Samstag, 10. Oktober, um 12 Uhr im Filmforum NRW läuft Papayas große Reise von Priscilla Kellen. Der brasilianische Animationsfilm erzählt ohne Dialoge von einem kleinen Samenkorn, das entgegen seiner vorgesehenen Bestimmung nicht sofort Wurzeln schlagen, sondern zunächst die Welt entdecken möchte. Die Reise führt schließlich dorthin, wo menschliches Leben der Natur kaum noch Raum lässt.

Der Film hatte 2026 auf der Berlinale seine deutsche Festivalpremiere und ist bei Cinepänz erstmals in Köln zu sehen. Dass ausgerechnet ein Film ohne gesprochene Sprache die Ausgabe eröffnet, passt dabei sehr gut zu einem Festival, das schon die Jüngsten ans Kino heranführen will. Bilder, Bewegung, Geräusche und Musik müssen die Geschichte tragen. Nach der Vorstellung endet der Vormittag nicht an der Saaltür: Im Foyer gibt es Bastel-, Lese- und Fotoangebote, im Museum Ludwig schließt sich ein Workshop an, in dem Kinder eigene Collagen gestalten können.

Wie unmittelbar ein Festival die Distanz zwischen Leinwand und Publikum verkürzen kann, zeigt auch Koschka. Der sechsjährigen und älteren Kindern empfohlene Film von Bernd Sahling erzählt von Jan, seinen Freund:innen und einer zugelaufenen Katze. Bei beiden Cinepänz-Vorführungen sitzt mit Ilkay Yalcin einer der jungen Darsteller im Saal. Kinder können ihn anschließend selbst fragen, wie ein Drehtag funktioniert, wie man eine Rolle spielt oder was am Set passiert. Für Erwachsene mögen solche Fragen selbstverständlich erscheinen. Für ein Kind, das gerade einen Film gesehen hat und wenige Minuten später einem Gleichaltrigen aus diesem Film gegenübersitzt, kann daraus ein sehr konkretes Verständnis davon entstehen, dass Kino von Menschen gemacht wird.

Dass Cinepänz mit seinem Publikum mitwächst, zeigt die andere Seite des Programms. Der Dokumentarfilm Niñxs – Das Leben glitzert richtet sich an Jugendliche ab 14 Jahren. Kani Lapuerta begleitet Karla über acht Jahre auf ihrem Weg der Transition und ins junge Erwachsenenleben. Gezeigt wird der Film gemeinsam mit dem Internationalen Frauen Film Fest Dortmund/Köln und dem anyway; anschließend gibt es ein Gespräch mit dem Publikum. Solche Filme nehmen Erfahrungen junger Menschen ernst und schaffen im Kino einen geschützten Rahmen, in dem über das Gesehene gesprochen werden kann.

Die erste eigene Kinokultur

Kinder lernen bei Cinepänz Kino hier als Kulturort kennen. Sie erleben einen Film auf einer großen Leinwand mit anderen Menschen, begegnen Filmschaffenden, können Fragen stellen, selbst etwas produzieren, abstimmen oder als Jury ein Urteil begründen. Aus einem Kinobesuch kann so die Erfahrung entstehen, dass Filme etwas mit dem eigenen Leben zu tun haben – und dass man über ihre Geschichten ebenso sprechen darf wie über ihre Bilder, ihren Ton oder die Art, wie sie gemacht wurden.

Wer früh erlebt, dass Kino so funktionieren kann, erinnert sich womöglich später weniger an die pädagogische Absicht als an einen vollen Saal, einen aufregenden Film und das Gefühl, mit der eigenen Meinung willkommen gewesen zu sein. Genau dafür sind sechs Tage Festival ziemlich gut investierte Zeit.

Junges Filmfestival Köln / Cinepänz
10.–15. Oktober 2026
Eröffnung: Samstag, 10. Oktober, 12 Uhr, Filmforum NRW
Papayas große Reise, Regie: Priscilla Kellen

Programm, Spielzeiten und Tickets: cinepaenz.de

Titelbild: COCO – LEBENDIGER ALS DAS LEBEN, Foto: Disney / Pixar

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Von Werner Busch.

Unter dem Titel „Mann genug?“ versammelt die Stiftung Kultur der Sparkasse KölnBonn Filme über männliche Sozialisation, Körperbilder, Gewalt und familiäre Prägungen. Kuratiert wurde der Abend von Christopher Wienand und Birgit Hauska. Zu sehen ist das Programm am Montag, 12. Oktober, um 20 Uhr im Filmhaus Kino Köln. Es ist Teil des monatlichen Short Monday, den KFFK/Kurzfilmfestival Köln, Stiftung Kultur und Filmhaus Kino gemeinsam veranstalten und abwechselnd kuratieren.

Die ausgewählten Filme führen dabei in sehr verschiedene Milieus. In +10K von Gala Hernández López lebt der 21-jährige Pol bei seiner Großmutter und arbeitet an einer Zukunftsvision, die ihm Online-Coaches und Finanz-Influencer vorzeichnen: Miami, 10.000 Euro Einkommen im Monat, Kryptowährungen und die permanente Arbeit an der vermeintlich „besten Version“ seiner selbst. Der 2025 in der Quinzaine des Cinéastes in Cannes uraufgeführte dokumentarisch-experimentelle Film nimmt damit eine gegenwärtige Form männlicher Selbstoptimierung in den Blick.

Ganz unmittelbar wird der Generationenkonflikt in Trophäe von Benjamin Hujawa: Bei einem Familienausflug an den Badestrand wird der 14-jährige Max mit den Vorstellungen seines Vaters von Körper und Maskulinität konfrontiert. Mother of a Son von Kevin Koch wechselt die Perspektive und begleitet eine Mutter, die ein Jahr nach einer Gewalttat ihres Sohnes zwischen Liebe zu ihm und der Auseinandersetzung mit seiner Tat steht.

Einen historischen Bezugspunkt setzt Jane Campions früher Kurzfilm Peel von 1982. Eine scheinbar banale Auseinandersetzung während einer Autofahrt – ein Junge wirft Orangenschalen aus dem Fenster und wird vom Vater zur Ordnung gerufen – entwickelt sich zum kleinen Machtkampf innerhalb der Familie. Campions Film gewann später die Kurzfilm-Palme in Cannes und gehört zu den Arbeiten, mit denen ihre internationale Karriere begann.

Mit David von Zach Woods, in dem unter anderem Will Ferrell, William Jackson Harper und Fred Hechinger spielen, kommt schließlich auch schwarzer Humor ins Programm: Ein Therapeut gerät zwischen seinen suizidalen Patienten und seinen eigenen Sohn – die beide David heißen.

So nähert sich „Mann genug?“ seinem Thema über sehr unterschiedliche Lebenswelten: vom Vater-Sohn-Konflikt über Gewalterfahrungen bis zu den Versprechen einer digitalen Selbstoptimierungskultur. Die gemeinsame Frage dahinter ist, wo Vorstellungen von Männlichkeit entstehen – und was sie mit denen machen, die ihnen entsprechen sollen.

Mann genug?
Montag, 12. Oktober 2026, 20 Uhr
Filmhaus Kino Köln, Maybachstraße 111
Short Monday – präsentiert von der Stiftung Kultur der Sparkasse KölnBonn.

Short Monday

Der Short Monday gibt dem Kurzfilm seit 2022 einen festen Platz im Kölner Kinokalender. Die Reihe wurde vom KFFK/Kurzfilmfestival Köln, der Stiftung Kultur der Sparkasse KölnBonn und dem Filmhaus Kino ins Leben gerufen, um Kurzfilme auch jenseits von Festivals regelmäßig auf der großen Leinwand sichtbar zu machen. Die drei Partner kuratieren die Programme abwechselnd – entsprechend unterschiedlich fallen die Abende aus: mal thematisch gebündelt, mal mit aktuellen Festivalentdeckungen, historischen Arbeiten oder experimentellen Formen. Statt eines einzelnen Vorfilms wird der Kurzfilm hier als eigenständige Kinoform ernst genommen. Der Short Monday findet in der Regel am zweiten Montag des Monats um 20 Uhr im Filmhaus Kino statt.

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Von Frank Olbert.

Am 24. September 2026 lief Nicolas Ehrets Film „Morgen war Krieg“ in den deutschen Kinos an. Dieses Langfilmdebüt des Absolventen der Filmakademie Baden-Württemberg zeichnet ein dystopisches Zukunftsbild, das Ehret nicht sehr weit entfernt von unserer Gegenwart ansiedelt: Die EU ist zerfallen, in Deutschland haben sich Rechtspopulisten der Regierung bemächtigt, und während nun ein Krieg droht, entscheidet der 33-jährige Jonas, sich der Rekrutierung durch die Armee zu entziehen. Ein ziemlich brisanter Film also, der voller aktueller Bezüge steckt – das Drehbuch dazu hat der Autor und Regisseur allerdings schon vor mehr als zehn Jahren geschrieben.

Nicolas Ehret war nun einer der Referent*innen des Symposiums „Debütfilm – Was geht?“, das vom Filmbüro NW im Kölner Filmhaus veranstaltet wurde. Am 1. Oktober berichteten dort junge Filmemacher*innen von ihren Anstrengungen, erste Filme auf die Beine zu stellen. Dass die Bedingungen dafür immer ungünstiger ausfallen, führte Sonja Hofmann, Geschäftsführerin des Filmbüro NW, als Anlass für die Veranstaltung an. Debütfilme, sagt sie, sollten ein Wagnis sein, sie dürften und sollten etwas ausprobieren, und dafür benötigten sie Partner.

10 Jahre um den Debütfilm kämpfen

Dass die Suche nach solchen Partnern – nach Förderern, Produzenten, Verleihern und auch ideellen Kollaborateuren – in Zeiten einer sich massiv wandelnden Medienlandschaft kraft-, nerven- und zeitraubend sein kann, dafür war eben Nicolas Ehret ein markantes Beispiel. Zur Illustration seines langen Weges zum fertigen Film projizierte er eine Zeitleiste auf die Leinwand im Filmhaus-Kino: 2015, am Beginn dieser Reise, stand nicht allein ein Drehbuch, sondern auch die Zusage des renommierten Schauspielers Ulrich Matthes, die zweite Hauptrolle in „Morgen war Krieg“ zu übernehmen. Doch weil Geldgeber reihenweise absagten, weil das Kriegsthema vor zehn Jahren weit weg erschien, weil er bei einer WDR-Sitzung zur Debütfilmförderung durchfiel und ein ganzes Jahr warten musste, bevor er seine Idee erneut einreichen konnte, weil er das Drehbuch ungezählte Male umschreiben musste, verging mehr als ein ganzes Jahrzehnt. Auch weil er zwischendurch Vater wurde und irgendwie Geld reinkommen musste, stellten sich Ehret durchaus existenzielle Fragen: „Wie lange kann man dieses Spiel mitmachen?“

Dass die Leidenschaft, die man für die Herstellung eines Filmdebüts aufbringt, irgendwann auf dem harten Boden der Realität aufprallt, das war die Erfahrung, von der die Teilnehmer*innen des Symposiums durchgängig berichteten. Debüts entstehen zwischen Extremen, zwischen Euphorie und Depression, zwischen der optimistischen Erwartung, nach einem langen Studium zum Beispiel endlich in der Praxis anzukommen, und dem Zweifel, ob dies jemals klappt.

Weil die „Dringlichkeit“ so übermächtig war, mit dem Film zu beginnen, mal „was zu wagen“ und endlich loszulegen, wartete Katharina Huber nach der ersten Förderung mit 100.000 Euro keine weitere Unterstützung mehr ab: Für die Dreharbeiten zu „Ein schöner Ort“ machte sie Schulden, berechnete ihre eigene – unbezahlte – Arbeitskraft als Eigenanteil und zahlte allen Beteiligten den gleichen Mindestlohn, ob Kameramann oder Koch. Obwohl sie keinen Verleih fand, reüssierte der Film auf Filmfestivals wie Locarno. Auf diese Weise konnte sie ihre Schulden wieder begleichen.

Die Rolle der Förderer

Debüts sollen schneller realisiert werden und besser ausgestattet. Das ist ein Ziel des Kuratoriums des jungen deutschen Films, das es bereits seit den Zeiten des Oberhausener Manifests am Beginn der 1960er-Jahre gibt. Seit diesem Jahr aber ist die Förderung des sogenannten Talentfilms vollständig an die von allen Bundesländern getragene Stiftung übergegangen. Das Kuratorium verfügt über ein Budget von mehr als neun Millionen Euro, und wie Christina Bentlage, die geschäftsführende Direktorin, auf dem Kölner Symposium erläuterte, wird das Geld sowohl auf Lang- wie auf Kurzfilme verteilt. Die dafür zuständigen Jurys, so Bentlage, stünden vor einem immer größer werdenden Problem: Die Zahl der Anträge wächst, aktuell gebe es für das zweite Halbjahr mehr als 500 Einreichungen. Man brauche Zeit, um aus dieser Masse die Projekte herauszufiltern, die gefördert werden sollten – Zeit, in der die Antragsteller sich fragen, wie sie ihre Miete bezahlen sollen oder welchen Job sie zur Überbrückung ihrer Finanzflaute annehmen sollten.

Auf drei Panels wurde die Situation des Debütfilms diskutiert. Neben Christina Bentlage vom Kuratorium junger deutscher Film repräsentierten Mariana Schneider von Hessen Film & Medien und Dominik Tschütscher vom Österreichischen Filminstitut die Perspektive von Förderinstitutionen: Hessen zum Beispiel setzt auf eine sogenannte Paketförderung, die erlaubt, dass junge Firmen bis zu fünf Projekte gleichzeitig einreichen können. Österreich hat unterdessen ein „Talent LAB“ eingerichtet, das die Einreichenden durch ein regelrechtes Curriculum führt. Von der Stoffentwicklung bis zur Kalkulation der Drehbarbeiten leistet es wertvolle Praxishilfe, die auch bei der Erstellung überzeugender Anträge unterstützt.

Sender, Produzenten – und die Rolle der Verleiher

Für die Sender und Produzenten sprachen anschließend Alexandra Krampe (Julex Film/ PROG Producers of Germany), Melanie Andernach (Made in Germany), Christian Bauer (Saarländischer Rundfunk) und Götz Vogt (WDR). Letzterer wies auf die die zunehmende Bedeutung der Mediatheken im Vergleich zum linearen Fernsehen hin. Auch Debütfilme seien dort zeitunabhängig abrufbar, so dass die Mediatheken möglicherweise dem nachhelfen könnten, was Melanie Andernach forderte: dem Nachwuchs mehr „Sichtbarkeit“ zu verleihen. Allerdings herrsche auch in den Mediatheken ein wachsender kommerzieller Anpassungsdruck, während die Freiheiten abnehmen, so Vogt. Für keine gute Idee hält es entsprechend Krampe, alles Geförderte direkt in die Mediatheken zu stellen. Talentfilme gehörten erst einmal ins Kino und auf Festivals.

Wie also erreichen Debüts ihr Publikum? Mit dieser Frage beschäftigte sich zum Abschluss des Symposiums das Panel der Verleiher. Hier diskutierten Joachim Kühn von Realfiction, Christos Acrivulis von MissingFILMS und Stefco Escofet von Dokomotive – einer Plattform im Netz, die für den vielfach unterbewerteten Bereich des Dokumentarfilms versucht, eine Gemeinde zu erschließen. „Community Building“ ist für Escofet das Stichwort, dem er gleich ein zweites hinzufügt: Indem seine Plattform Zuschauer mit Dokumentarfilmen bekannt mache, die mit dem Genre nie in Berührung kamen, betreibe sie zugleich „Filmbildung“. Auf die besonderen Bedingungen, unter denen Filme an ihr Publikum jenseits des Netzes gelangen, wies unterdessen Kühn hin: Keine andere Kunstform müsse sich so wie der Film am Markt bewähren, denn Kinobetreiber seien schließlich Gewerbetreibende, die auf ihre Bilanz achten müssten. Im Hinblick auf den Debütfilm bedeute das: „Darauf wird man viel zu wenig vorbereitet.“

Positive Stimmung und ein volles Haus

Veranstaltungen wie das Kölner Symposium sind sicher Maßnahmen, die diesem Mangel entgegenwirken. Wie groß das Bedürfnis nach Information und Austausch ist, zeigte allein der Zuspruch zu diesem Tag im Filmhaus: Die Plätze im Kino waren restlos belegt. Dabei gelang dem Symposium ein Balanceakt: Leicht hätte die vielfach geäußerte Kritik an den schwierigen Rahmenbedingungen für den Debütfilm in jene Depression abrutschen können, die mancher beklagt. Dem aber standen Beispiele erfolgreicher Bewältigung von Krisen gegenüber, die Mut machten: Jelena Ilićs Film „Eine Krankheit wie ein Gedicht“ etwa, der zwar ein gravierendes persönliches Problem der Autorin und Regisseurin zum Gegenstand hat, nämlich die psychische und körperliche Krankheit des eigenen Vaters. Und doch hat es dieser von Melanie Andernach produzierte Film geschafft, vom ersten Mentorenprogramm für weibliche Filmschaffende, „Into the Wild“, bis hin zum Publikumspreis beim Max-Ophüls-Festival und zum Kinostart am 8. Oktober zielstrebig voranzuschreiten.

Und auch Ehrets „Morgen war Krieg“ hat es schließlich bis in zum Kinostart gebracht. Sonja Hofmann vom Filmbüro NW hat vermutlich Recht, wenn sie sagt, dass bei einem Job wie diesem die Probleme auch über das Debütstadium hinaus nicht unbedingt kleiner würden. Auch für eine Doris Dörrie nicht.

Fotos: Conny Beißer / Filmbüro NW

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Von Werner Busch.

Was lässt sich in knapp einer Stunde über die Liebe erzählen? Offenbar ziemlich viel. Von der Beziehung zwischen Mutter und Tochter über die Verbundenheit zweier Schwestern und eine Fernbeziehung bis hin zu einer Begegnung zweier Aliens reicht das Spektrum, das die Stiftung Kultur der Sparkasse KölnBonn für die diesjährige Ausgabe von »Kurzfilm im Veedel« zusammengestellt hat. Acht Filme aus Dokumentarfilm, Animation, Spielfilm und Musikvideo ergeben ein 51-minütiges Programm, das im Oktober gleich viermal in Köln zu sehen sein wird. Anschließend ist jeweils Zeit für ein Publikumsgespräch.

Der Titel des Programms ist denkbar einfach: »Liebe«. Gemeint ist damit allerdings weniger das klassische romantische Glück als ein weit gefasster Blick auf menschliche Bindungen. Gleich der Auftakt führt an einen Ort, an dem man eine Liebesgeschichte vielleicht nicht zuerst vermuten würde: In Nadia Parfans sechsminütigem It’s a Date rast 2022 ein Auto durch die beinahe menschenleeren Straßen von Kyjiw. Der Film greift Claude Lelouchs legendären Kurzfilm C’était un rendez-vous auf und versetzt dessen Fahrt durch Paris in die Realität einer vom Krieg gezeichneten Stadt.

Von dort springt das Programm mühelos zwischen Generationen, Formen und Tonlagen. Andrea Bürgi beobachtet in der Kurzdokumentation Alt werden ihre 80-jährige Mutter. Im Musikvideo Sister 2 Sister erzählen die Zwillingsschwestern Lisa-Kaindé und Naomi Díaz alias Ibeyi ihre Beziehung auch durch Bewegung und Choreografie. Marie Pauline Baghs Splitter wiederum handelt von der jungen Mutter Hanna und ihrer Tochter Ida, deren bislang eingespielter Alltag mit der Einschulung des Kindes in Bewegung gerät.

Dass »Kurzfilm« dabei nicht mit einer bestimmten filmischen Form gleichgesetzt wird, gehört zum Konzept. Auf einen 17-minütigen Spielfilm kann die einminütige Animation OOPS von Sila Kucukoglu folgen, in der zwei außerirdische Wesen aufeinandertreffen. Nadja Tannos Animationsfilm Long Distance erzählt von Nähe, Einsamkeit und Technologie in einer Fernbeziehung. Im Musikvideo Virile von The Blaze bewegen sich zwei Männer durch ein Wohnzimmer, ihre Gesten changieren zwischen Kraft und Verletzlichkeit. Und Anne-Christin Plates IKTAMULI widmet sich schließlich einer Seite von Mutterliebe, die wesentlich komplizierter ist als das Idealbild bedingungsloser Zuneigung: Liebe, Überforderung, Ablehnung und Sehnsucht bestehen hier nebeneinander.

So entsteht weniger eine Sammlung von Filmen »über Liebe« als ein kleines Panorama sehr verschiedener Formen von Verbundenheit. Das ist durchaus als Gegenakzent gedacht. Während öffentliche Debatten derzeit stark von Krieg, politischen Konflikten und Krisen geprägt sind, richtet die Stiftung mit dem Programm den Blick bewusst auf Beziehungen zwischen Menschen – ohne dabei so zu tun, als existierten diese Beziehungen außerhalb solcher Konflikte.

Der Kurzfilm kommt zum Publikum

Mindestens ebenso wichtig wie die Auswahl der Filme ist bei »Kurzfilm im Veedel« allerdings die Frage, wo sie gezeigt werden. Keine der vier Vorstellungen findet in einem klassischen Kino in der Innenstadt statt. Stationen sind das Bürgerzentrum Engelshof in Porz, ein Spielort von Kultur im Veedel in Bickendorf, das Mehrgenerationenhaus von Lebensräume in Balance in Ostheim und der Altenberger Hof in Nippes. Der Eintritt ist frei, Spenden sind möglich.

Dahinter steht eine kulturpolitische Idee im Kleinen: Nicht das Publikum muss zum spezialisierten Filmangebot kommen, sondern das Filmangebot bewegt sich in die Stadtteile. Die Stiftung formuliert das Ziel selbst so, den Kurzfilm auch »außerhalb der innerstädtischen Hot-Spots« sichtbar zu machen und möglichst vielen Menschen zugänglich zu machen. Beim Ausbau des Formats in den letzten Jahren ging es ausdrücklich darum, über Kooperationen mit Einrichtungen in den Veedeln Menschen zu erreichen, die nicht regelmäßig innerstädtische Kinos oder Programme jenseits des Mainstreams besuchen. Zum Konzept gehören deshalb auch die Gespräche nach den Filmen, in denen Publikum, Filmschaffende und lokal engagierte Akteur miteinander ins Gespräch kommen können.

Die Arbeit mit dem Kurzfilm reicht bei der Medienkunstvermittlung weit über diese Reihe hinaus. Die Stiftung ist Partnerin des Kurzfilmfestival Köln und beteiligt sich gemeinsam mit dem KFFK und dem Filmhaus Köln am »Short Monday«. Kuratiert werden die Programme von Birgit Hauska und Simon Rupieper. Hauska beschrieb den Kurzfilm im Gespräch mit Filmszene Köln anlässlich des 50-jährigen Bestehens der Stiftung als besonders geeignet, um eine Art »Sehschule« anzustoßen: Durch seine konzentrierte Form könne er ungewohnte ästhetische Zugänge eröffnen – und zugleich besonders gut zum Gespräch über das Gesehene einladen.

Genau das lässt sich an der diesjährigen Auswahl nachvollziehen. Acht Filme benötigen zusammen kaum mehr Zeit als ein durchschnittlicher Spielfilm, eröffnen aber acht vollkommen unterschiedliche Zugänge zu einem vermeintlich vertrauten Begriff. Vielleicht ist gerade das eine Stärke des Kurzfilms: Er muss keine abschließende Antwort geben. Manchmal reichen sechs Minuten, eine Autofahrt durch Kyjiw oder zwei Menschen, die miteinander tanzen, um ein Thema für einen Moment aus einer anderen Richtung zu betrachten.

Kurzfilm im Veedel – »Liebe«

8. Oktober, 19 Uhr: Bürgerzentrum Engelshof, Porz
9. Oktober, 19 Uhr: Bickendorf / Kultur im Veedel
11. Oktober, 18 Uhr: Mehrgenerationenhaus LiB, Ostheim
14. Oktober, 19 Uhr: Bürgerzentrum Altenberger Hof, Nippes

Der Eintritt ist frei, Spenden sind möglich.

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Von Frank Olbert.

Wenn Choreographie auf Cinematographie trifft, vermählen sich beide Bewegungskünste zum Tanzfilm. In Europa gibt es dafür eine vitale Szene mit zahlreichen Festivals, allen voran das „Cinedans – Dance on Screen Festival“ in Amsterdam, das nicht allein Filme zeigt, sondern auch Symposien veranstaltet und als „Cinedans on Tour“ um die Welt reist. Zu den herausragenden Veranstaltungen dieser Art zählt seit nunmehr zehn Jahren auch ein Kölner Forum, das Moovy Tanzfilmfestival, das im Jubiläumsjahr mit Meg Stuarts „Sulphur Edges“ eröffnet (am 4. Oktober um 18 Uhr im Filmforum NRW im Museum Ludwig). Auch hier umfasst das Konzept weit mehr als die Vorführung der Filme. Neben begleitenden Gesprächen – zum Beispiel ist Meg Stuart anwesend, um über ihr Werk zu sprechen – kann sich das Publikum in Workshops weiterbilden oder im Rahmen eines Symposions Kenntnisse vertiefen.

Treibende Kraft hinter Moovy ist seit Beginn Ágota Harmati, die in Ungarn geboren wurde und unter anderem Kunstgeschichte und Romanistik in Madrid, Köln und Berlin studierte. „Ich bin von Hause aus Kunsthistorikerin und Kuratorin und habe immer wieder an der Schnittstelle zwischen unterschiedlichen künstlerischen Formaten gearbeitet. Und dies genreübergreifend: Performance, Film, bildende Kunst – all das gehört dazu“, sagt Ágota Harmati im Gespräch. „Auf spanischen Festivals habe ich internationale Tanzfilme von ganz unterschiedlichen Choreographen und Filmemachern vorgeführt, was sehr gut angenommen wurde. Die Filme wurden auch im öffentlichen Raum gezeigt, in lauen spanischen Sommernächten in engen Altstadtgassen. Das war sehr schön.“ Dann zog es sie aus dem warmen Süden des Kontinents in den Norden –  „und so, wie Migranten alles Mögliche nach Deutschland mitbringen, habe ich den Tanzfilm mitgebracht“, meint sie selbstironisch. „Nein, so war es natürlich nicht. Tanzfilm als Kunstform gibt es schon lange – ich habe als Kuratorin nur dafür gesorgt, dass man sie sieht.“

Was einen Tanzfilm zum Tanzfilm macht

Im Alleingang gründete sie vor zehn Jahren das Moovy Tanzfilmfestival und ist im Verlauf seiner Entwicklung immer wieder unterschiedliche Konstellationen zur Kooperation eingegangen, denn eines ihrer großen Anliegen ist es, dass nicht nur europäische oder nordamerikanische Filme auf dem Festival zu sehen sind – „also Filme, die lange diesen künstlerischen Bereich dominierten. Für mich war immer wichtig, dass Lateinamerika, Asien und Afrika mehr zur Geltung kommen. Und so kam es immer wieder zu Kooperationen mit unterschiedlichen Kuratoren. Dieses Netzwerk funktioniert mittlerweile sehr gut“.

Das Festival wuchs und dehnte sich auch im Hinblick auf den organisatorischen und personellen Aufwand immer mehr aus: Mehr als 1.000 Einreichungen gibt es pro Jahr. Die künstlerische Leitung durch Ágota Harmati wird durch weitere Kurator*innen ergänzt, das Symposion muss eigens geplant werden, es gibt eine facettenreiche Öffentlichkeitsarbeit und zahlreiche Partner und Förderer, darunter die Kunststiftung NRW, die Stadt Köln und das Kölner Tanzarchiv. Im Mittelpunkt aber steht die Botschaft, die Ágota Harmati seit Anbeginn leitet: „Künstlerischer Tanzfilm – das bedeutet, hier werden künstlerische Choreographien für das Medium Film entwickelt. Das ist etwas völlig anderes als abgefilmter Tanz: dabei handelt es sich um Dokumentationen. Beim Tanzfilm hingegen ist die Kamera Teil der Choreographie. Das ist der wesentliche Punkt, wobei es allgemeine Gesetze für Tanzfilme nicht gibt. Dafür sind sie zu unterschiedlich.“

Körper und Bewegung im digitalen Raum

Das Festival besitzt auch einen reflexiven, theoretischen Teil, und schon im zweiten Jahr trat das Thema der virtuellen Realität zum Programm hinzu. „Die neuen digitalen Künste in der Interaktion mit Tanz, Körper, Bewegung haben eine neue Welt eröffnet“, sagt Ágota Harmati. Das wollte sie nicht nur zeigen, sondern auch in einen diskursiven Kontext bringen. So kam es zum Symposion, nicht allein als Forum zur Selbstreflexion, sondern auch zur Vernetzung zwischen den Künstlerinnen und Künstlern. „Hochschulen und andere Institutionen an unterschiedlichen Orten der Welt haben sich mit dem Phänomen der Digitalität auseinandergesetzt, aber es gab noch keine Verbindung untereinander“, so die Festivalleiterin.

Auch ethischen Fragen, die im Zuge der Digitalisierung aufgeworfen wurden, stellte sich das Festival, Fragen zu Kultur und Demokratie, nicht nur, weil mehr Menschen Filme produzieren können, sondern auch, weil man mittlerweile von einer digitalen Sparte sprechen kann. „Wie werden Theater oder Museen in der Zukunft aussehen? Zur Stadtplanung gehört, dass man Orte für Kultur schafft – wo und wie werden solche Orte im digitalen Raum geschaffen? Das ist nicht definiert. Zur Zeit beherrschen und steuern die Techunternehmen alles. Es kann aber nicht sein, dass alles, auch im Kulturbereich, davon abhängt.“

Das Filmprogramm erfährt thematisch und ästhetisch eine kontinuierliche Erneuerung, nicht zuletzt dadurch, dass sehr junge Leute ihre Filme einreichen, wie Ágota Harmati sagt. „In ihrer künstlerischen Qualität sind diese Filme vollkommen ausgereift, trotz des jungen Alters ihrer Urheber. Ich war zum Beispiel sehr erstaunt von einem Regisseur von den Philippinen, John Paul Soriano, der gerade mal 21 Jahre alt ist.“ In seinem Film „Hataw“ bereichert Soriano das Genre durch eine Streetdance-Variante, die er mit dem Selbstfindungsprozess seines 19-jährigen Protagonisten verbindet. Politik, Psychologie und Tanz hingegen verschmelzen in „Yellow-blue Butterflies“ der ukrainischen Regisseurin Yelyzaveta Golubenko, die mit traumatisierten Kindern zusammengearbeitet hat. Beide Filme laufen im Festivalprogramm „Beyond Innocence“, das sich an ein erwachsenes Publikum richtet, aber mit der Lebenswelt junger Menschen auseinandersetzt.

Über das eigentliche Festivalprogramm hinaus legt Moovy ein Touring-Programm auf, das einerseits die internationalen Festivals umfasst, andererseits aber auch den Nahbereich in Nordrhein-Westfalen. „Mit ‚Moovy NRW‘ gehen wir besonders gerne in kleinere Gemeinden“, so Ágota Harmati. „Dort zeigen wir unser Programm, zudem bieten wir aber auch Workshops für Kinder und Jugendliche an, die selber Filme produzieren können. Das macht allen Beteiligten unglaublich viel Spaß. Einer meiner Lieblingsorte ist Windeck, eine Gemeinde, die aus vielen Orten mit insgesamt nur 19.000 Einwohnern besteht. Dort arbeiten wir in erster Linie mit den Schulen zusammen.“

Auch mit Hochschulen steht das Festival in intensiver Verbindung, wie der Kunsthochschule für Medien und der ifs Internationale Filmschule in Köln, mit der Hochschule für Kunst und Tanz, mit dem Institut für Tanz und Bewegungskultur an der Sporthochschule in Köln. In nur zehn Jahren hat das Festival unter der Leitung von Ágota Harmati den Radius seiner Aktivitäten konsequent ausgeweitet und blickt auch schon ins elfte Jahr. Mit einem Open Call sucht Moovy 2027 Tanzfilme und Choreographien für virtuelle und erweiterte Realität. Kein Stillstand also, Tanz heißt schließlich, in Bewegung zu bleiben.

Die 10. Ausgabe des Festivals wird am 4. Oktober 2026 um 18 Uhr im Filmforum im Museum Ludwig eröffnet und dauert bis zum 18. Oktober.

Das Programm findet ihr auf www.moovy-festival.com

Einreichungen für 2027 unter filmfreeway.com/Moovy
(Einsendeschluss 28.02.2027)

Titelbild: Tanzfilmspaziergäne wird es auch vor dem Filmforum NRW geben, Foto: Bibiana Jimenez / Moovy

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Von Werner Busch.

Es ist die Art von Filmprojekt, die vor allem von Beharrlichkeit lebt. Schon als Kind drehte Phillip Schwellenbach mit dem Camcorder seines Vaters kleine Filme, später studierte der Siegburger Regie an der Macromedia Akademie in Köln. Während der Corona-Jahre 2020 und 2021 schrieb er das Drehbuch zu seinem ersten Langfilm – und machte sich anschließend daran, aus dem Rheinland ein Stück Amerika zu bauen.

Faster, Hollywood: Die! Die! erzählt von Billy und Jilly, einem berüchtigten kriminellen Paar, das sein bisheriges Leben hinter sich lassen will. Doch ein Detective ist ihnen bereits auf der Spur – und verfolgt dabei seine ganz eigenen Interessen. Der Titel ist eine Verbeugung vor Russ Meyers Faster, Pussycat! Kill! Kill!, während Schwellenbach als weitere Bezugspunkte insbesondere das amerikanische Genre-Kino der 1960er- und 1970er-Jahre nennt.

New Mexico liegt im Rheinland

Bemerkenswert ist vor allem, mit welchen Mitteln dieser amerikanische Kosmos entstanden ist. Was im Film nach Wüstenlandschaft aussieht, wurde unter anderem in Kiesgruben bei Wesseling und Kerpen-Buir gedreht. Ein American Diner fand Schwellenbach in Bornheim, weitere Schauplätze in Siegburg. Lediglich einige Establishing Shots – darunter Aufnahmen von Highways, Trucks und dem Hollywood Boulevard – entstanden tatsächlich in den USA. Die Produktion zog sich über mehrere Jahre und wurde mit einem Budget von rund 20.000 Euro weitgehend unabhängig realisiert.

Schwellenbach übernahm dabei nicht nur Regie und Drehbuch, sondern auch den Schnitt. Vor der Kamera stehen unter anderem Dominik Penschek, Merle Peters-Moorhouse und der US-amerikanisch-österreichische Schauspieler Jeff Zach als Detective Detweiler. Gedreht wurde von Beginn an auf Englisch. In der Postproduktion sollte das digital aufgenommene Material zugleich einen deutlich analogeren, körnigeren Filmlook erhalten – bewusst entfernt von einer glatten Streaming-Ästhetik.

Dass Faster, Hollywood: Die! Die! visuell erstaunlich konsequent nach amerikanischem Genrekino aussieht, ist weniger das Ergebnis großer Produktionsmittel als einer sehr genauen Vorbereitung. »Teilweise war es tatsächlich nur der richtige Winkel, der Bornheim von den USA getrennt hat«, sagt Phillip Schwellenbach. Gerade bei der Auswahl der Locations, dem Blocking der Schauspieler und der Wahl der Kameraposition musste deshalb genau darauf geachtet werden, was im Bild zu sehen war – und vor allem, was nicht.

Der richtige Winkel zwischen Bornheim und Amerika

Gedreht wurde mit Kameras aus Sonys FX-Reihe, vor allem mit der FX9. Doch ein wesentlicher Teil der Bildgestaltung entstand erst in der Postproduktion. Schwellenbach bearbeitete und gradete das komplette Material selbst in DaVinci Resolve. Als Ausgangspunkt diente ein Kodak-Filmstock-LUT, anschließend bekam jede Szene ein individuelles Grading. Dabei ging es ihm nicht einfach darum, einen fertigen »Analogfilter« über die Bilder zu legen: Hauttöne wurden Einstellung für Einstellung angepasst, ebenso die Intensität des Filmkorns.

Auch kleinere Details imitieren bewusst Eigenschaften einer analogen Filmkopie. Blooming lässt helle Lichtquellen diffus ausstrahlen, Halation erzeugt an bestimmten Kanten einen rötlichen Lichtschein. Minimale Bildbewegungen simulieren den sogenannten Gate Weave, also das leichte Wandern des Filmbildes im Projektor. An ausgewählten Stellen tauchen sogar die charakteristischen Markierungen für einen bevorstehenden Rollenwechsel auf. All diese Eingriffe verfolgen dasselbe Ziel: Das digital gedrehte Rheinland soll sich wie eine fiktive, auf Film gebannte Version der USA anfühlen.

Keine Einstellung ohne Grund

Ähnlich genau wurde bereits vor dem Dreh gearbeitet. Schwellenbach storyboardete jede einzelne Einstellung. Das war nicht nur eine gestalterische Entscheidung, sondern bei den oft extrem knappen Drehzeiten auch eine praktische Notwendigkeit. Rund 15 Minuten des Films, die komplett in einem Diner spielen, entstanden beispielsweise innerhalb einer einzigen Nacht – in gerade einmal zwölf Stunden.

Für die Kamera stellte Schwellenbach sich dabei eine einfache Regel auf: Sie sollte sich nur bewegen, wenn es dafür eine physische oder emotionale Motivation gibt. Gerade längere ungeschnittene Einstellungen sollten nicht deshalb entstehen, weil ein aufwendiger Oneshot gut aussieht, sondern weil die Bewegung etwas über Figuren, Raum oder Situation erzählt.

Auf klassische Coverage verzichtete er deshalb weitgehend. Statt eine Szene routinemäßig in Totale, Halbnah und Nahaufnahme abzudecken und ihre endgültige Form erst im Schnitt zu finden, wurde sie möglichst bereits so gedreht, wie sie später im Film erscheinen sollte. Jede Einstellung sollte eine konkrete Funktion innerhalb der Inszenierung haben.

Das Storyboard blieb trotzdem kein unveränderliches Regelwerk. Ideen der Schauspieler konnten das Blocking verändern, bessere Einfälle am Set ebenso – und manchmal zwang schlicht die Zeit zum Improvisieren. Besonders Jeff Zach als Detective Detweiler und Gerrit Schaetzing als Deputy brachten nach Schwellenbachs Erinnerung immer wieder eigene Ideen in die Szenen ein. Eine besondere Herausforderung war die Konfrontation im Motel: Wie eng eine Location tatsächlich ist, zeigt sich schließlich oft erst, wenn Kamera, Licht, Schauspieler und Crew gleichzeitig darin Platz finden müssen.

Gerade diese Mischung aus akribischer Planung und Pragmatismus am Set erklärt einiges von dem, was man dem fertigen Film zunächst nicht ansieht. Hinter dem Scope-Look und der amerikanischen Oberfläche steht keine große Produktionsmaschinerie, sondern häufig die sehr konkrete Frage, welchen Ausschnitt man wählen muss, damit eine Kiesgrube nach New Mexico und Bornheim für einen Moment nach Amerika aussieht.

Eine überzeugende filmische Visitenkarte

Auch als fertiger Film ist Faster, Hollywood: Die! Die! bemerkenswert. Vor allem visuell liegt das Projekt deutlich über vergleichbaren „Selfmade-Produktionen“: Das breite Scope-Format, die sorgfältig gewählten Motive, die Bildgestaltung und das Grading lassen oft komplett vergessen, dass dieser Film nicht tatsächlich in den USA gedreht wurde. Besonders Jeff Zach als Detective Detweiler gibt dem Film mit seiner Präsenz viel Halt. An anderer Stelle merkt man dagegen, dass Schwellenbach aufgrund des stark begrenzten Budgets nicht mit einem vollen Kartenset filmischer Mittel arbeiten konnte. Das Drehbuch erklärt und spricht mitunter mehr, als nötig wäre – gerade weil die starken Bilder und die angelegte Suspense durchaus tragen können. Umso interessanter ist die Perspektive: Inszenierung, Look und auch das professionelle Marketing zeigen, wie viel gestalterisches Gespür vorhanden ist. Mit größerem Budget, erfahrenerem Ensemble und einer breiter aufgestellten Crew dürfte Schwellenbach seine Stärken noch wesentlich konsequenter ausspielen können. Faster, Hollywood: Die! Die! ist eine sympathische, überzeugende Visitenkarte für junges, unabhängiges Filmemachen in Deutschland.

Nach seiner Uraufführung am 9. Juni 2026 in der Filmwelt Lippe in Lage kommt das Independent-Projekt nun auch nach Köln. Der Filmpalast zeigt Faster, Hollywood: Die! Die! am Mittwoch, 30. September, um 19:30 Uhr im englischen Original mit deutschen Untertiteln. Der Film ist ab 16 Jahren freigegeben.

Nachtrag: Erfolgreiche Köln-Premiere am 30. September

Die Köln-Premiere von Faster Hollywood war gut besucht und brachte viel positives Feedback für die jungen Filmemacher. Nach dem erfolgreichen Auftakt in Köln soll der Film nun auch in weiteren Städten in der Region und deutschlandweit zu sehen sein. Wer sich über neue Screenings auf dem Laufenden halten möchte, kann zum Beispiel den Insta-Kanal des Films abonnieren. Oder sollte gleich zum eigenen Kino des Vertrauens gehen und den Film empfehlen.

 Fotos: Florian Kappes 

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Von Werner Busch.

Irgendwann muss es einen ersten Film geben. Bevor Christian Petzold, Maren Ade oder Fatih Akin regelmäßig mit neuen Arbeiten im Kino vertreten waren, standen auch sie einmal vor der Aufgabe, einen ersten Langfilm zu finanzieren, zu drehen und schließlich zu einem Publikum zu bringen. Debüts sind deshalb weit mehr als eine Visitenkarte für Nachwuchsregisseur. Hier entstehen neue Handschriften, Erzählformen und Perspektiven – und nicht selten Filme, die mit geringeren Budgets größere Risiken eingehen als etablierte Produktionen.

Doch genau dieser Einstieg ist schwieriger geworden. Das Filmbüro NW nimmt diese Entwicklung zum Ausgangspunkt seines diesjährigen Symposiums. Unter dem bewusst knapp gehaltenen Titel „Debütfilm – Was geht?“ treffen sich am Donnerstag, 1. Oktober 2026, Filmschaffende, Produzent*innen, Sendervertreter, Förderinstitutionen und Verleiher im Filmhaus Köln. Das Symposium geht direkt in die Materie und verfolgt einen Film gewissermaßen durch die verschiedenen Stationen seines Entstehens: Wer finanziert ihn? Wer produziert ihn? Welche Rolle spielen Fernsehsender noch? Und wie erreicht ein Debüt nach seiner Fertigstellung überhaupt ein Publikum?

Wenn der erste Film zum Nadelöhr wird

Die Ausgangslage beschreibt das Filmbüro deutlich: Die Neuordnung der Filmförderung habe für Unsicherheit und Verzögerungen gesorgt, Fernsehsender engagierten sich weniger stark für Kinofilme und konzentrierten sich zunehmend auf Streaming- und Onlineangebote. Gleichzeitig konkurriert eine wachsende Zahl von Absolvent*innen der Filmhochschulen um Finanzierungsmöglichkeiten und Sendeplätze.

Was zunächst nach einer sehr branchenspezifischen Diskussion klingt, betrifft letztlich das gesamte Kinopublikum. Denn wenn der Einstieg für neue Filmemacher schwieriger wird, entscheidet sich bereits in dieser frühen Phase, welche Geschichten überhaupt erzählt werden können – und welche Ästhetiken, Themen und gesellschaftlichen Perspektiven später im Kino sichtbar werden. Und welche nicht.

Den Vormittag eröffnen deshalb zwei grundsätzliche Bestandsaufnahmen. Produzentin Alexandra Krampe von Julex Film / PROG hält die erste Keynote, anschließend spricht Regisseur und Produzent Çağdaş Eren Yüksel vom Kollektiv Zwo. Danach wird es konkret: Drei aktuelle Filme zeigen in Case Studies, auf welchen unterschiedlichen Wegen Debüts entstehen können.

Drei Filme, drei Wege zum Debüt

Mit Katharina Hubers Ein schöner Ort steht ein Film im Mittelpunkt, dessen Weg bereits weit geführt hat. Hubers erster Langfilm feierte 2023 beim Filmfestival von Locarno seine Weltpremiere und wurde dort unter anderem mit dem Preis für die beste Nachwuchsregie ausgezeichnet. Trotz dieses großen Festival-Erfolgs dauerte der Weg zu einem Kino-Verleih noch über zwei Jahre, erst im November 2025 kam Ein schöner Ort ins Kino.

Einen ganz anderen Ansatz verfolgt Jelena Ilić in ihrem dokumentarischen Debüt Eine Krankheit wie ein Gedicht. Darin setzt sie sich mit ihrem Vater auseinander, der nach Jahren in der forensischen Psychiatrie vor seiner Entlassung steht. Ilić verbindet dokumentarische Beobachtung mit Animation und der Kunst ihres Vaters. Produziert wurde der Film von der Kölner Made in Germany Filmproduktion; nach seiner Premiere beim Max Ophüls Preis und mehreren Festivalauszeichnungen startet er nur eine Woche nach dem Symposium, am 8. Oktober, regulär im Kino. Beim Symposium berichten Ilić und Produzentin Melanie Andernach über die Entstehung.

Als drittes Beispiel stellt Nicolas Ehret Morgen war Krieg vor. Sein Spielfilm entwirft ein Deutschland der nahen Zukunft: Nach einer Generalmobilmachung durch eine rechte Regierung verstecken sich ein junger Mann und seine Schwester in einem abgelegenen Haus und geraten zwischen Flüchtlinge und eine Bürgerwehr.

Gerade diese drei sehr unterschiedlichen Arbeiten machen deutlich, dass „Debütfilm“ keine eigene ästhetische Kategorie ist. Das Spektrum reicht vom persönlichen Dokumentarfilm bis zum politischen Zukunftsszenario. Gemeinsam ist den Filmen die Frage, unter welchen Bedingungen eine erste große Arbeit realisiert werden kann.

Wer ermöglicht den ersten Film?

Am Nachmittag wechselt die Perspektive von den konkreten Filmen zu den Strukturen dahinter. Über die Förderung von Debütfilmen sprechen Christina Bentlage, Direktorin des Kuratoriums junger deutscher Film, Dominik Tschütscher vom Österreichischen Filminstitut und Mariana Schneider, Förderreferentin für Talentfilm bei Hessen Film & Medien.

Anschließend geht es um ein Verhältnis, das den deutschen Kinofilm über Jahrzehnte geprägt hat: die Zusammenarbeit von Produktion und öffentlich-rechtlichem Fernsehen. Christian Bauer vom SR, Götz Vogt vom WDR und ARD-Debüt, Alexandra Krampe sowie Melanie Andernach diskutieren über die heutige Rolle von Sendern und Produzent. Gerade für erste Filme ist diese Frage entscheidend: Welche Partner sind bereit, ein Projekt mitzutragen, wenn hinter einem Namen noch keine Reihe erfolgreicher Kinofilme steht?

Aber auch ein fertiggestellter Film hat sein Publikum noch längst nicht gefunden. Deshalb widmet sich das letzte Panel der Auswertung, dem Vertrieb und der Sichtbarkeit. Mit Christos Acrivulis von MissingFILMs, Joachim Kühn vom Kölner Real Fiction Filmverleih und Stefco Escofet von der Plattform Dokomotive sitzen hier Vertreter verschiedener Wege zum Publikum auf dem Podium.

Eine Frage nach der Zukunft des Kinos

So lässt sich das Symposium auch als Reise durch das Leben eines Films lesen: von der ersten Finanzierung über Produktion und Senderbeteiligung bis zu Verleih, Kino und alternativen Plattformen. Moderiert wird der Tag von Jenni Zylka, am Ende steht eine gemeinsame Abschlussdiskussion; anschließend geht es beim Get-together im Foyer informell weiter.

Das macht „Debütfilm – Was geht?“ auch für Menschen interessant, die selbst keinen Förderantrag schreiben und keinen Film produzieren wollen. Denn hinter all den Fragen nach Finanzierung, Sendern und Verleih steckt eine wesentlich größere: Wie offen ist unsere Filmlandschaft noch für Menschen, die zum ersten Mal eine eigene filmische Handschrift entwickeln?

Welche Antworten darauf gefunden werden, entscheidet letztlich auch darüber, was in einigen Jahren auf unseren Leinwänden zu sehen sein wird.

Debütfilm – Was geht?

Donnerstag, 1. Oktober 2026
Begrüßung: 9.45 Uhr, Programm ab 10 Uhr
Filmhaus Kino Köln, Maybachstraße 111

Ganzer Tag: 15 Euro / 10 Euro ermäßigt
Halber Tag: 10 Euro / 7 Euro ermäßigt
Mitglieder des Filmbüro NW haben freien Eintritt. Eine Anmeldung ist erforderlich.

Titelbild: Dreharbeiten zu Ein schöner Ort, Foto: Katharina Huber

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Von Werner Busch.

Die Verbindung besteht seit 1996: Köln war damals die erste deutsche Stadt, die eine Partnerschaft mit einer palästinensischen Kommune einging. Bemerkenswert ist bis heute, dass Köln zugleich seit 1979 mit Tel Aviv-Yafo verbunden ist. Die Partnerschaft mit Bethlehem entstand ausdrücklich mit dem Ziel, auf kommunaler Ebene zu Verständigung und einem Friedensprozess beizutragen.

Entsprechend eröffnet die fünfte Ausgabe mit Kurzfilmen junger Regisseur*innen der Dar al-Kalima Universität in Bethlehem – Stimmen aus jener Stadt also, mit der Köln seit drei Jahrzehnten verbunden ist. Einen großen historischen Bogen schlägt IM SCHATTEN DES ORANGENBAUMS von Cherien Dabis: Ausgehend vom Westjordanland des Jahres 1988 erzählt der Film über mehrere Generationen hinweg von Jaffa 1948, Vertreibung, Erinnerung und den Folgen der Geschichte für eine Familie.

Eine andere Form der Zeitreise unternimmt Kamal Aljafari in MIT HASAN IN GAZA. Grundlage sind MiniDV-Aufnahmen einer Reise durch den Gazastreifen im Jahr 2001. Menschen, Straßen und Landschaften erscheinen darin aus heutiger Perspektive auch als Dokument einer Welt, die sich tiefgreifend verändert hat.

Damit bekommen die Filmtage 2026 zwangsläufig eine besondere Gegenwärtigkeit. Fast ein Jahr nach der im Oktober 2025 vereinbarten Waffenruhe dauern israelische Angriffe auf den Gazastreifen an; weiterhin werden dabei palästinensische Zivilisten getötet und verletzt. Besonders Kinder sind betroffen: UNICEF berichtete im Sommer 2026 von hunderten seit Beginn der Waffenruhe getöteten palästinensischen Kindern, im September dokumentieren die Vereinten Nationen weitere Todesfälle. Auch im Westjordanland werden Palästinenser*innen weiterhin bei Einsätzen israelischer Streitkräfte und durch Siedlergewalt getötet und verletzt.

Vor diesem Hintergrund sind die Palästina-Filmtage nicht nur ein Schaufenster palästinensischen Filmschaffens. Sie zeigen Menschen, Familiengeschichten, Orte und Erinnerungen hinter einer Gegenwart, die in den Nachrichten häufig auf Opferzahlen reduziert wird – und geben den Betroffenen Gesichter, Stimmen und Geschichte.

Ausführliche Infos zum Programm und Tickets auf: www.filmhaus-koeln.de

Titelbild: Im Schatten des Orangenbaums, Foto (c) X Verleih

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Von Werner Busch.

»Ich brauche Geld.« Mit diesen Worten beginnt Von Scham und Geld. Noch ist das Geldproblem überschaubar. Hatixhe melkt die Kühe auf dem Familienhof im ländlichen Kosovo, ihr Schwager Liridon bittet sie darum, bei ihrem Mann Shaban ein gutes Wort für ihn einzulegen. Wenig später sind Liridon und die Kühe verschwunden. Der Bruder hat die Tiere verkauft und sich abgesetzt – und damit der Familie praktisch über Nacht ihre Lebensgrundlage genommen. (epd Film)

Shaban und Hatixhe ziehen mit ihren drei Töchtern und Shabans Mutter nach Pristina. Hatixhes wohlhabende Schwester und deren Mann nehmen sie zunächst auf und verschaffen ihnen Arbeit. Doch mit der Hilfe beginnt eine neue Form der Abhängigkeit. Hatixhe pflegt den schwer kranken Vater ihres Schwagers, das Paar putzt in dessen Nachtclub, Shaban sucht zusätzlich auf der Straße nach Gelegenheitsjobs. Für Medikamente, neue Schuhe für die Tochter oder eine eigene Wohnung reicht das Geld trotzdem kaum.

Visar Morina erzählt diese Geschichte nicht als eine Abfolge großer Katastrophen. Viel bedrückender ist, wie alltäglich die Demütigungen werden. Hier fehlen zwei Euro, dort muss um einen Vorschuss gebeten werden. Arbeit wird angeboten, aber so schlecht bezahlt, dass sie kaum aus der Not führt. Eine geschenkte Jacke kann plötzlich keine freundliche Geste mehr sein, sondern ein Hinweis darauf, wer geben darf und wer nehmen muss. Selbst innerhalb der Familie werden Beziehungen zunehmend in Leistungen, Schulden und Gegenleistungen übersetzt.

Darin liegt die Stärke von Von Scham und Geld: Der Film muss seine gesellschaftliche Diagnose kaum aussprechen, weil sie permanent in den kleinen Situationen sichtbar wird. Geld ist nicht einfach das, was Shaban und Hatixhe fehlt. Es verändert die Hierarchien zwischen Menschen. Wer besitzt, entscheidet. Wer nichts besitzt, muss bitten, warten, Dankbarkeit zeigen und zunehmend Bedingungen akzeptieren, die er sich nicht ausgesucht hat.

Morina selbst hat beschrieben, dass ihn bei den Recherchen besonders die Frage beschäftigte, was von menschlichen Beziehungen übrigbleibt, wenn immer mehr Dinge in Geldwert übersetzt werden. Shaban soll im Verlauf des Films ein Bewusstsein dafür entwickeln, dass seine persönliche Misere nicht nur persönliches Versagen ist, sondern mit gesellschaftlichen Klassenverhältnissen zusammenhängt.

Zwei unterschiedliche Antworten auf dieselbe Not

Dabei macht Morina aus Shaban keinen einfachen Helden. Astrit Kabashi spielt ihn als Mann, dessen Stolz zugleich seine letzte Verteidigung und zunehmend ein Problem ist. Shaban will arbeiten. Er will seine Familie ernähren und niemandem etwas schulden. Gerade deshalb trifft ihn jede Form der Abhängigkeit umso härter. Kabashi zeigt diesen Verschleiß vor allem körperlich: in der Haltung, im Blick, in den kurzen Momenten, in denen Shaban schluckt, anstatt etwas zu erwidern.

Flonja Kodheli setzt dem als Hatixhe eine andere Strategie entgegen. Sie ist pragmatischer, erkennt schneller, welche Kompromisse notwendig sind, damit die Familie durchkommt. Als ihre Schwester sich um den gesellschaftlichen Ruf sorgt, fällt der vielleicht wichtigste Satz des Films: »Scham ist ein Luxus.« Wer nicht weiß, wie Medikamente oder Kinderschuhe bezahlt werden sollen, kann sich bestimmte Vorstellungen von Stolz schlicht nicht leisten.

Gerade im Zusammenspiel von Kabashi und Kodheli verhindert der Film, dass daraus eine schematische Gegenüberstellung wird. Die Ehe von Hatixhe und Shaban gehört zu den wenigen Beziehungen, die sich der Logik des Tauschgeschäfts lange entziehen. Kleine Berührungen, Blicke und beiläufige Gesten reichen Morina dafür. Dass zwei Menschen freundlich miteinander umgehen, ohne etwas dafür zu erwarten, wird in dieser Umgebung beinahe zu einem widerständigen Akt.

Auch deshalb bleibt der Film trotz seiner Härte menschlich. Morina betrachtet seine Figuren niemals von oben. Er interessiert sich weder für exotisierende Armutsbilder noch dafür, Shabans Not möglichst spektakulär auszustellen. Der soziale Druck entsteht gerade daraus, dass die Familie arbeitet, sich bemüht und zunächst scheinbar alles »richtig« macht – und dennoch immer weiter abrutscht.

Eine Stadt, in der alles seinen Preis hat

Die Kamera von Janis Mazuch folgt den Figuren häufig aus unmittelbarer Nähe. Auf dem Land gibt es Erde, Tiere, körperliche Arbeit und noch einen Zusammenhang zwischen Tätigkeit und Ergebnis. Pristina erscheint dagegen als Raum permanenter Bewegung: Verkehr, Baustellen, Bars, neue Wohnanlagen und Menschen, die am Straßenrand darauf warten, für einen Tageslohn mitgenommen zu werden. Morina und Mazuch wollten nach eigener Aussage gerade keine schönen, komponierten Schauwerte produzieren, sondern möglichst nah an den Figuren und ihren Darsteller*innen bleiben.

Besonders prägnant wird das an der Straße, an der Shaban mit anderen Männern auf Arbeit wartet. Autos kommen, Arbeitskräfte werden ausgewählt, Menschen zurückgelassen. Arbeit funktioniert hier buchstäblich wie ein Markt. Im Hintergrund steht irgendwann die Bill-Clinton-Statue von Pristina – ein Bild, das die jüngere politische Geschichte des Kosovo in Morinas Gegenwartserzählung hineinholt, ohne dass daraus ein Geschichtsreferat werden müsste.

Später landet Shaban ausgerechnet als Sicherheitsmann in einer Gated Community. Er bewacht den Wohlstand anderer, während ihm selbst das Geld für grundlegende Dinge fehlt. Solche Konstellationen sind sehr deutlich gesetzt, wirken aber selten wie nachträglich angehängte Symbole. Morina entwickelt sie aus Shabans alltäglicher Arbeit.

Auch die Tonspur trägt wesentlich zur Unruhe bei. Mario Batkovics Musik verbindet dissonante, drängende Passagen mit Elementen albanischer Musik. Morina hat erzählt, dass diese Musik für ihn eng mit persönlichen Erinnerungen und zugleich mit einer Kultur verbunden sei, in der Geschichten stark über Musik weitergegeben werden.

Über weite Strecken bleibt Von Scham und Geld konsequent im Sozialrealismus. Umso stärker wirkt ein später Moment, in dem sich der Film für kurze Zeit davon entfernt und etwas Traumhaftes, beinahe Märchenhaftes bekommt. Das passt zu Morinas ursprünglicher Vorstellung der Geschichte: Hatixhe und Shaban seien für ihn zunächst Figuren einer Art Märchen gewesen – inspiriert von der Frage, wie seine eigenen Eltern heute in einer solchen Situation leben würden.

Die 129 Minuten nehmen sich Zeit. Wiederholt sieht man Shaban Arbeit suchen, warten, hoffen, sich erneut anbieten. Diese Wiederholung gehört zum Prinzip des Films: Prekarität besteht eben nicht aus einem einzigen dramatischen Tiefpunkt, sondern aus der täglichen Wiederkehr derselben Frage, wie das Geld bis morgen reichen soll. Morina steigert diese Situationen nicht künstlich zu immer größeren Katastrophen. Er lässt sie sich ablagern.

Damit gelingt ihm ein Film, der sehr konkret vom heutigen Kosovo erzählt und zugleich weit über diesen Ort hinausweist. Die Welt, in die Hatixhe und Shaban geraten, ist keine besondere kosovarische Ausnahme. Unsichere Beschäftigung, explodierende Wohnkosten, die Abhängigkeit von familiärer Unterstützung und eine Arbeitswelt, in der der Wert eines Menschen mit seiner ökonomischen Verwertbarkeit verwechselt wird, sind längst keine lokalen Phänomene mehr. Das wissen nicht nur Tankstellen-Nutzer im Jahr 2026.

Von Scham und Geld formuliert daraus keine theoretische Abhandlung. Der Film bleibt bei seinen Figuren. Gerade deshalb trifft seine gesellschaftliche Analyse. Nicht Armut allein ist hier das eigentliche Thema, sondern die Frage, was sie mit Würde, Liebe, Familie und Selbstachtung macht.

Ein Film mit Kölner Wurzeln

Visar Morina, 1979 in Prishtina geboren, studierte von 2004 bis 2009 an der Kunsthochschule für Medien Köln. Sein Abschlussfilm Der Schübling und der anschließend entstandene Kurzfilm Von Hunden und Tapeten liefen international auf Festivals. Es folgten die Langfilme Babai (2015) und Exil (2020), in denen Morina immer wieder Beziehungen zwischen Kosovo und Deutschland, Migration, Zugehörigkeit und soziale Fremdheit untersuchte. Von Scham und Geld ist sein dritter langer Spielfilm. Auch hinter der Kamera setzt sich die Kölner Verbindung fort: Bildgestalter Janis Mazuch und Produzentin Pia Hellenthal sind ebenfalls KHM-Absolvent*innen.

Mit seinem neuen Film kehrt Morina erstmals in einem Langfilm vollständig in den Kosovo zurück. Die Weltpremiere fand am 25. Januar 2026 beim Sundance Film Festival statt, wo Von Scham und Geld den Grand Jury Prize im World Cinema Dramatic Competition gewann. Bei seiner Deutschlandpremiere auf dem Filmfest München folgte der mit 10.000 Euro dotierte CineMasters Award. Der deutsche Kinostart ist am 24. September 2026.

Rund um den Kinostart ist Morina nun mit dem Film bei Sondervorstellungen unterwegs. Direkt nach Köln folgt beispielsweise am 21. September eine Hamburger Premiere im Abaton mit Morina sowie Astrit Kabashi und Flonja Kodheli.

In Köln gibt es bereits vier Tage vor dem offiziellen Kinostart gleich zwei Premierenmöglichkeiten. Am Sonntag, 20. September, um 18 Uhr läuft der Film im Filmhaus Köln. Anschließend findet ein Filmgespräch mit Visar Morina und weiteren Gästen statt; angekündigt sind auch Mitglieder des Ensembles. Da die Vorstellung ausverkauft war, kam eine zweite Premiere am selben Abend hinzu: Um 20 Uhr zeigt die Filmpalette Von Scham und Geld in Anwesenheit von Visar Morina und Hauptdarsteller Astrit Kabashi. Beide Vorstellungen sind jedoch bereits ausverkauft!

Doch hier gibt es noch Tickets: Am 28. September ist Von Scham und Geld Teil des ersten Albanian Film Festival Köln, das vom ABC Book Club Köln organisiert wird.

Die Kölner Screenings

Sonntag, 20. September 2026, 18:00 Uhr (AUSVERKAUFT!)
Filmhaus Köln
Köln-Premiere – anschließend Filmgespräch mit Visar Morina und weiteren Gästen
Maybachstraße 111, 50670 Köln
(Filmhaus Köln)

Sonntag, 20. September 2026, 20:00 Uhr (AUSVERKAUFT!)
Filmpalette Köln
Premiere mit Regisseur Visar Morina und Hauptdarsteller Astrit Kabashi
Lübecker Straße 15, 50668 Köln
(Filmpalette Köln)

Montag, 28. September 2026, 21:00 Uhr
Filmhaus Köln
Albanian Film Festival Köln 2026
Maybachstraße 111, 50670 Köln
(Filmhaus Köln)

Von Scham und Geld
Deutschland/Kosovo/Slowenien/Albanien/Nordmazedonien/Belgien 2026, 129 Min., Regie: Visar Morina, Drehbuch: Visar Morina und Doruntina Basha, Kamera: Janis Mazuch, Montage: Joëlle Alexis, Musik: Mario Batkovic, mit Astrit Kabashi, Flonja Kodheli, Kumrije Hoxha, Fiona Gllavica, Alban Ukaj und Tristan Halilaj. FSK 12. Kinostart: 24. September 2026.

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Von Werner Busch.

Vom 17. bis 27. September lädt das Afrika Film Festival Köln erneut zu einer filmischen Reise durch die vielfältigen Lebenswelten des afrikanischen Kontinents und seiner Diaspora ein. Das Thema Verlust und Vertreibung ist in einigen der Filme wesentlich, die nun vorgestellt worden sind – und die Wege, wie Menschen trotz solchen Schicksalen weiterleben. Darum bildet Heilung das Herzstück dieser Festivalausgabe: nicht als glückliches Ende, sondern als oft widersprüchlicher Prozess, der Mut, Gemeinschaft und Erinnerung braucht.

Die Geschichten stammen aus zahlreichen Ländern Afrikas und aus der Diaspora. Sie zeigen Menschen, die nach Krieg, Flucht oder persönlichem Verlust versuchen, ihr Leben neu zu ordnen. Manche finden Halt in der Musik, andere in Ritualen, im Protest oder in der Kraft familiärer Beziehungen. Gemeinsam erzählen die Filme davon, dass Hoffnung nicht bedeutet, den Schmerz zu vergessen, sondern mit ihm weiterzugehen.

Musik spielt dabei eine besondere Rolle. In Congo Boy von Rafiki Fariala entdeckt ein kongolesischer Flüchtlingsjunge in Bangui den Rap als Ausdruck seiner Erfahrungen und als Möglichkeit, sich selbst neu zu finden. El Sett von Marwan Hamed zeigt die schwerkranke Sängerin Umm Kulthum bei ihrem letzten Bühnenauftritt – ihre Stimme wird zum Trost für eine ganze Nation. In O Profeta von Ique Langa aus Mosambik und Meu Semba von Hugo Salvaterra aus Angola bewahrt Musik Erinnerungen und verbindet Generationen. Joy Boy: A Tribute to Julius Eastman würdigt den afroamerikanischen Komponisten Julius Eastman, dessen kompromisslose Musik bis heute nachwirkt.

Auch Rituale und Spiritualität geben den Figuren Orientierung. In Soumsoum, the Night of the Stars begleitet Mahamat-Saleh Haroun ein Mädchen durch die Wüste des Tschad, wo sich Alltagswelt und Mythos auf faszinierende Weise begegnen.

Mehrere Filme verstehen sich als Erinnerungsarbeit. Mohamed Siams My Father’s Scent setzt sich behutsam mit der Beziehung zum eigenen Vater auseinander. Memory of Princess Mumbi von Damien Hauser erzählt eine verdrängte Geschichte aus Kenia neu, während The People Shall zeigt, wie kollektive Erinnerung zu einer Form des Widerstands werden kann. Notes from the Underground von Chris Kets und Adrian van Wyk begleitet Hip-Hop-Künstlerinnen und -Künstler in Kapstadt, für die Rap, Breakdance, Graffiti und das „Knowledge of Self“ weit mehr sind als Kultur.

Nicht zuletzt kreisen viele Filme um die Frage, wie Menschen ihre Identität behaupten und ihren eigenen Weg finden. Der Film Black Burns Fast von Sandulela Asanda ist eine queere Coming-of-Age-Geschichte über das Erwachsenwerden, das Entdecken der eigenen Sexualität und den Mut, sich gegen gesellschaftliche Normen zu behaupten. Auch Variations on a Theme von Jason Jacobs und Devon Delmar sowie Mohammed Sheikhs Barni beschäftigen sich mit Fragen von Identität, Zugehörigkeit und den Spuren, die Herkunft und Erinnerung im Leben hinterlassen.

Andere Filme richten den Blick auf Menschen, die sich gegen Ungerechtigkeit wehren. Patience Nitumwesigas The Woman Who Poked the Leopard begleitet eine Frau, deren Widerstand auch ihrer Gemeinschaft neue Kraft gibt. Trop C’est Trop (Enough Is Enough) von Elisé Sawasawa macht den seit Jahrzehnten andauernden Konflikt im Osten der Demokratischen Republik Kongo sichtbar und fordert Gerechtigkeit ein. Truck Mama von Zipporah Nyaruri und Lady von Olive Nwosu erzählen von Frauen, die mit Ausdauer und Entschlossenheit ihren eigenen Weg gehen.

Zusammen zeichnen die Filme kein einheitliches Bild Afrikas. Stattdessen eröffnen sie vielfältige Perspektiven auf einen Kontinent, dessen Geschichten so unterschiedlich sind wie die Menschen, die sie erzählen.

Abgerundet wird das Festival durch ein vielfältiges Rahmenprogramm mit mehreren Kurzfilmreihen, Panel-Talks mit internationalen Gästen, Live-Musik sowie einer Ausstellung.

17.–27. September 2026
Filmforum NRW, Rex Kino, Lichtspiele Kalk, KHM, Off-Broadway und Comedia Theater
www.afrikafilmfestivalkoeln.de

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Von Werner Busch.

Wissenschaft soll beobachten, untersuchen und erklären. Doch was bedeutet dieser Anspruch, wenn die eigenen Forschungsergebnisse zugleich zeigen, wie schnell und tiefgreifend sich die Lebensbedingungen auf der Erde verändern? Mit dieser Frage beschäftigt sich der Dokumentarfilm Das Gewicht der Welt von Florian Heinzen-Ziob.

Der Film begleitet drei Naturwissenschaftler, die in sehr unterschiedlichen Bereichen arbeiten: die Glaziologin Maria Hörhold, den Professor für Physikalische Chemie Sebastian Seiffert und die Molekularbiologin Nana-Maria Grüning. Ihre wissenschaftliche Arbeit konfrontiert sie immer wieder mit den Folgen des Klimawandels. Dabei geraten sie zunehmend in einen Konflikt zwischen dem klassischen Anspruch wissenschaftlicher Distanz und der Frage, ob ihre Erkenntnisse nicht auch gesellschaftliches Handeln verlangen.

Heinzen-Ziob richtet seinen Blick vor allem auf die Menschen, die die aktuelle Klimakatastrophe wissenschaftlich untersuchen. Was geschieht, wenn Forschung allein nicht mehr ausreichend erscheint? Und wie verändert sich das Selbstverständnis von Wissenschaftler, wenn sie beginnen, sich öffentlich einzumischen?

Am Donnerstag, 24. September, um 18:30 Uhr zeigen die Film- und Medienstiftung NRW, die Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) und die ifs Internationale Filmschule Köln den Film gemeinsam in der Aula der KHM am Filzengraben. Heinzen-Ziob hat selbst an der KHM Filmregie und Medienkunst studiert. Das Gewicht der Welt kam im Mai 2026 ins Kino und feierte seine Weltpremiere beim DOK.fest München.

Bereits vor der Vorführung stellt die MATZE-Materialzentrale Köln in einem kurzen Input ihre Arbeit vor. Die Materialzentrale setzt sich für einen nachhaltigeren Umgang mit Materialien im Szenenbild ein und schlägt damit eine direkte Brücke von den Themen des Films zur Filmproduktion.

Nach der Vorführung spricht Moderator Ralph Caspers mit Regisseur Florian Heinzen-Ziob, der Wissenschaftlerin und Protagonistin Dr. Nana-Maria Grüning und dem Wissenschaftsjournalisten und YouTuber Cedric Engels, bekannt als Doktor Whatson. Im Mittelpunkt stehen die Verantwortung von Wissenschaft, ihre Rolle in gesellschaftlichen Debatten und die Frage, welche Möglichkeiten Medien haben, komplexe wissenschaftliche Zusammenhänge und die Dimension der Klimakrise zu vermitteln.

Der Eintritt zu der Veranstaltung ist frei, eine vorherige Anmeldung ist erforderlich. Bei der Anmeldung muss der Code DasGewichtderWelt eingegeben werden: Zur Anmeldung.

Eine Woche Klimafestival in Köln

Der Filmabend ist Teil des 2. Klimafestivals Köln, das vom 21. bis 27. September 2026 an zahlreichen Orten im Stadtgebiet stattfindet. Eine Woche lang widmen sich Unternehmen, Initiativen, Kultur- und Bildungseinrichtungen sowie die Stadt Köln unterschiedlichen Aspekten des Klimaschutzes. Das Spektrum reicht von Workshops, Diskussionen und Informationsveranstaltungen bis zu Führungen, Stadttouren, Reparaturangeboten, Ausstellungen und Veranstaltungen zum nachhaltigen Bauen, Wohnen, Konsumieren und zur Energieversorgung.

Zum Programm gehören unter anderem Führungen durch den Fernwärmetunnel unter dem Rhein und den Kronleuchtersaal der Kölner Kanalisation, Veranstaltungen zu Balkonsolar, Wärmepumpen und Kreislaufwirtschaft sowie die GREEN NIGHTS, bei denen Kölner Clubs und Veranstaltungsorte nachhaltigere Ansätze im Nachtleben vorstellen. Mit der Ausstellung Wa! Germany werden zudem Projekte zur Kreislaufwirtschaft gezeigt, die zuvor Teil des Deutschen Pavillons auf der Expo 2025 in Osaka waren.

Mit Das Gewicht der Welt bekommt innerhalb dieses breit angelegten Programms auch das Kino einen Platz – und damit die Frage, welche Rolle Bilder, Geschichten und öffentliche Kommunikation dabei spielen können, wissenschaftliche Erkenntnisse aus den Laboren in die gesellschaftliche Debatte zu tragen.

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Von Werner Busch.

Die Idee kam aus Berlin nach Köln. Im März dieses Jahres veranstaltete der ABC Book Club Berlin im ACUDkino erstmals ein Albanian Film Festival. Die Resonanz ermutigte die Mitglieder des ABC Book Club Köln, ein eigenes Festival auf die Beine zu stellen. Nun findet vom 26. bis 29. September die erste Kölner Ausgabe im Filmhaus statt.

Der ABC Book Club Köln ist eine ehrenamtlich organisierte Community von Albaner*innen aus Albanien, Kosovo, Nordmazedonien und der Diaspora. Gemeinsam liest und diskutiert die Gruppe internationale Literatur auf Albanisch. Film, Kunst und die Beschäftigung mit der gemeinsamen Kultur gehören ebenfalls zum Austausch. Das Festival wird von den Mitgliedern des Kölner Book Clubs ehrenamtlich organisiert und bislang auch selbst finanziert.

Was dabei unter albanischem Kino verstanden wird, ist bewusst weit gefasst. »Für uns ist albanisches Kino bewusst nicht geografisch auf Albanien begrenzt«, erklärt Brigite Peposhi vom ABC Book Club Köln. Zusammengebracht werden Filme und Filmschaffende aus Albanien, Kosovo, Nordmazedonien und unterschiedlichen Teilen der Diaspora. Identität, Migration, Familie, gesellschaftlicher Wandel und die Frage nach Zugehörigkeit ziehen sich in verschiedenen Formen durch das Programm.

Diese geografische Offenheit entspricht auch der Lebenswirklichkeit einer Community, die über mehrere Staaten und zahlreiche Länder der Diaspora verteilt ist. Viele der Filme sind selbst internationale Koproduktionen. Das Festival versteht albanisches Kino deshalb weniger als Kino eines einzelnen Nationalstaates denn als gemeinsamen kulturellen und sprachlichen Bezugsraum.

Ein Dorf, aus dem die Menschen verschwinden

Eröffnet wird das Festival am Samstagabend mit Everybody Calls Redjo von Ibër Deari. Der Film spielt in der albanischen Dorfgemeinschaft Sllupkovo in Nordmazedonien. Während immer mehr Bewohner*innen ihre Heimat verlassen haben, bleibt Redjo zurück. Migration und die Veränderungen innerhalb einer Dorfgemeinschaft stehen im Mittelpunkt der Geschichte.

Für die Veranstalter*innen bündelt der Film damit einige jener Fragen, die auch für das Festival selbst zentral sind: Was geschieht mit einer Gemeinschaft, wenn Menschen fortgehen? Was bleibt zurück? Und wie verändert sich das Verhältnis zur Herkunft aus der Perspektive derjenigen, die gegangen sind – oder geblieben sind? Regisseur Ibër Deari wird zur Eröffnung in Köln erwartet.

Die Auswahl führt von bereits international bekannten Filmen bis zu Arbeiten, die in Deutschland bislang weniger präsent sind. Dazu gehört Hive von Blerta Basholli. Der Film über die Kosovarin Fahrije, die nach dem Verschwinden ihres Mannes im Kosovo-Krieg versucht, die Existenz ihrer Familie zu sichern, gewann 2021 beim Sundance Film Festival den Grand Jury Prize, den Publikumspreis und den Regiepreis der World Cinema Dramatic Competition. Später gelangte Hive als kosovarischer Beitrag auf die Oscar-Shortlist für den besten internationalen Film.

Einen unmittelbaren Bezug zur Kölner Filmszene hat Visar Morina. Der im Kosovo geborene Regisseur studierte an der Kunsthochschule für Medien Köln. Seine Filme liefen unter anderem bei der Berlinale sowie in Sundance, Locarno und Karlovy Vary. Mit seinem neuen Film Shame and Money gewann Morina Anfang 2026 beim Sundance Film Festival den World Cinema Grand Jury Prize der Dramatic Competition.

Der Film erzählt von einer kosovarischen Familie, die nach dem Verlust ihrer Lebensgrundlage ihr Dorf verlassen muss und in die Hauptstadt zieht. Shame and Money ist eine Koproduktion zwischen Deutschland, Kosovo, Slowenien, Albanien, Nordmazedonien und Belgien. Morina kommt zur Vorführung ins Filmhaus und spricht anschließend in einem Q&A mit dem Publikum.

Geschlechterrollen und kulturelles Erbe

Ebenfalls persönlich zu Gast ist die deutsche Filmemacherin Kristine Nrecaj, die als Regisseurin, Autorin und Produzentin arbeitet. In ihren Filmen beschäftigt sie sich unter anderem mit Nachkriegsrealitäten, Geschlechterrollen, Tradition und kultureller Identität.

Beim Festival wird ihr gemeinsam mit Birthe Templin realisierter Dokumentarfilm WO/MEN gezeigt. Im Zentrum stehen sechs Burrneshas und ihre Lebensgeschichten. Der Film untersucht Geschlechterrollen, Identität, kulturelles Erbe und weibliche Selbstbestimmung. Nrecaj wird nach der Vorführung für ein Publikumsgespräch anwesend sein.

Zum Programm gehören darüber hinaus Filme verschiedener Generationen und Produktionskontexte: Edmond Budinas Balkan Bazar, Antoneta Kastratis Zana, Robert Budinas Waterdrop und Florenc Papas’ Luna Park treffen auf mehrere Kurzfilme. Damit soll die erste Ausgabe zugleich einen Eindruck davon vermitteln, wie unterschiedlich Geschichten aus Albanien, Kosovo, Nordmazedonien und der Diaspora erzählt werden können.

Çifteli, Jazz und bildende Kunst

Das Festival beschränkt sich nicht auf die Filmvorführungen. Zur Eröffnung tritt die in Hamburg lebende albanische Musikerin Hava Bekteshi auf. Ihr Instrument ist die Çifteli, eine traditionell vor allem von Männern gespielte zweisaitige Langhalslaute. Bekteshi verbindet das Instrument mit Einflüssen aus klassischer, elektronischer, Pop- und psychedelischer Musik und bringt damit eine musikalische Tradition der albanischen Kultur in einen zeitgenössischen Kontext.

Am Sonntag ist vor der Vorführung von WO/MEN ein Artist Talk mit Serhat Emrulai geplant. Der aus Nordmazedonien stammende visuelle Künstler studierte an der Akademie der Schönen Künste in Venedig und lebt seit Kurzem in Düsseldorf. In seinen Arbeiten verbindet er Abstraktion, Figuration und Rauminstallation und beschäftigt sich mit psychologischen, sozialen und politischen Themen. Zuletzt war seine Einzelausstellung We are moving to a new location im Museum of Contemporary Art Skopje zu sehen.

Auch der Abschlussabend am 29. September wird musikalisch begleitet. Der in Tirana geborene Pianist, Komponist und Produzent Gert Kapo lebt seit vielen Jahren in Köln und studierte klassisches Klavier an der Hochschule für Musik und Tanz Köln. In seiner Musik verbindet er albanische und balkanische Traditionen mit Jazz und weiteren Einflüssen.

Gerade diese Verbindungen sind den Organisator*innen wichtig. Film, Musik und bildende Kunst sollen einen gemeinsamen Raum schaffen, in dem sich die albanische Community, Filmschaffende und ein Kölner Publikum begegnen können, das möglicherweise bislang wenig Berührung mit albanischem Kino hatte.

Dabei soll es nicht bei einer einmaligen Veranstaltung bleiben. Ziel ist es, das Albanian Film Festival Köln jährlich stattfinden zu lassen. Auch der ABC Book Club Berlin plant bereits eine weitere Ausgabe. Für Köln geht es dabei langfristig um mehr als eine jährliche Filmreihe. »Wir hoffen sehr, dass daraus mit der Zeit ein nachhaltiges Netzwerk und ein fester Raum für albanisches Kino in Köln entstehen kann«, sagt Brigite Peposhi.

Das Programm

Samstag, 26. September

18:45 Uhr – Opening + Everybody Calls Redjo
Nordmazedonien 2025, Regie: Ibër Deari, 120 Min.

21:30 Uhr – Hive
Kosovo/Schweiz/Albanien/Nordmazedonien 2021, Regie: Blerta Basholli, 84 Min.

Sonntag, 27. September

15:00 Uhr – Balkan Bazar
Albanien/Italien 2011, Regie: Edmond Budina, 91 Min.

• Kurzfilm Heaven Has Been Fooled, Albanien 2017, Regie: Odeta Çunaj, 14 Min.

17:00 Uhr – WO/MEN
Deutschland 2025, Regie: Kristine Nrecaj und Birthe Templin, 85 Min.
Mit Q&A mit Kristine Nrecaj; zuvor Artist Talk mit Serhat Emrulai.

21:00 Uhr – Zana
Kosovo/Albanien/USA/Georgien 2019, Regie: Antoneta Kastrati, 97 Min.

• Kurzfilm Chamomile, Griechenland 2012, Regie: Neritan Zinxhiria, 15 Min.

Montag, 28. September

21:00 Uhr – Von Scham und Geld – Shame and Money
Deutschland/Kosovo/Slowenien/Albanien/Nordmazedonien/Belgien 2026, Regie: Visar Morina, 120 Min.
Mit Q&A mit Visar Morina.

Dienstag, 29. September

19:00 Uhr – Waterdrop
Albanien 2024, Regie: Robert Budina, 90 Mi

Titelbild: Von Scham und Geld (C) Janis Mazuch / eksystent Filmverleih

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Von Werner Busch.

Ein Film über das Erkunden einer Stadt wird zum Ausgangspunkt für eine eigene Expedition durch Köln: Am Samstag, 26. September, zeigt die DOKOMOTIVE Plattform Warschau Frankenstein von Christiane Büchner an einem bewusst ungewöhnlich gewählten Ort im Nordwesten der Stadt. Vor der Vorführung können sich die Besucher*innen gemeinsam mit Boris Sieverts auf eine rund anderthalbstündige Erkundung der Umgebung begeben. (plattform.dokomotive.com)

Der 2012 entstandene, 98-minütige Dokumentarfilm begleitet Sieverts und sein »Büro für Städtereisen« durch Warschau. Der Kölner Künstler beschäftigt sich seit den 1990er-Jahren mit Räumen, die in klassischen Stadtführungen kaum vorkommen: Übergangszonen, Brachen, infrastrukturelle Zwischenräume und jene Wege, die nicht unbedingt auf dem Stadtplan vorgesehen sind. Dabei verbindet er scheinbar voneinander getrennte Gebiete zu neuen räumlichen Zusammenhängen. (plattform.dokomotive.com)

Auch in Warschau Frankenstein führt der Weg entsprechend nicht zu den bekannten Sehenswürdigkeiten der polnischen Hauptstadt. Büchners Film folgt Sieverts durch Nischen, Schneisen und Trampelpfade und beobachtet die Stadt als ein Gefüge, das durch seine Bewohner*innen ständig benutzt, verändert und neu interpretiert wird. Die Stadterkundung wird dabei selbst zu einer künstlerischen Praxis. Der Film feierte 2012 beim Open Air im Museum für Angewandte Kunst Köln Premiere und lief im folgenden Jahr unter anderem beim Festival Crossing Europe in Linz. (plattform.dokomotive.com)

Für die Kölner Vorführung greift DOKOMOTIVE diesen Ansatz auf und überträgt ihn auf den Stadtraum. Um 16.30 Uhr startet eine von Boris Sieverts geführte Erkundung im Kölner Norden. Nach rund anderthalb Stunden führt der Weg zum improvisierten Screening-Ort, an dem ein kleines Buffet und die Filmvorführung vorgesehen sind. Im Anschluss sprechen Boris Sieverts und Regisseurin Christiane Büchner mit dem Publikum über den Film. (plattform.dokomotive.com)

Wer auf die vorausgehende Erkundung verzichten möchte, kann auch direkt zum Screening kommen. Treffpunkt dafür ist um 18 Uhr die KVB-Haltestelle IKEA Am Butzweilerhof; von dort wird die Gruppe zum Vorführungsort gebracht. Für beide Varianten ist ein Ticket erforderlich, die Kapazitäten sind begrenzt. Für die Führung werden eine gewisse Grundfitness, festes Schuhwerk und lange Hosen vorausgesetzt. Auch der Screening-Ort ist nicht barrierefrei und nicht für Rollstühle geeignet. (Qultor)

So kehrt Warschau Frankenstein vierzehn Jahre nach seiner Kölner Premiere in einem Rahmen zurück, der unmittelbar an die Methode des Films anknüpft: Die Umgebung wird vor der Vorführung selbst zum Gegenstand der Betrachtung – und der Weg zum Kino zum Teil des Programms.

Warschau Frankenstein auf urbanen Trampelpfaden
Samstag, 26. September 2026
Erkundung mit Boris Sieverts: 16.30 Uhr
Screening: Treffpunkt 18 Uhr, KVB-Haltestelle IKEA Am Butzweilerhof
Film: Warschau Frankenstein, D/PL 2012, 98 Min., Regie: Christiane Büchner
Anschließend Filmgespräch mit Christiane Büchner und Boris Sieverts

Weitere Informationen und Tickets bei DOKOMOTIVE

Titelbild: Warschau Frankstein (2010), Foto: 2pilots

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Von Werner Busch.

Mit der Reihe NRW Independents bringt das Filmbüro NW Filme zurück auf die Leinwand, die mit seiner Förderung entstanden sind und heute nur noch selten im Kino zu sehen sind. Die inzwischen 21. Ausgabe widmet sich am Dienstag, 22. September, Hans-Erich Viets Dokumentarfilm Milch und Honig aus Rotfront. Gezeigt wird eine frisch digitalisierte Fassung des Films, der Ende der 1990er-Jahre in Kirgisistan entstand.

Im Zentrum steht das Dorf Rotfront, rund acht Flugstunden von Deutschland entfernt. Dort leben Nachfahren von Mennoniten, deren Vorfahren einst aus Ostfriesland nach Zentralasien auswanderten. Deutsch und insbesondere Plattdeutsch sind in der Gemeinschaft ebenso erhalten geblieben wie andere kulturelle Spuren der früheren Heimat. Viet war 1995 während einer Reise deutscher Filmemacher durch Kirgisistan und Kasachstan auf das Dorf aufmerksam geworden. Wenige Jahre später kehrte er für die Dreharbeiten zurück.

Milch und Honig aus Rotfront konzentriert sich auf zwei Brüder und damit auf zwei unterschiedliche Lebensentscheidungen. Während der eine nach Deutschland zurückgekehrt ist, hat sich der andere bewusst dafür entschieden, in Kirgisistan zu bleiben. Von dieser Familiengeschichte ausgehend öffnet der Film den Blick auf eine Gemeinschaft, für die Herkunft, Sprache und Heimat keineswegs zwangsläufig am selben Ort zusammenfallen.

Dabei geht es Viet nicht allein um die Geschichte der sogenannten Aussiedler. Der Film stellt grundlegendere Fragen nach Zugehörigkeit, Erinnerung und der Vorstellung von einem besseren Leben an einem anderen Ort. Zwischen der zentralasiatischen Steppe und Deutschland begegnen sich Lebensentwürfe, die sich weder eindeutig als Bleiben noch als Aufbruch beschreiben lassen. Viet selbst formulierte den Ansatz als Suche nach Antworten auf Fragen über »Ferne und Heimat, Sehnsucht und ihre Beschränkung«.

Gedreht wurde Milch und Honig aus Rotfront in Schwarz-Weiß von Kameramann Thomas Keller, die Produktion übernahm Herbert Schwering. Der Film entstand als Produktion von Schwering & Viet-Film beziehungsweise in Koproduktion unter anderem mit dem ZDF und wurde vom Filmbüro Nordrhein-Westfalen gefördert. Die Montage stammt von Anne Fabini. 2001 war der Film für den Deutschen Filmpreis als Bester Dokumentarfilm nominiert.

Für die Kölner Wiederbegegnung mit dem Film sind gleich drei seiner maßgeblichen Beteiligten vor Ort: Neben Regisseur und Autor Hans-Erich Viet nehmen auch Kameramann Thomas Keller und Produzent Herbert Schwering am anschließenden Filmgespräch teil. Damit bietet die Vorführung nicht nur Gelegenheit, einen inzwischen 25 Jahre alten Dokumentarfilm in seiner digitalisierten Fassung wiederzuentdecken, sondern auch aus unterschiedlichen Perspektiven auf seine Entstehung zurückzublicken.

NRW Independents #21: Milch und Honig aus Rotfront
Dienstag, 22. September 2026, 19.30 Uhr
Filmhaus Köln
D 2000, 116 Min., s/w
Regie/Buch: Hans-Erich Viet
Kamera: Thomas Keller
Produktion: Herbert Schwering
Montage: Anne Fabini

Anschließend Filmgespräch mit Hans-Erich Viet, Thomas Keller und Herbert Schwering.

Tickets: 9 Euro regulär, 8 Euro mit Köln- und Gildepass, 7 Euro für Zuschauer*innen bis 24 Jahre. Mitglieder des Filmbüro NW haben nach Anmeldung beim Filmbüro freien Eintritt. Die Veranstaltung wird vom Filmbüro NW organisiert und vom Kulturamt der Stadt Köln gefördert.

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Von Frank Olbert.

Köln ist die 1972 in Neuss geborene Nancy Mac Granaky-Quaye auf vielfältige Weise verbunden. Hier hat sie an der ifs internationale filmschule Regie studiert und ist seit vielen Jahren in der Filmszene aktiv. Vor allem aber gestaltete sie als Kuratorin das Afrika Filmfestival Köln mit, das nun ihren neuen Film zeigt: Das Geheimnis der gestohlenen Maske ist ein Krimi für Kinder, in dem die Protagonistin, die elfjährige Johanna, zum ersten Mal ihrem Großvater Kito aus Tansania begegnet. Ein gemeinsamer Museumsbesuch konfrontiert Johanna mit einem Problem, das seit geraumer Zeit nicht allein die deutsche, sondern die europäische Kunst- und Museumsszene beschäftigt: Wie gehen die Museen der ehemaligen Kolonialmächte mit Ausstellungsstücken um, die den einstmals kolonisierten Ländern geraubt wurden? In einem Workshop im Anschluss an die Vorführung kann das Publikum dieses Thema vertiefen.

In ihrem Spielfilmdebüt „Homeshopper’s Paradise“ beschäftigte sich Nancy Mac Granaky-Quay mit der Lebenswirklichkeit der afrodeutschen Punkerin Lisa zwischen ihrem Alltag im Bauwagen und der kapitalistisch aufpolierten Welt des Teleshopping. Der Film feierte in Hof Premiere und lief auch auf dem Max-Ophüls-Festival in Saarbrücken, und wie in Das Geheimnis der gestohlenen Maske nutzte die Regisseurin die Stilmittel der Komödie, um sperrige Fragen und Charaktere aufzubrechen. Mit ihrem neuen Film kehrt sie nun also zu einem Festival zurück, dem sie in anderer Funktion bereits eng verbunden war.

Frank Olbert: Nancy, Das Geheimnis der gestohlenen Maske bearbeitet ein komplexes Problem, nämlich Raubkunst, in einem Krimi, und dann auch noch in einem Krimi für Kinder. Wie geht das?

Nancy Mac Granaky-Quaye: Da wir – Produktion, Drehbuch, Regie – davon ausgehen mussten, dass die Zuschauenden nicht viel über dieses Thema wissen, wollten wir sie da abholen, wo sie sind. Uns war wichtig, dass der Film unterhaltsam und nicht belehrend ist. Am Ende haben wir mit viel Humor gearbeitet, um die ernsthaften Themen des Films aufzufangen. Generell ist mir Humor in meinen Filmen immer sehr wichtig. Der Prozess war insgesamt unglaublich intensiv, weil jede und jeder unterschiedliche Perspektiven hatte und allen der Film wichtig war. Eine besondere Herausforderung bei Kinderdrehs sind die zeitlichen Vorgaben, die man einhalten muss.

Gibt es eine Art „kindlicher Perspektive“ auf das Erbe des Kolonialismus und den Umgang damit – unter anderem den der Museen?

In den 1970er-Jahren gab es schon einmal eine weltweite Debatte um Raubkunst. Ich würde deshalb sagen, es geht darum, dass man Traumata nicht verdrängen kann. Sie kommen immer wieder hoch, egal, wie sehr wir sie unterdrücken. Wenn wir uns ihnen widmen und sie verarbeiten, haben wir eine Chance, uns weiterzuentwickeln. Und ganz kindlich-pragmatisch: Wenn Unrecht getan wurde, kann man versuchen, es wieder gutzumachen.

Zum Afrika Film Festival Köln – du bist dem Festival lange verbunden. Was bedeutet dieses Festival für Dich persönlich, und und wie bewertest Du seine Ausstrahlungskraft, auch über Köln hinaus?

Ich war einmal auf dem renommierten Durban Filmfestival in Südafrika. Jeder dort kannte das Afrika Film Festival Köln. Es ist eines der wichtigsten Festivals mit diesem Schwerpunkt. Die Filme, die wir dort sehen können, sind qualitativ auf einem Niveau mit europäischen oder amerikanischen Filmen. Die Erzählungen sind am Puls der Zeit, universell und spannend. Sie helfen, geopolitische Zusammenhänge besser zu verstehen. Auf der anderen Seite ist das Festival als Publikumsfestival ein toller Treffpunkt und „the place to be“ im Herbst. Ich versuche, jedes Jahr zu kommen, aber leider klappt es nicht immer.

Wie schätzt Du die Entwicklung des deutschen Films im Blick auf Diversität ein?

Es hat sich ein bisschen zum Guten verändert, aber durch die Wirtschaftskrise und den politischen Rechtsruck gibt es eine spürbare Rückwärtsentwicklung. Firmen, Sender und Förderer setzen vermehrt auf Altbewährtes und gehen weniger Risiken ein.

Was sind Deine Projekte, woran arbeitest Du aktuell?

Momentan bin ich noch in der Schnittphase einer Teenager Serie für die BBC Germany. Dann habe ich einen Film-Stoff, an dem ich gerne weiterarbeiten würde, aber wie immer fehlt die Zeit.

Das Geheimnis der gestohlenen Maske läuft am 20. September im Rahmen des Afrika Filmfestivals Köln um 13.30 Uhr in den Lichtspielen Kalk.

Der Workshops findet in den wenige Minuten entfernten Räumen des deepower e.V. statt, Ottmar-Pohl-Platz 3a in 51103 Köln.

Titelbild: Das Geheimnis der gestohlenen Maske, Foto (c) Steffen Junghans/MadeFor

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Von Werner Busch.

Save the Date: Vom 10. bis 15. Oktober 2026 bringt das Junge Filmfestival Köln / Cinepänz wieder aktuelles Kinder- und Jugendkino auf die Leinwände der Stadt. Für die 37. Ausgabe kündigt das Festival mehr als 30 Lang- und Kurzfilme an – darunter Animations- und Dokumentarfilme sowie ausgezeichnete Festivalbeiträge. Gespielt wird an insgesamt zehn Orten im Kölner Stadtgebiet, darunter Filmhaus Köln, Filmforum NRW, Lichtspiele Kalk und Odeon Lichtspieltheater.

Als Eröffnungsfilm steht bereits Papaya von Priscilla Kellen fest. Der Debüt-Animationsfilm feierte 2026 bei der 76. Berlinale Premiere und erzählt von einem winzigen Samenkorn, das sich den Erwartungen seiner Umgebung nicht fügen will – eine Geschichte über Neugier und Rebellion. Zur Festivaleröffnung sind neben dem Film ein Filmgespräch, Aktionen und ein anschließendes Mitmachangebot geplant.

Cinepänz richtet sich an Kinder und Jugendliche ebenso wie an Familien, Schulklassen, Kitagruppen und Filmbegeisterte jeden Alters. Neben den Filmvorführungen gehören Workshops und Möglichkeiten zur Mitarbeit in den Festivaljurys zum Programm. Das vollständige Film- und Veranstaltungsprogramm soll in den kommenden Wochen bekannt gegeben werden.

Junges Filmfestival Köln / Cinepänz
10.–15. Oktober 2026

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Von Nils Bothmann.

Ab Mittwoch, den 9. September, startet die diesjährige Ausgabe des Fantasy Filmfest in Köln, in der Residenz Astor Filmlounge. Für eine gute Woche, bis Mittwoch, den 16. September, ist mal eine Auswahl von Genrefilmen aus aller Welt zu sehen. Der Vorverkauf startete am 21. August und einige Vorstellungen sind bereits ausverkauft. Besonders gut im Programm kennt sich Matthias Strunz, das Kölner Gesicht des FFF aus, mit dem wir auf die diesjährige Ausgabe voraus-, aber auch ein wenig in die Vergangenheit blicken.

Matthias‘ besondere Empfehlung ist der diesjährige Eröffnungsfilm Leviticus (2026) – der allerdings zu den bereits ausverkauften gehört. „Leviticus ist wahrscheinlich der tollste Film von allen, der Höhepunkt und ein Must-See. Wahnsinnig toll gemacht und mit unglaublichen Schauspielern, richtig auf Film gedreht, und mit einer unheimlichen Liebe zu Bildern, das ist ja immer ganz wichtig. Bei vielen Filmen heutzutage geht genau das ja leider verloren. Und der hat eine wahnsinnig tolle Geschichte.“ Die oft benutzte Zusammenfassung „It Follows meets Heated Rivalry“ kann er allerdings nicht teilen. „Der spielt nicht beim Eishockey und es ist auch in dem Sinne keine Liebesgeschichte. Da geht es hart zur Sache, wie so oft im ländlichen Australien: Da werden die Jungs von ihren religiös-extremen Eltern in eine Umerziehungsreinrichtung gesteckt. Und, ich will nicht spoilern, aber es geht nicht wie in It Follows um einen Geist, der von einer Person zur anderen springt. Aber es ist ein richtiger Horrorfilm, nicht nur weil die Eltern ihre Kinder in diese Anstalt stecken. Der hat auch noch keinen Verleih in Deutschland. Artur und Rainer wurde der angeboten, und die haben den direkt nach dem Sichten als Eröffnungsfilm genommen.“ Zum Auswahlprozess für das FFF haben wir auch in mit Festival-Co-Direktor Artur Brzozowski in unserem Interview zum Jubiläum gesprochen.

Neben dem Eröffnungsfilm ist auch der Abschlussfilm immer ein besonderer und besonders begehrter Film. Auch Hope (2026) von Na Hong-jin ist bereits ausverkauft. Der südkoreanische Filmemacher und das Festival sind eng verbunden, denn die drei Vorgängerfilme des Regisseurs – The Chaser (2008), The Yellow Sea (2010) und The Wailing (2016) – waren alle auf FFF-Veranstaltungen zu sehen. „Hope lief ja in Cannes, und die Leute waren etwas angepisst, weil die Effekte von den Alienmonstern noch nicht fertig waren. Der ist nach dieser massiven Kritik nochmal überarbeitet worden und wir haben jetzt die fertige Fassung mit guten Effekten. Den muss man gucken – koreanische Endzeitfilme sind ja eh immer klasse“, meint Matthias. Wer keine Karte für Hope ergattern konnte, aber trotzdem einen Na-Hong-jin-Film auf der großen Leinwand sehen, für den gibt es die Wiederaufführung von The Chaser am Montag, den 14. September um 21.30 Uhr.

Gleichermaßen überrascht wie erfreut ist Matthias von dem Andrang für den japanischen Supermarkt-Horrorfilm AnyMart (2026), der am Samstag, den 12. September, um 15 Uhr läuft. „Es gibt in Asien überall Märkte dieser Art, wie 7Eleven und Familymart. Wenn ich dort bin, dann geht für mich gar nichts ohne die, die verkaufen sogar Socken. AnyMart greift das auf, als ganz toller Film, aber dass der so voll wird, damit habe ich nicht gerechnet.“

Eine Matthias-Empfehlung anderer Art ist Buddy (2026) aus den USA, der am Freitag, den 11. September, um 21 Uhr läuft. „Darin geht es um ein Plüscheinhorn, das auf Kinder aufpasst, und wenn die nicht spuren, dann wird es auf derbe Weise ungemütlich. Der ist extrem lustig. Den kann man nicht mit Leviticus vergleichen, vom Filmischen her, aber das ist ein toller Trashfilm, alle werden Spaß haben in diesem vollen Kino.“

Neben den Langfilmen im Programm gewinnt der Kurzfilm beim FFF immer mehr an Bedeutung. Tradition ist das Kurzfilmprogramm „Get Shorty“, das Produktionen aus aller Welt zeigt. Es gibt Kurzfilme als Vorprogramm, etwa Window Shopper (2026) von Kim-Fabio Klein vor der abgedrehten Komödie Vertiginous (2026) von FFF-Liebling Quentin Dupieux. Und in diesem Jahr gibt es erstmals in jeder Festivalstadt ein Filmhochschul-Kurzfilmprogramm, mit lokalen Spezialitäten. In Köln kooperiert das FFF dafür mit der Kunsthochschule für Medien.

„In den anderen Städten haben wir das ja schon länger; hier in Köln hat es etwas gedauert, ging zum Schluss dann aber ganz schnell, sodass wir das wir vier Arbeiten der KHM zeigen“, erzählt Matthias. „Die Regisseur*innen sind auch vor Ort, und auch Leute vom Team, wenn ich das richtig verstanden habe, außerdem die Dozentin. Das wird sicher großartig. Wobei unsere Kurzfilmprogramme wie ‚Get Shorty‘ ja eh immer toll sind, aber auf das hier haben echt lange hingearbeitet, damit das klappt, da bin ich ganz besonders stolz drauf.“

Ansonsten gibt es Langfilme für jeden Genre-Geschmack. Für Fans des klassischen Wuxia-Films hat Hongkong-Veteran Yuen Woo-Ping (Tiger Cage, 1988; In the Line of Duty IV, 1989; Iron Monkey, 1993) sein neues Kampfkunst-Epos Blades of the Guardians (2026) parat, mit Stars wie Jet Li und Tony Leung in Nebenrollen (Donnerstag, 10. September, 21.45 Uhr). Für Liebhaber des modernen Martial-Arts- und Action-Kinos gibt es mit Tristes Tropiques (2025) derbe Auftragsmörder- und Unterwelt_Verteilungskämpfe von Park Hoon-jung, der schon mit New World (2013) ein echtes Ausrufezeichen setzte (Freitag, 11. September, 21.30 Uhr). Für Freunde des abgedrehten Humors läuft die französische Komödie The Better Me (2025), in der ein Vorstädter mit Halbglatze und Schmerbauch in seinem neuen Nachbarn einen verbesserten Doppelgänger seiner selbst zu sehen glaubt (Mittwoch, 16. September, 14 Uhr). Für Connaisseure des Coming-of-Age-Thrillers hat das diesjährige Centerpiece The Plague (2024) einiges zu bieten, in dem zwei Jungen in einem Wasserballcamp Mobbing-Attacken ausgesetzt sind, was zu immer derberen Vorfällen führt (Sonntag, 13. September, 16.45 Uhr).

Matthias arbeitete ursprünglich für das inzwischen eingestellte Filmfestival Verzaubert, das wie das FFF von Rosebud Entertainment organisiert wurde. „Ich hab in München studiert. Die Rosebud-Leute kommen ja alle aus München. Eine Programmiererin, mit der ich befreundet war, Eva Wegner, hat damals beim Filmmuseum bei Enno Patalas gearbeitet. Als ich nach Bonn gezogen bin, haben die mich gefragt, ob ich die Werbeakquise und die Lokalbetreuung für Köln machen könnte“, blickt er zurück. „Zwei Jahre später bin ich dann auch beim Fantasy Filmfest eingestiegen. Das war ein bisschen überraschend. Der Andreas, der damals gemacht hat, meinte, er wär dann mal weg, und dann stand ich vor 500 Leuten und musste zwei Tickets nach Paris verlosen. Ich weiß nicht mehr, welcher Film das war, aber der Verleiher war Kinowelt. Seitdem mache ich das nur.“ Beim Kölner FFF ist Matthias also von Anfang an dabei.

In dies er Zeit hat er auch einige Umbrüche miterlebt. Die Anzahl der Festivalstädte wuchs auf die mittlerweile sieben an, weitere Locations (wie Hannover) wurden ausprobiert, wegen mangelnden Erfolgs aber nur einmal bespielt. Auch technische Weiterentwicklungen gehörten dazu. „Ich hab diese ganze Umstellung mitgemacht von 35mm auf digital. Die Umstellung war schwierig, aber für uns natürlich auch toll. Einmal hing ein spanischer Film beim Zoll hier am Kölner Flughafen fest. Da musste ich diese dicke, schwere Rolle abholen und damit nach Berlin fliegen“, blickt er lachend zurück. Berlin macht traditionell den Anfang in der FFF-Städtetour. „Der Film lief eine Stunde nach meiner Ankunft und mein Standort wurde quasi live auf der Bühne durchgegeben. Ich wäre jetzt am großen Stern im Taxi, jetzt nur noch fünf Minuten entfernt, und so.“

Aus der Zeit der Filmrollen stammt die Struktur, dass das Festival zeitversetzt in verschiedenen Städten läuft, meist zeitgleich an zwei Orten. „Aus diesem Grund liefen Frankfurt und Köln parallel, damit die räumliche Entfernung für den Rollentausch während des Festivals möglichst gering war. Meine Lieblingsanekdote ist aus dieser Zeit. Wir hatten damals Fahrer, die das erledigt haben, und einer hat einen geilen Kerl gesehen und war dann mit den Filmkopien im Westerwald verschwunden. Das war echt der Knaller“, teilt Matthias seine Erfahrung.

Nicht nur der Rollentausch entfällt und damit auch die unterschiedliche Programmierung für jede einzelne Festivalstadt. Auch andere technische Probleme gehören damit der Vergangenheit an, wie Matthias zu berichten weiß: „Damals mussten die Kurzfilmprogramme ja noch zusammengebaut werden, auf diesem Teller. Und einmal ist der Zusammenbau schief gegangen, da liefen die Filme von hinten nach vorne und von oben nach unten.“

Mit Blick auf das diesjährige Festival erwartet der Festivalmacher eine besonders erfolgreiche Ausgabe. „Festivalausgaben laufen ja immer unterschiedlich. Vorletztes Jahr kamen solche Massen, da wusste ich gar nicht, wo mir der Kopf steht, letztes Jahr war es nicht so viel, dieses Jahr ist wieder der große Ansturm. Das liegt an den Filmen; gesehen hat die meist natürlich kaum jemand aus dem Publikum, aber es geht um den Hype. Weil ein bekannter Regisseur dahintersteckt, weil der Film so lange zurückgehalten wurde oder so. Das spricht sich im Internet rum und sorgt für den Ansturm.“

Die acht Tage des FFF-Jubiläums versprechen auf jeden Fall wieder eine bunte Wundertüte des Genrekinos, vom surreal-komödiantischer Phantastik bis hin zum blutig-dreckigen Splatterhorror. Auch wenn für manche Highlights keine Karten mehr zu bekommen sind.

Mehr zum Programm und zum Ticketerwerb gibt es auf der Homepage des Festivals.

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Der Beitrag Trifft das Plüscheinhorn auf das Alienmonster: Das Fantasy Filmfest 2026 erschien zuerst auf Filmszene Köln.